MAGNA CARTA - SEASONS 1970

Otro hermoso trabajo de aroma folk que enamorará a los amantes de piezas apacibles y de atmósferas cálidas y candidas.

Su conjuración musical recuerda al exótico trato atmosférico de Donovan (especielmente en "Sunshine Superman"). Un exquisito trabajo de dulces melodías y ensoñadoras alegorías a las estaciones del año y a ricas imágenes, en singulares aventuras de un romántico peregrino y sus diferentes visiones a lo largo de su sendero.

Basta cone scuchar la estupenda "Seasons" soberbio corte de veintidos minutos que nos lleva a lo largo de las diversas escationes y cambios que van pasando durante el año. Su acertado empleo de las cuerdas, el bajo y el apartado vocal de memorables textos que van creando animadas subhistorias comforme se va avanzando. Mantenie su apacible calma y encanto en un rico corte lleno de imaginería lyírica y hermosura sonora.

"Goin' My Way [Road Song]" es otro hermoso y divertido corte pop-folk de fino cuidado melódico, imposible resistuirse a corear su tu, tu, tu, tu....
y su instantanea y directa frescura musical.

"Elizabethan" es una hermosisima balada de triste trasfondo de desamor. Se lucen en las cuerdas y en su talento para crear atmósferas sentidas y lelvas de sensibilidad.

"Give Me No Goodbye" es un muy disfrutable corte, de encantadora melodía y rica sección instrumental, de lo más ilharante del disco, refresca con animado rítmo la carga acústica folk en su clamado por no ser abandonado por sus er amado. "Ring Of Stones" es un estimable corte con partes intensas de batería y bajo y partes calmadas de guitarra acústica.

"Scarecrow" no narras la inocente historia de un ensoñador espantapajaros que ve pasar los dias y las escaciones en su triste añoranza de tener una canción para cantarla cada día.

El disco no podría terminar mejor que con las deliciosa "Airport Song", un memorable corte con acertada y sutil sección de violines y hermoso apartado de cuersa en su melancólica melodía vocal.

Qué hermoso disco, imposible no lanzar un suspiro al aire...

STRAWBS - FROM THE WITCHWOOD 1971

Los sonidos folk con aires medievales son revisados y vividos en este magistral trabajo de psicodelia con matices progresivos en base folk.

Así este "From The Witchwood" nos invita a sus escondidas y recónditas lejanias en los bosques, llenos encanto y magia en el aire. Sus melodías son muy bien cuidadas, al igual que el manejo de la intensidad que permite despertar sensaciones y fascinaciones en la mente y en los oidos.

Comienza con la hermosa "A Glimpse of Heaven", de sublime melodía muy bien dulcificada instrumentalmente, y con pasaje intenso de banjo y farfisa en su parte media; brillante evocación a la psicodelia.

Son muy meticulosos es su conjuración sonora en su apartado instrumental (muy a la oferta baroque de Duncan Browne en "Give me Take you"), por ejemplo está "Witchwood", otrol magistral corte de evocación oriental con exóticas sección de cuerdas; encantadora y cautivadora pieza que te envuelve en su apacibilidad.

Sugerentes acordes de sitar acompañan en "Thirty Days", otro risueño y animado corte que esconde una solemne misión por parte del autor. "Flight" es un hermoso corte que enamora en sus bellos textos sobre el tiempo y la busqueda del amor.

Conjuraciones folk de aire medieval en "The Hangman and the Papist", de intrincada historia de justicia que nos situa en momentos previos a que un hombre sea mandado a morir colgado en la soga.


Intensa psicodelia con progresivo en "Sheep", un interesante corte de marcada intensidad que juega con la inocencia infantil ante la indulgente e indiferente humanidad. "Cannondale" ofrece aromas orientales con sitares y ejercicios corales en un muy disfrutable corte de folk psicodélico.

"The Shepherd's Song" es otro magistral corte de aires españoles en su sección de trompetas, y subliminal arreglos folk muy de estilo Aphrodite's Child.

"In Amongst the Roses" es un corte acústico más calmado de inocentes y risueños textos.

El disco culmina con "I'll Cary on Beside You", pieza de marcado optimismo y esperanza con sublime trato melódico y jolgórica atmósfera sonora.


Invita a cantarla y corearla poniendo punto final a este memorable trabajo de la banda inglesa

RENAISSANCE - TURN OF THE CARDS 1974

Conmovedor acierto de la banda, ya más madura en su sonido característico y en su esencia folk medieval.

Magistral trabajo que te envuelve en su fascinante aventura, solo debes dejarte llevar por su nutrida parte instrumental llena de violines, notas de piano y delicadas cuerdas que enaltecen la prodigiosa melodía vocal de Annie Haslam, conjurando delicia tras delicia para tus oidos.

"Running Hard" da inicio al disco con una notable intro de piano, generando intriga y despertando interés que desencadena en una aventura sonora de ansiosas sensaciones. Glorioso corte que se enaltece en su parte media con arreglos orquestales de trompetas y violines acompañado de ejercicios corales.

Una de cortes más hermosos que pudo haber conjurado la banda es sin lugar a dudas "I Think of You", un bellísimo corte de melodía y textos simples, más posée profundidad y sensibilidad instrumental y vocal en sus delicadas e intensas notas de piano junto con la primorosa voz de Annie Haslam...imposible no lanzar un suspiro al aire.

"Things I Don't Understand" aumenta la intensidad en un corte de confusión con mensaje esperanzador. Extenso corte con envolventes pasajes vocales, corales, de penumbra y mística. Recobra su calma a mitad de la pieza con delicadeza por parte de su fémina vocalista, en risueños y celestiales ejercicios vocales. Soberbio corte.

"Black Flame" es un corte oscuro y de conseguida atmósfera lúgubre. La deslumbrante "Cold Is Being" es uno de los más brillantes cortes de este trabajo; fulminante corte con consistente órgano de iglesia más la voz profunda y recóndita anunciando un infortunado porvenir a la humanidad.

Pero es "Mother Russia" , sus espeluznante y tétrica intro te capura en su funesta y catastrófica atmósfera sonora. Magistral construcción instrumental y trato dramático; posée un meritorio pasaje final de marcada intensidad que da punto final a este soberbbio trabajo que derrocha en sensaciones y sensibilidad melódica.

De todos los memorables trabajos que nos dejó esta inmaculada formación inglesa de rock progresivo, este (y para muchos también el "Ashes Are Burning") sea su disco mñás conseguido, maduro, fascinante y el que mejor represetna su excepcional prouesta musical y su conseguoido enfoque folk-medieval.

CURVED AIR - AIRCONDITIONING 1970

Muy interesante y meritorio trabajo de la banda inglesa. Curved Air me recuerda bastante a Os Mutantes, su música oferta vanguardia heredera de los Velvet (acá emplean el violin eléctrico a lo Cale, experimentaciones a lo Pink Floyd, evocaciones al krautrock, musica clásica y folk e incluso ve preceder el glam en su querencia progresiva. Nada mal si además encontramos muy disfrutables cortes que despiertan adicción y goce sonoro en posteriores reescuchas.


"It Happened Today" comienza con un interesante corte psicodélico que posée un hermoso pasaje ligero y apacible de violines de aroma orquestal que contrasta con la tensión que se despierta en su primera parte.

Sigue "Stretch", interesante mezcla de rock'n'roll y psicodelia con intro de violines de estilo progresivo (a lo Gentle Giant). Saben como enriquecer un corte con diversos recursos y maticez, sin que esto caiga en insulsas pretenciones ni sobresaturando 'en pos de la experimentación', pecado en el que muchas bandas experimentales caen con descaro olvidando uno de los patrones fundamentales de la música: el buen gusto. Esta banda lo tiene muy claro (por lo menos este impecable trabajo lo demuestran).

"Screw" es un notable corte folk-psicodélico que recuerda a Sweetwater, relajado y calmado, presenta violines y teclados de gustosa escucha y aroma progresivo. "Blind Man" es una hermoso corte pop-folk deinnato encanto y sinuoso estilo vocal por parte de Sonja Kristina.

"Vivaldi" es soberbia. Una astuta pieza de violines afilados y fondo de intensa percusión y olas de guitarras eléctricas. Arriesgado corte que pretende mezclar la música clásica con maticez progresivos de cierto enfoque ácidos. Magistral corte instrumental que pone en manifiesto el gran talento de sus miembros en la conjuración de posturas sofisticadas y vanguardistas.

"Hide And Seek" es un mesmerizante corte atmosférico de rock prog-psicodélico ácido evocando a los pastosos fondos sonoros de Strawberry Alarm Clock. Otro meritorio corte es "Propositions" con ese impecable solo de guitarra que toma por asalto tus oidos en su carga lisérgica.

"Rob One" pone el punto de quiebre en un hermosísimo pasaje instrumental que evoca romance e ilusión. Ensoñador corte de violines dulces y delicadas notas de piano que conmueven en su conseguida intensidad melódica.


"Situations" es otro meritorio corte de acentuada intensidad que van intensificandose conforme se avanza. De exóticos sonidos y variantes matices, la pieza que rodea los seis minutos y medio muestra su majestuoso trato progresivo imaginería musical.


El disco cierra con la estridencia de "Vivaldi With Cannons", que abusa de efectos sonoros en un ruidoso solo de violin acompañado por sonidos disonantes que despide con organo de iglesia; cierran con singularidad este trabajo que comodamente se posiciona de entre lo más interesante del interesante año de 1970.

MIKE OLDFIELD - TUBULAR BELLS 1973

El virtuoso multi-instrumentista nos sorprende en este singular trabajo, su disco debut, un disco que lo haría multimillonario a la corta edad de 20 años.

Ni que decir de la cantidas de instumentos que se dan gala en esta producción bajo la tutela de un iluminado Oldfield, quien con originalidad y acierto en estudio consigue elaborar sus fascianntes ideas musicales (hay mucho trabajo 'artesanal' tras la producción de este disco, incluso en su original portada).



De diversos matices art-rock, progresivo y sinfónico, el disco consiste en dos extensos cortes atmosféricos. Su conjuración de ambientes recónditos y sonidos sutiles dibuja sensaciones subliminales en la mente del oyente, y despierta emociones paradigmáticas a lo largo de los extensos pasajes que varían espontaneamente cambiando el enfoque apacible a pasajes aguerridos de robustas guitarras


Su intrigante comienzo nos trae a la mente imagenes del film de terror "El Exorcista", sinuosas notas enigmáticas que te envuelven en su retorcida atmósfera sónica. Despierta cierta psicosis krautrockiana en el lado B (muy a lo Faust), en la parte media.


La verdad es que faltan las palabras para comentar sobre peculiar trabajo, sólo queda escucharlo y comprender porque causo tanto revuelo en su momento y disfrutar de sus sugestivos sonidos.

No todos los días a alguien se le ocurre algo así.

VAN DER GRAAF GENERATOR - H TO HE, WHO AM THE ONLY ONE 1970

Fascinante trabajo de oferta electro-progresiva por parte de Van Der Graaf Generator; adelantandose en cierta medida a las pomposidades y ostentaciones de los venideros trabajos del mencionado género (trabajos realizados por sus más reconocidos exponentes), la banda elabora un deslumbrante trabajo con perspectiva y sofisticación que se aprecia en sus extensos cortes de intrincados pasajes sonoros y de atractivos y envolventes atmósferas coloridas y bien nutridas que despiertan sugerentes sensaciones en esta singular aventura sonora.

Comienza con la conocida "Killer", magistral corte de calada vena progresiva, exhubera en sus recursos instrumentales en sus imaginería musical en un fondo que varía entre acordes acusticos y altisonantes pasajes de trompetas difusas e intensa seccion de teclados aderezados con ejercicos corales, dibujando una aventura que de suspende por los aires en su esencia progresiva.


Rock simfónico en "The Emperor In His War Room", delicioso corte de organo Hammond de fondo y cierto aire místico y oscuro, acordes acústicos y sutiles notas de flauta emergen circunstancialmente dotando de una atmósfera folk muy a lo Gentle Giant.


"House With No Door", es una elegante balada de conseguida sensibilidad e intensidad.

"Lost" comienza con un atmosférico solo de flauta folk (de cierto aire Jethro Tull) que nos introduce a un corte de pomposa construcción instrumental. El empleo de teclados es notable en la creación de directrices a seguir conforme la pieza va transformandose y variando en sus diferentes direcciones. Por un momento hace cierta referencai al glam, por otros se enerva en intensos pasajes progresivos; mas son los calmados y sinuosos 'puentes' que ligan las partes los que me resultan en lo personal más fasninantes; algo muy notable si hablamos de cortes que pasan los diez minutos.

"Pioneers Over C." comienza con cierto aire space-art prog, nuevamente respaldandodes de los teclados para la cosntrucción melódica. De sonido más limpio y menos denso, consigue introducirnos en su difusa y sombría atmósfera sónica (muy a lo King Crimson y Pink Floyd en "Gates of Dawn"); muy meritorio corte.


Este extenso trabajo culmina con la pieza más extensa; "Squid 1/Squid 2/Octopus", bordando los 15 minutos y medio. Fulminante corte compuesto por tres secciones de intensos pasajes progresivos, dejando libre su imaginación en nutridas atmótferas de contrastantes sonoridades.


Psicosis en intrigantes teclados, consistentes bajos, apabullante percusión en batería, envolventes trompetas...en fin un rico festin de psicodelia progresiva del más alto nivel.

ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA - ELDORADO 1974

Todo ensueño resulta este delicioso trabajo de la maltratada banda de rock setentera. Su propuesta de rock sinfónico fastuoso y opulento con marcado enfoque comercial sería su principal acierto, más sus detractores los acusarían de sobreproducidos, plásticos y vendidos.

Con marcada influencia de los trabajos psicodélicos de los sesenta (Magical Mystery Tour, Odessa) La E.L.O. elabora fascinantes piezas de trabajadas melodías con notable intensidad instrumental cuyo sonido resutla un placer para los oidos del amante del rock menos rebuscado y más directo.


Mágicas paredes de violines de fondo, airosas notas de piano y la característica voz de Jeff Lynne se aunan en cortes enriquecidos de deliciosos recursos musicales. "Eldorado Overture", el corte inicial del disco, ya nos introduce en esta magna aventura con destellantes violines y pomposas trompetas muy a lo film de aventura.

"Can't Get It Out Of My Head" es un triste y melancólico corte de marcado empleo de órgano, que se conmuta con los gloriosos violines en el fondo, y la destacable melodía vocal hacen de este un ensoñador corte de clara querencia beatleniana.

La verdad es que el apartado melódico del disco merece de por sí bastante mérito, "Boy Blue" da fe de ello en su innato encanto acentuado y enalteido con la magistral y nutrida sección instrumental. "Laredo Tornado", es otro memorable corte de envolvente arreglo de violines.

"Mister Kingdom" es otra delicia del disco, con partes orquestadas y versos calmados de cierto aire al 'Across The Universe'. "Illusions In G Major" es un estimable corte que mezcla rock'n'roll con su sonido fastuoso de violines y arreglos orquestales, posée un genial solo de guitarra y es un meritorio corte que sabe medirse evitando disonar.

"Eldorado" y "Eldorado Finale" son dos hermosas e intensas baladas que ponen punto final este inmaculado trabajo de adictivas reescuchas, un disco tan rico en matices y contraste, que trasminte sensaciones y te eleva por atmósferas celestiales suspendiendote en una rozagante aventura sonica.


Un estupendo acierto de Jeff Lynne arriesgandose empelando e integrando un grupo orquestal y coral a su majestuosa producción.

GENESIS - SELLING ENGLAND BY THE POUND 1973

El bizarro mundo suburbano creado por Genesis en este soberbio trabajo resultó ser su trabajo más significativo y recordado(por lo menos de los Genesis originales). Su gran talento para construir intrincadas piezas osadas y vertiginosas que estampado en este memorable disco que comienza con la pomposa "Dancing with the Moonlit Knight" tan rica y diversa en sus muy trabajadas partes; aceleran tempos, cambian la prioridad sonora de duras guitarras electricas, intensos organos, para luego mostrar momentos apacibles de calado encanto.


"I Know What I Like (In Your Wardrobe)" es una memorable pieza accesible de rica imaginería lírica que nos dibuja una suerte curiosa de Peter Pan conformista, cierto aire medieval por esa flauta de Gabriel y engloba exotismo en sus recursos instrumentales.

"Firth Of Fifth", de calada sensibilidad vocal y melódica; presenta intensos y coloridos pasajes a lo largo de sus nueve minutos. La acústica "More Fool Me" contrasta un poco el derochante sonido del disco con una pieza calmada y taciturna.

La compleja y astuta "The Battle of Epping Forest" muestra a un creativo Gabriel; en un atractivo corte animado con estupendo trato de la intensidad, con fondo de sonidos exóticos no llwvan a esta genial aventura, uno de los mejroes cortes del disco.


"After the Ordeal" es un hermoso corte instrumental de arreglos folk-pop en su pimera parte con deliciosas cuerdas y piano.


El meritorio pasaje instrumental de "The Cinema Show" y el entretenido texto de "Aisle of Plenty" culminan este ya clásico trabajo de la particular banda, un eterno imprescindible del art-rock y el rock progresivo.

SYD BARRET - THE MADCAP LAUGH 1970

A ver, esto es otra cosa. Quién sabe qué estaría pasando por la perturbada mente de Barrett, y quién sabe qué es lo que planeaba o esperaba conseguir con este trabajo.


Lo cierto es que es no es un trabajo fácil de digerir. Se le etiqueta como acid-folk, psicodelia mas yo como que lo ubico en una suerte de experimental con psicótico de basamento acústico y art-rock.


Sus textos son de todo menos comprensibles, las palabras parecen emerger una tras de otra sin dirección mas que llenar de ideas abstractas y sugerentes a las piezas. Coincido con muchos que valoran este peculiar disco en que lo que lo 5refuerza no es tanto su postura ni su trabajo en estudio, sino más bien el el trato atmosférico que evoca, el perspicaz cuidad que se le dió para evitar afectar la naturalidad e instantaneidad de los cortes,


Syd Barrett ya a estas alturas creo todos saben que fue uno de los fundadores de Pink Floyd, brindando el lado más arriesgado y vanguardista al sonido de la banda. Su inestabilidad emocional y sus exiguas ansias de notoriedad y reconocimiento comercial siempre lo tuvieron en conflictos consigo mismo sucumbiendo al lado oscuro de los sesenta: el exceso de drogas. No murió como Hendrix, Choplin, Morrison y Brian Jones sucumbieron fatídicamente a muy temprana edad y en el mejor momento de sus carreras, mas fue hechado de Pink Floyd y así comenzó una reservada acticidad artística como solista y pintor. Este "The Madcap Laugh" sería de sus dos produccines setenteras el más inesperado y el más relativamente atrayente trabajo de un Barret hundido en la esquizofrenia.

Y es que hay que ser indolente para no preguntarse a qué suena este trabajo.

"Terrapin" hipnotiza con ese constante acorde de guitarra y su sugerente parte lirica. "No Good Trying" con fondo de distorciones psicodélicas. La peculiar "Love You" con animada parte instrumental y con construcción melódica vocal estimable, guitarras acidas en "No Man's Land" y pasaje psicodélico en su parte final.

"Dark Globe" con guitarra acústica en mano, por momenos recuerda a Bowie en 'Hunky Dory' o 'The Man Who Sold The World' (curiosamente años antes de que estos salieran).

"Here I Go" es un atractivo corte con textos agridulces. Obssiones por sinuosas féminas en "Long Gone". Improvisaciones espontaneas en "She Took A Long Cold Look" que por ahi consiguen capturar la atención en su jocosa melodía vocal.

"If It's In You" con ese contagioso 'Yes I'm thi-i-i-i-i-i-i-i-i-nking of you'. "Late Night" despide este trabajo con ecos de psicodélia en su fondo y nuevamente el estilo vocal apagado y taciturno de Barrett.

La verdad entender este disco en su parte líric adebe ser un desafio, mas uno de los placeres que uno encuentra en la música es la libre interpretación, lo cual enquirece el valor de este particualr trabajo discográfico no apto para las mentes más conservadoras.

CAN - TAGO MAGO 1971

De todas las bandas que surgieron en la efervescencia del krautrock, definitivamente Can debe ser considerada como la más atrevida y ambiciosa. Sus divergentes posturas que veríamos en su rica discografía de estudio nos llevarían por inhóspitos mundos, catárticos e impredecibles directrices, atmósferas ocultistas y recógnitas de mórbido atractivo y pasajes espaciales de intrincada construcción instrumental. Pura cratividad de unas mentes que generaban ideas desquiciadas y desequilibradas; sólo ellos podían convertir todo eso en música (bueno no 'sólo ellos', habían otras bandas igual o más desquiciadas) y sobre todo, que sus trabajos siguan hasta nuestros días despertando las misma sensaciones psicóticas que lo hicieron en primeras escuchas.

De Can hay varios meritorios trabajos a recomendar y disfrutar, mas sería este revolucionario Tago Mago el que les daría el mayor reconocimiento como banda vanguardista e instauradora del conocido krautrock.


Sus posturas eran caóticas, buscaban la perturbación constante como intensidad en sus cortes. A destacar así "Paperhouse", que comienza como un corte estandar convencional hasta que llega a ese incisivo pasaje de insistentes guitarra y percusión; intimidantes susurros en un tempo acelerado, los Can se sirven de lo que les venga a la mente para conjurar y enaltecer sus cortes.

"Mushroom" es turbada, aqui ya se aprecia el estilo de rock alternativo que adoptarían varías bandas americanas en los noventa como Pixies, Nirvana y obviamente Radiohead. De minimalismo sonoro, se envuelve en su porfiado estilo sonoro que se exiende en un desequilibrado '...well, I saw mushroom head,I was born and I was dead...', que se dice es en alusión al estallido de la bomba atómica.


"Oh Yeah", es un interesante corte espontaneo de cierto caracter ocultista con un Damo Suzuki a quien intencionalmente no se le entiene nada en su balbuceo, Su fondo es menos tenso y posee un enfoque má psicodélicoy estilo libre. Fascina por su variante dirección, uno no hace más que sentarse y dejarse llevar por los atractivos y discretos cambios que va tomando el corte.

De ahí siguen tres extensos cortes que son un festín sónico para los amantes de los sonidos y ofertas vanguardistas:

"Halleluhwah" es un atmosférico corte con base garage y atractiva sección rítmica, revestida con inadvertidos efectos sonoros (o eso parece) que se irradian con nervio a lo largo de la extensa pieza.


"Aumgn" va por el ambient y cierto aire sci-fi, su trabajo de cuerdas resplandecen cual estrellas en el firmamento. Es realmente efectiva pues te transporta a tierras lejanas, difusas y perturbadoras. Talvez haya quien la encuentren innecesariamente larga (sobre todo en su 'parte intermedia'), más los innovadores recursos que exhibe compensan en cierta medida su extensión.


"Peking O" es un corte psicótico, exponiendo recursos ya vistos, es interesante por la construcción atmosférica que se le da y los vertiginosos cambios que toma durante sus once minutos, más carece del encanto de los otros pasajes. Sin embargo su arriesgada postura experimental gusta y mantiene nuestra atención en primeras escuchas; es cuesqtión de gustos.


"Bring Me Coffee or Tea" culmina este trabajo con un trato atmosférico pasivo y calmoso; terminando así este intrincado trabajo, un imprescindible para los amantes de la vanguardia y los sonidos experimentales, y que sería sólo el comienzo de una seríe de interesantes trabajo que elevarían la repercusión del krautrock.

AMON DÜÜL II - TANZ DER LEMMINGE 1971

El Krauftrock fue un fascinante género musical que surgió como respuesta de Alemania al rock progresivo y a las complejas direcciones que estaban tomando el art-rock en los últimos años de los sesenta.

Así un gran número de bandas comenzarían a mostrar sus bizarras y pretenciosas posturas de diversidad de recursos e intrincadas construcciones sonoras.

De todos los grupos que surgieron en esta epoca dorada, en Amon Düül II recaería el gran peso de ser la más representativa (bueno, junto con Can) del krauftrock del lado Occidental de Alemania.

Su crédito se basa en sí en las deslumbvrantes creaciones atmosféricas y el intrincado calado con el que labran sus envolventes fondos que nos elevan por los cielos de diversos universos, complejos mas siempre fascinantes.

Esto posible gracias a la gran diversidad instrumental de sus miembros (eran más bien una 'comuna') la cual conseguía enriquecer considerablemente su producto final. Si queremos hacer una analogía, probablemente se les puede comparar con la factoría y los Velvet de Warhol en New York (no por el sonido claro, sino por los ideales artísticos), pues estre los miembros de Amon Düül II tampoco encontramos en sí virtuosismo istriónico ni prodigios. Sin embargo, es su impecable buen gusto, su transgresora construcción musical y claro su osadía en nuevas y arriesgadas posturas que enriquecerían las pretenciones art-rock y progresivas en los fructíferos setenta.

Talvez para algunos oyentes muy exigentes este disco no ofrezca tanta novedad como su predecesor, el inmaculado "Yeti", más este invaluable trabajo discográfico sería el que les permitiría consolidar con consistencia y pulcritud sus ideas y conceptos musicales, expuestos es difusas atmósfersa densas y nutridas, mas ahora contunentemente trabajadas y de resultado redondo.

La verdad es que basta con escuchar "Syntelman's March Of The Roaring Seventies)" y sus soberbios subpasajes para darse cuenta del significativo trabajo ante el que estamos; "In The Glassgarden" es un estelar comienzo con percusión marchante y místicos firmamentos cósmicos. "Pull Down Your Mask" comienza con acordes acústicos de guitarra, un corte más calmado de celestial sección de cuerdas, envolvente fondo sonoro, violines a lo Cale en "Black Angel Death Song", y una sinuosa factura vocal.

Los extensos y originales nombres con los que designan a sus cortes ayudan a internarnos en sus lunáticas aventuras de libre interpretación, "Telephonecomplex" posée cierta nostalgia en sus acordes de guitarra, su cambiante trato de intensidad permite además deleitarse con las diversas sensaciones que despierta en uno de los más fascinantes pasajes de este trabajo.

"Restless Skylight-Transistor-Child" posée construcciones de esencia rock acentuadas con emergentes riffs eléctricos; la calmada "A Race from Here To Your Ears" con sitares y lisergia psicodélica. Con fondo sonoro estelar de destellantes guitarras eléctricas; "Race from Here To Your Ears" presenta mayor estridencia y ritmo y surcos astrales de aroma psicodélico.

Pero probablemente el corte más interesante es "The Marilyn Monroe-Memorial-Church", una extensa pieza de diesiocho minutos que nos presenta atmosféricos e insinuantes sonidos, ruidos, estridencias, que van llegando a nuestros oídos (como si entrara por uno y salíera por el otro) como si nos estuvieramos introduciendo en una cueva lobrega, un escenario misterioso, llevan la idea de 'bizarro' a un punto en el cual uno ya no sabe que esta escuchando, mas termina gustandole, quiere más, en qué acabará; y es que quién piensa así, a quién se le ocurre esto?

"Stumbling Over Melted Moonlight" es un corte de duras y acerbas guitarras, intensas en memorable solo ácido de mediados de la segunda mitad de los sesenta. Culmina con "Toxicological Whispering", redundando en lo previamente expuesto, Amon Düül II realmente conjuran un clásico de krauftrock, tan rico en matices como en aventuras sensoriales que te suspenden por los aires a terrenos inimaginables.

Sólo tienes que dejarte llevar...

JETHRO TULL - THICK AS A BRICK 1972

Imprescindible trabajo en la fructífera (por lo menos en sus comienzos) y vasta discografía de la exitosa banda inglesa de rock progresivo.

Este ambicioso y peculiar trabajo de marcado sonido medieval es acentuado por una ensoñadora sección de cuerdas y la siempre acertada flauta dulce de Ian Anderson, además de designar mayor presencia a los teclados; rompe con el estilo clásico de trabajos progresivos que presentaban extensos cortes enriquecidos con pasajes instrumentales y atmosféricos de hasta más de diez minutos.

Así este determinante trabajo presenta en sus dos lados dos extensas piezas de algo más de veinte minutos, y que en sí corresponen a una sola pieza total (segmentada sólo para dar vuelta al vinillo claro). En ambos lado se puede observar el impecable manejo de la intensidad en pasajes vigoroso y calmados. Las guitarras duras y acerbas enaltecen su vena progresiva con memorables solos acompañados con espontaneas notas de flauta (entre otros pues el disco cuenta con una exótica gama de instrumentos), consolidando así la grandilocuencia y majestuosidad del mencionado género musical en su pretensión más sinfónica.

Rico en ideas, matices y contrastes entre el ensoñador e inocente aire medieval queu ofrece en algunas partes y el abrasador sonido duro y resonante de su postura rock (a destacar la parte inicial del lado B con ese apabullante solo de bateria). Resulta fascinante inmiscuirse en sus atractivos surcos llenos de color y aire romance.

Uno de los trabajos más consumados que ofreció este aclamado género musical.

CARAVAN - IN THE LAND OF GREY AND PINK 1971

Formidable trabajo de unos consumados Caravan, consiguiendo finalmente la redondez sonora en un ambicioso trabajo que nos invita a recorrer estos peculiares terrenos. Ambicioso más fuera del contexto de las pomposas pretenciones de otras bandas progresivas e incluso de sus mismos contexto de las llamadas bandas de Canterbury. Su enfoque va más al jazz y al folk que al art-rock y al progresivo, su querencia y sofisticación pop los lleva así a conjurar hermosos cortes de garbo y elegancia que encantan y fascinan por su impecable tacto y sensibilidad melódica.

Así este magistral trabajocomienza con la deliciosa "Golf Girl", el sutil estilo vocal acentua la gracia innata de este corte, con hermosa construcción instrumental, memorable en sus breves e instantaneos recursos sonoros que se aprecian escuetamente a lo largo del corte.

"Winter Wine" es la mejor pieza del disco; sofisticado trato progresivo sin perder accesibilidad, con destacado trato del ritmo y atmósfera, su melodía te envuelve y te lleva fácilmente por los placenteros surcos de este magistral corte, justificando con creces sus bien nutridos siente minutos y medio.

"Love To Love You [And Tonight Pigs Will Fly]" es de lo más fresco que he escuchado; jamas se imaginaría uno que una canción tan deliciosas como esta y de melodía tan encantadora pudiera sonar en este maduro trabajo; y queda muy bien de hecho, el trato que se le da, de delicada y animada factura vocal no desentona y como dije, refresca el aire de este maravilloso trabajo con sus primorosos arreglos instrumentales.

"In the Land of Grey and Pink" es un remake del primer corte, pero tiene un trato relativamente distinto, es algo más oscura y con guitarras eléctricas más marcadas en su intermedio; salida fácil?, talvez, puede ser entendido como un extenso reprise de cinco minutos; la verdad no se; de libre interpretación, pero siendo honesto y dandoles el cédito que ameritan consiguieron crear una melodía tan perfecta que simplemente resulta placentero volverla a escucharla en sus diferentes matices (y eso que la reedición ofrece tambien otras nada recusables tomas que quedaron fuera u 'outtakes').

"Nine Feet Underground" es una extensa suite de cerca de veintitrés minutos que exhubera su gran talento en la construcción de extensas y nutridas piezas progresivas; menos 'sobrepoducida' que sus otros colegas del género progresivo, resulta un placentero y fascinante viaje para los oídos en esta risueña tierra del gris y rosado. Creo que a todos nos fascina en especial la última parte "100% Proof", de duras guitarras, con riff bastante parecido al "Sunshine of your Love", y de tétrico trato atmosférico.

Así este disco, discreto y sin hacer mucho ruido no tiene nada que envidiar a sus conteporaneos de mayor alarde sinfónico-progresivo (digase Yes o Gentle Giant). Debo admitir que yo también lo subestimé en primeras escuchas, más con el tiempo se ha convertido en uno de los mejores que he esuchado.

Miren esa hermosa contraportadas nomás.

YES - FRAGILE 1971

Todo una institución en el género progresivo en las islas inglesas; sus detractores los acusan de formulistas y demasiado parametrados miestras que sus acérrimos partidarios los defienden como una de las mejores bandas que ofertó de entre el material más fértil del auge del rock progresivo.


Lo cierto es que nadie discute el gran virtuosismo que poseían sus miembros (algo que se puede decir de otras bandas), y que sería a partir del memorable "The Yes Album" que la banda comenzaría una enriquecida y significativa seríe de trabajos discográficos que cómodamente se ubicarían al ras con las más avezadas producciones de la epoca.


Ya con nuevo integrante al teclado, Rick Wakeman reemplazaría a Tony Yake, los Yes elaboran uno de sus trabajos mas reconocidos. el clásico y exitoso "Fragile". Siguiendo la tendencia de su predecesor con marcadas guitarras acústicas, y ahora con un creativo nuevo miembro al teclado, elaboran geniales piezas de ascendente postura progresiva y elevado calado musical que os llevan por bizarros terrenos y ambientes distantes.


"Roundabout" es todo un clásico de la banda y es el corte que abre este disco; vertiginosa pieza rica en variedades y matices. "Cans and Brahms" muestra un entretenido pasaje de organo. "We Have Heaven" emplea ejercicios corales que se van entremezclando entre ellos, animado corte que hipnotiza tus oídos hasta ese abruto golpe de puerta, que nos introduce a "South Side of the Sky", extenso corte rock con duras guitarras y un consistente empleo del órgano. Presenta un conseguido pasaje intermedio con notas de piano y atmósfera cósmica y difusa, llevando a nuestros oídos y mentes a explorar por nuevos y lejanos mundos. Muy destacable corte.


Corto pasaje de exaltación sonora en "Five Per Cent for Nothing", conecta con la entretenida "Long Distance Runaround". "The Fish (Schindleria Praematurus)" en un meritorio instrumental de acentuada intensidad sonora.

"Mood for a Day" contrasta con la efervescencia del disco en un corte de guitarra acústica , sentida, minimalista, una meritoria pieza que consigue aligerar el peso del mismo, y que conecta con la catarsis de la extensa "Heart of the Sunrise", el memorable punto final del disco, rico en maticez sonoros que transmiten sensaciones e imagenes a la mente.


Conjurando un sonido más sofisticado y pulido que en sus predecesores trabajos, los Yes consiguen así convenir en una propuesta de rock sinfónico-progresivo al nivel de las ofertas de sus contemporaneos.

EMERSON, LAKE & PALMEN - TARKUS 1971

Ambicioso y fascinante aventura progresiva con ecos a psicodelia y jazz; si con su previo trabajo el trío inglés ya mostraba su gran talento en la ejecución de conceptos e ideas musicales, sería con este, considerado su mejor trabajo, con el que aunarían su querencia por el rock y las corrientes artísticas musicales que forjaban con fuerza nuevas direcciones en las cabezas de un gran número de artistas.

Tarkus, mitad armadillo, mitad tanque, vive sus aventuras mitológicas luchando con marticores y otras criaturas tambien mitad máquina. Ostentoso trabajo de rock sinfónico con calados pasajes de aroma épico. "Tarkus Medley" es la extensa pieza de poco más de veinte minutos que da inicio a las aventuras de Tarkus. Presenta varios subpasajes de los cuales destaca "Stones of the Years", "Iconoclast" que comienza con intensa sección de percusión con aguerridas guitarras, improvisación y estilo libre deudor del jazz en "Mass", la bélica "Battlefield" y "Aquatarkus", de percusión marchante y meritorio solo de sintetizador.

El lado B (comúnmente opacado por el lado A de este trabajo) presenta igualmente intensos y exitantes pasajes de desbordante imaginación y creatividad; la vertiginosa "Bitches Crystal", reflexión en "The Only Way (Hymn)" con fondo de órgano de iglesia, bellísimas notas de piano en Infinite Space (Conclusion), y retoman su punzante propuesta rock en "A Time And A Place".

Talvez el único corte innecesario es "Are You Ready Eddy?", un rock'n'roll divertido y disfrutable, pero que no tiene ni pies ni cabeza en este soberbio trabajo.

GENTLE GIANT - OCTOPUS 1972

El trabajo más representativo de la propuesta progresiva de Gentle Giant probablemente se encuentre en este disco, una singular oferta de herencia jazz-rock con interesantes e intrincados enredos vanguardistas que acentuan considerablemente su gustoso sonido y textos de aire medieval.


"The Advent Of Panurge" presenta con acierto el sonido de este tabajo, exotismo en su construcción instrumental y majestuosidad en su tacto melódico-vocal. Probablemente la pieza favorita de este trabajo sea "Raconteur Troubadour", y es que sólo a esta banda se le puede ocurrir (y le puede salir tan bien) este corte.

Envolvente trabajo de ricos pasajes de fastuosos violines (parecen narrar una aventura épica) y rica imagineria instrumental. La prodigiosa melodía vocal queda hermosamente enaltecida por el conseguido fondo instrumental tan enriquecido y brillante y de destacado pasaje en su parte media. Un deleite sónico para los oídos.


Matices de rock duro en "A Cry For Everyone", estimable corte que luce una interesante telaraña de guitarras, sintetizadores, envolvente de principio a fin. "Knots" es el corte ariesgado del disco, con ejercicios corales disonantes que podran por ahi gustar a los vanguardistas más empedernidos y tolerantes. No esta mal pero resulta algo difusa y repetitiva. Sin embargo es realmente placentero ver como va transformandose y variando su dirección a lo largo del corte.


"Dog's Life" es un glorioso corte de aire más simple y minimalista, su arreglos de violines resulta fascinante y su melodía vocal (al igual que del resto del disco) "The Boys In The Band" se presenta como un medio tiempo de pasajes sonoros espontaneos y merotirios. "Think Of Me With Kindness" es una gustosa balada que redunda un poco en los recursos empleados previamente en este trabajo. La factura vocal consigue enaltecer al corte con sensibilidad limpia e intensa.

"River" culmina con acierto este gran disco, corte que auna lo previaten escrito y aderezado con duros riffs de guitarras y un sofisticado empleo del sintetizador. Sus armoniosos pasajes embellecidos con tacto melódico e ingenio y sensibilidad son una delicia para los oidos.

Más interesante y pretencioso que sus anteriores trabajos, Gentle Giant ofrece un disco de elevangia y vanguardia progresiva, fluido, coherente, de sonido enriquecido por el talento de sus miembros y sin caer en obsesivas sobreproducciones.

ELTON JOHN - HONKY CHÂTEAU 1972

Una muy grata sorpresa se lleva uno al "descubrir" el trabajo discográfico de inicios y medioados de los setenta de Sir Elton John, llenos de sensibilidad melódica y de conseguidos arreglos orquestales; y es que cuesta creer que antes de caer en la sobreproducción radioformulista y autocomplacencia característica de los ochenta, habia alguna vez un hombre con calado gusto por la sofisticación pop y la elegancia musical.


Elaborando deliciosas piezas pop de la mano de Bernie Tupin, se conjura un memorable trabajo que destaca entre los trabajos discográficos más satisfactorios y disfrutables del pop de inicios de los setenta. A destacar los ya clásicos "Honky Cat", animada pieza de piano y trompeta; y la memorable "Rocket Man", pieza que mejor representa la pretensión de este disco.

Otros destacables cortes del disco son "Mello", con un intenso Elton John a voz y piano. Humor sardónico en "I Think I'm Going To Kill Myself", de meritoria construción y trato melódico, "Salvation" con fascinantes y envolventes fondos corales.

Se observa cierto desenfado y espontaneidad vocal en la destacable "Slave", cuyo estilo preseta cierto aire a Van Morrison; sonidos exóticos de percusión en la movida "Amy"; "Mona Lisas And Mad Hatters" presenta unos memorables violines de fondo que dotan de exqusitez sonora a este prodigioso corte con un Elton John nuevamente a voz y piano; y finalmente "Hercules" de muy gustoso trabvajo de cuerdas y piano con melodía de aire a lo McCartney


Todo un encomiable trabajo discográfio de este singular artífice de creaciones pop de delicado acabado y de sentida armonía pop.

GEORGE HARRISON - ALL THINGS MUST PASS 1970

De todos los trabajos ralizados por los miembros de los Beatles en soltiario, este es el que más capta mi atención, y que ademas me provoca mayor goce auditivo. Su sentida y simple factura vocal derivada de Dylan, sus armoniosos arreglos sonoros, sus inspirados y reflexivos textos, la verdad que hasta yo que soy un escéptico empedernido termino creyendome toda el aura y el karma detras de este disco.

Probablemente de todos los mesías, pacifistas, revolucionarios y fanáticos religiosos que hemos visto a lo largo del tiempo en el ámbito musical, me atrevería a decir que sólo Harrison consiguió adaptar sus creencias y crear piezas con el intrínseco y fundamental objetivo de hacer música, mas alla de exponer sus ideas o conflictos personales. OJO, no es que menosprecie el trabajo de otros artistas que en sus ambiciones y complicaciones sonoras nos terminan iluminando con sus arriesgadas posturas que contribuyen al enriquecimiento de la variedad musical, ni mucho menor me atrevo a minimizar el destacado trabajo de los otros miembros de los Beatles luego de su separación.

Sin embargo hay que destacar el hecho de que tanto los trabajos setenteros de Lennon y McCartney se mostraron algo predecibles; comom una continuación de sus sonido y estilo musical cuando pertenecian a los Beatles, solo que ahora gozaban con automonia total. Sin embargo este trabajo de Harrison, realmente se presenta ante nosotros como algo totalmente necesario, de relativa novedad, interesante, la pregunta era ¿qué hará ahora el bealte que paraba a la sombra de la dupla Lennon/McCartney?. Y tamaña sorpresa se lleva uno al escuchar este trabajo.

Adentrandonos ya al sonido del disco, resulta muy conseguido el enfoque apacible y calmado de Harrison, que expone sus ideas en un fondo denso y pastoso (cortesía de Spector) mas totalmente fascinante y envolvente; que se fusionan con la esencia folk-pop de Harrison muy bien acentuada y enaltecida. Salvo el innecesario tercer disco (del cual mejor hacernos la idea de que no petenece al original), este trabajo termian dejando un grato sabor en los oidos y consigue excomulgar todos los demonios internos y las cargas personales, uno se siente feliz, tranquilo, salvado.

Sería insulso ponerse a hablar de cada corte de este extenso trabajo. Su sofisticado sonido puede sonar cansino en primeras escuchas, sin emabrgo es en posteriores reescuchas en las que se consigue disfrutar de su magnificencia y de su calada sensibilidad. A destacar por ejemplo el corte inicla "I'd Have You Anytime" creando ese ambiente íntimo y recóndito, con deliciosas guitarras y ese romantico '...All I have is yours, All you see is mine,And I'm glad to hold you in my arms...', imposible no lanzar un suspiro al aire

Probablemente los dos temas más conoicidos son "My Sweet Lord", un hermoso corte de mesmerizante melodía que termina envolviendote en su ansia de acercarse más a su dios. Simplemente uno no puede cansarse de este corte, da ganas de cantarlo hasta quedarse sin voz. Luego está "Isn't It A Pity", otro majestuoso corte, de delicada factura vocal y acentuado fondo de violines y flautas en su parte media. Es simplemente hermosa en su triste canto a la inmundicia humana. Pero el corte más hermoso del disco es, en mi modesta opinión, "Behind That Locked Door"; con esos bellos acordes en la parte inicial y ese sofisticado y dulce empleo de piano y cuerdas. Su simpleza y espontaneidad resulta de lo más primoroso.


En fin, este modesto y memorable trabajo, sin ambiciones ni pretenciones sonoras, consigue rescatar la fragilidad e instantaneidad de la mñusica. Nos conecta con lo mas interno de nuestra sensibilidad y nos libera por un momento de nuestras vivencias terrenales.

MARVIN GAYE - WHAT'S GOING ON 1971

La verdad es que este disco es simplemente celestial, el mesmerizante sonido que consigue este trabajo, con esa atmósfera envolvente y pastosa resulta de los más delicioso que uno puede escuchar. Y es que westo es como una orgía sónica en la que uno no consigue diferenciar bien los instrumentos, solo sabes que te gusta, que te fascina y que quieres que nunca acabe.

Los ideales de paz y la no violencia se aunan en este trabajo conceptual que invita a la reflexión. Comienza con ese estupendo corte homónimo, "Wha`ts Going On" es un erhmoso corte de alta sofisticación y majestuosas elaboración; su apacible calma guarda cierta oscuridad que se intensifica en ese fascinante intermedio en su parte intermedia de espontaneas risas y sonidos vocales, mas es ese fondo sonoro el que te eleva por los aires y te suspende, parece psicodelia estilizada con soul. Simplemente un temazo.

"What's Happening Brother" sigue la linea del primer corte, más esta vez nos introduce en la idea del disco. Posee una memorable melodia vocal por Gaye y nuevamente ese fondo sonoro te envuelve en su sosiego y serenidad. "Flying High" otro fascinante corte que nos suspende por los aires, en un corte que narra la adicción a la heroína a la que sucumbieron los reclutas en la guerra de Vietmnam. De conseguida intensidad, el corte parece no tener una dirección clara, es espontanea, como si estuviera ejemplificando dicho estado halucinógeno.

"Save The Children" es un interesante corte de violines de fondo y bongos, solos de saxo, totalmente espontaneo, realmente fascinante por el tacto de la intensidad acentuada por arreglos corales . "God is Love" es otro corte magistral, de encantadora melodía y atractivo sonoro, rico soul de animado tempo que festeja la fe humana.

"Mercy Mercy Me (The Ecology)" es un corte que invita a pensar en las consecuencias de la contaminación al medio ambiente. Fulminante solod eflauta nos introduce en la fascinante "Right On", movida pieza que invita al baile en su exótica esencia jazz. "Wholy Holy", una delicada pieza de risueños arreglos en su hermoso fondo, de marcada intensidad por Gaye en la parte vocal. El disco culmina con "Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)", otro atmosférico corte que apunta a la pobreza y la desesperación.

Probablemente su mejor trabajo, el más característico de este gran artista que encontraría trágica muerte por su celoso y resentido padre.

PAUL MCCARTNEY - RAM 1971

Personalmente no soy un gran fanático de las producciones post-beatles de Sir McCartney, ni con los Wings ni más actualmente con Fireman y de hecho de ninguno de los otros tres Beatles en solitario, sin embargo hay que ser imparciles y darle el crédico y reconocimiento cuando se trata de destacados trabajos discográficos. Es así como encontramos este soberbio RAM, uno de los más reconocidos en la carrera solista de Paul del cual aun se puede rescatar ecos de su enfoque musical en los años de los Beatles, como su impecable trato melódico y su sofisticada elaboración pop.

Expone su vena más rock en el corte que da inicio "Too Many People", con solo de guitarra eléctrica añadiendo intensidad y ademas posee exótica percusión. El trato melócido es impecable y nada menos esperable de este ilustre músico y artista. De atractivos matices, un soberbio inicio para este disco. La interesante "3 Legs", con ecos de blues y country en un sofisticado corte que aflota su ascendencia beatleniana.

Elecancia en "Uncle Albert/Admiral Halsey", extenso corte de cerca de cinco minutos que emana cierta frescura e irreverencia en su segunda parte. Muy conseguida pieza de gran disfrute sonoro. Una de las cualidades de McCartney es saber cómo presentar piezas de fascinante diversificación sonora sin sonar recargada ni pesada, sabe como hacer cortes nutridos y fluidos a la vez.

"Sile Away" tiene cierto aire festivo del glam a lo Bolan en trasfondo, la destacable "Monkberry Moon Delight", que nos recuerda a lo mejor de la epoca dorada de los Beatles en en 67.

Disfrutables cortes como "Eat At Home", un meritorio corte a la voz con su esposa Linda McCartney, ecos del White album. Culmina con "The Back Seat Of My Car", memorable corte que auna sutiles arreglos orquestales con emergentes guitarras electricas y melodía pop, acelerando el tempo en su parte media; este hombre es un genio de la construcción y la melodía.

JOHN LENNON - PLASTIC ONO BAND 1970

Sobrecogedor trabajo discográfico de catarsis emocional y descarga existencial. Un Lennon relegado de sus conflictos de infancia e ideales de paz e igualdad, decide liberarse de sus fantasmas del pasado y de su impotencia existencial, se inspira y logra concebir fulminantes cortes de desfogue terapéutico, crudos, mordaces, directos, quedando frágil; punto del cual comienza su memorable trabajo.

"Mother", por ejemplo, nos introduce a sus tristes momentos de abandono e ingenuidad existencial, en los cuales uno no llega a comprender las vicisitudes de la vida, y no queda más que aceptar la vida conforme llega. La sentida muerte de su madre Julia y el abandono de su padre serían hechos que le marcaría enormemente, basta con escuchar los sobrecogedores textos del corte y los angustiantes y tensos gritos en la parte final clamando por que no lo abandonen. Muy sentido e íntimo corte.

"Isolation" nos habla de la frustración que siente al no poder comprender la conducta humana, que se ve afectada y básicamente esculpida por las diversas circunstancias que a uno de tocan vivir. Presenta al ser humano como una víctima del mundo, a la que no se le puede culpar totalmente de sus malos actos y el daño que ocasiona.

"Love" es un bello corte de pastoso fondo sonoro, que nos introduce en una atmósfera difusa en la que un Lennon minimalista nos canta que el amor es real, el amor es simplemente necesitar y ser amado.

Cierta tensión se percibe en "Remember", con insistentes acordes de piano que culmina en una inesperada explosión sonora, y que surge ante la insistencia de recordar eventos del pasado durante la terapia. "Well, Well, Well" ya desahoga la catarsis en gritos, chasguidos y duras guitarras eléctricas.

En lo personal no estoy interesado en sus conflictos existenciales con la fe y la religión (ni de él ni de nadie, ya supérenlo!), ni con los cuestionamientos de diferencias de clases sociales (algo en mi opinión bastante relativo para cualquier artista de rock que creen poder concientizar y revolucionar los cimientos de nuestra sociedad dígase Dylan, Lennon, los Sex Pistols); lo que si debo resaltar es el estro lírico que parte de su inestabilidad emocional producto del abandono de su padre cuando John era niño y la muerte de su madre cuando John tenía 17 años; hechos que lo marcarían considerablemente y que tendría que cargar en su conflictiva vidad como rockstar en los sesenta. pudiendo excomulgar sus cargas emocionales y asi encontrar calma y equilibrio finalmente (y aunque todos la detesten, denle el crédito) con su amada Yoko Ono.

Un magistral trabajo de crudeza y desgarro emocional.

GENE CLARK - NO OTHER 1974

Memorable trabajo (en mi modesta opinión, el mejor que ha hecho este hombre tras retirarse de los Byrds) que auna con sofisticación pop y folk de asentada perspectiva y que cuesta creer que, en su momento, la crítica no lo haya acogido con buenos ojos.

Un inspirado y reflexivo Glark nos sorprende con un exuberante trabajo que presenta intensos y envolvente arreglos orquestales, gloriosos fondos sonoros y sentidas melodías.


Comienza con la destacada "Life's Greatest Fool", un soberbio corte pop-folk de intensos arreglos corales estilo gospel en su estribillo que enaltecen la intensidad y climax de la canción. Su melodía goza de un alto atractivo por lo que agradezco que no haya sido redescubierta (o debería decir destruida) como cover de alguna banda o artista radioforumlista (como "The Spirit In The Sky", no se porque se me viene a la mente esta última cada vez que escucho el corte de Clark), o en el peor de los casos en Glee.

"Silver Raven" es penetrante, atmosférica, mística; fascinante trato de intensidad y de alto calado. Un magistral corte de este gran artista. "No Other" presenta una envolvente y fascinante atmósfera de densa sonoridad.

"Strenght Of Strings" es una pieza country-folk muy meritoria, de arriesgados e interesantes acordes de guitarra que dotan de cierta intensidad al corte. "From A Silver Phial" es simplemente hermosa; un glorioso corte de alta sensibilidad y angustia en su intenso clamado de resignación. Este es el estilo pop-folk en el mejor se aprecia su talento e inspiración, al conseguir enaltecer a lo más alto una melodía simple y sencilla.

"Some Missunderstanding" en probablemente el corte más ambisioso del disco, ocho extensos minutos muy bien llevados en una melodía simple de sendito piano, mas fascinantes y de alta sensibilidad, angustía existencial y desfogue humano. Su atmósfera sónica te envuelve de principio a fin en ese intenso fondo

"The True One" es un simpático corte pop de meritorio estilo vocal por Glark; muy atractiva y disfrutable en reescuchas.


Culmina este soberbio trabajo con "Lady Of The North", otro glorioso corte que da punto final a este, en su momento, infravalorado trabajo al cual se le reivindica como su gran obra maestra (así como el la defendía).


Magistral álbum de este gran y talentoso artista, siempre evocado al progreso de su sonido, al cual luego de su salida de los Byrds lamentablemente el éxito comercial le sería esquivo (algo que le afectaba mucho) y la crítica mostraría poco interes en sus posteriores trabajos, los cuales tendrían que esperar su sentido deceso para poder recién ser reevalorados.

Descanza en paz Gene que acá nosotros nos encargaremos de propagar tu legado!