TRAFFIC - MR. FANTASY

'...so, try to find myself must be the only way to feel free...'

Año: 1967

Rating: ▲▲▲▲▲

Canción favorita : "No Face, No Name, No Number"

Psicodelia, tan atrayente como tentadora en sus excesos sería la orientación de un joven virtuoso Steve Winwood, quien viendo la heterogeneidad psicodélica de los emblemáticos trabajos discograficos de sus contemporaneos, decidió enfocar su estilo a un ecléctico estilo musical lleno de matices jazz, pop, blues, y la mencionada psicodelia.


Todo un derroche de lush- y art-pop, los Traffic consiguen así un sofisticado sonido lleno de recursos instrumentales y ejercicios vanguardistas que asombran en su querencia por una suerte de pintoresco baroque y psicodelia.

Arranca así "Heaven Is In Your Mind", despertando con un corte jazz-pop de elegancia musical; sigue la brillante "Berkshire Poppies", mezcla de pop mucho más elaborado por sus recursos art-pop.

"House For Everyone" nos muestra su conjuración baroque en un animado corte de armoniosas flautas y astutos violines que convierten a la pieza en una de las mejores del disco.

Mas es "No Face, No Name, No Number" mi corte favorito, una bellísima balada de conmovedores textos de confusión y desolación que son acentuados por la preciosa instrumentación que construye una atmósfera intimista y sensorial en la que las emociones se entremezclan en un desconsolado canto.

Su querencia blues se encuentra en la estupenda "Dear Mr. Fantasy", genial corte con memorable solo de guitarra; "Dealer" nos muestra su diversidad en recursos que fortalece su propuesta en una aventura rica en matices y colores en un animado y exótico corte; sabores orientales de sitares en "Utterly Simple"; y la calada construcción melódica pop en "Hope I Never Find Me There".


El disco culmina con la brillante "Giving To You", estupenda pieza que nos muestra su vena jazzista y su querencia por el art-rock tan rico y nutrido en su diversidad de recursos que enaltece el talento de esta grandiosa formación sesentera.

THE DEVIL'S ANVIL - HARD ROCK FROM THE MIDDLE EAST

'...we fe kelmah menak, sa'alt 'anak
we 'olt enak naseeb we Ismah...'

Año: 1967

Rating: ▲▲▲▲▲

Canción favorita : "Isme"

Singular trabajo discográfico que se registra en un diverso 67, mas por motivos coyuntuales de tensión entre paises árabes durante este año sería en años recientes que tras su reedición conseguiría notoriedad y el prestigio que le fue esquivo en su año de publicación.


Bueno no precisamente hard-rock, los Devil's Anvil nos muestran su oferta psicodélica de garage y rock aderezada con canciones tradicionales en lenguas turcas, griegas y árabes, además de dotar de exotismo instrumental a su sonido al emplear el emblemático laud árabe, la exótica percusión de la darbuka, las cuerdas del buzuki griego y la hipnótica y sensorial tampura que engloban asi una atmósfera misteriosa y fascinante, de incienso y danzas árabes, velos moviendose con elegancia por los aires y una sensación de trance propia de los ritmos y las cuerdas de medio oriente.


A destacar entonces las versiones de cortes tradicionales como la genial "Wala Dai", surf-rock mezclado con ritmos árabes de querencia bailonga consiguiendo una estupenda sección rítmica y un enganche sonoro que atrapa desde el comienzo; "Selim Alai" , uno de los mejores cortes del disco que va acelerando el rítmo en un astuto tema de psicodélia edonista y bien manejada melodía que muestra el asombroso empleo de los recursos isntrumentales de la banda para elaborar atractivas y accesibles piezas musical; la exótica "Shisheler" cantada en turco que emana garage y psicodelia en su pastosa textura; la melódica "Hala Laya", simpático corte de placentera y relajante atmósfera sonora gracias al empleo de la tampura india; y "Treea Pethya", cálido corte de envolventes cuerdas en guitarra eléctrica convencional e hipnotizante percusión en tambor de copa.

De la cosecha propia encontramos la alucinante "Nahna U Diab", seductor corte que dibuja en la mente sensuales movimientos pélvicos por parte de misteriosas odeliscas de enigmáticas y penetrantes miradas; "Besaha" con su estupenda sección rítmica y su cierta acidez; y mi favorita "Isme", extenso corte de declaración amorosa de mayor pretención que nos muestra el talento instrumental y en la construcción de atractivos cortes ricos en matices sonoros.

El exotismo melódico que se puede conseguir al fusionar con acierto y buen gusto géneros totalmente inesperados e impredecibles consiguiendo así una suerte de eclectisismo al mezclar con astucia sonidos de oriente medio con las posturas rock

THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE - AXIS: BOLD AS LOVE

'...It's alright she says it's alright,
take anything you want from me, anything...'

Año: 1967

Rating: ▲▲▲▲▲

Canción favorita : "If 6 Was 9"


Continuando la experimentación psicodélica en el viaje ácido de Hendrix durante el 67; esta vez nos ofrece un innovador trabajo de estudio aprovechando los recursos de este (influenciado por los trabajos de Dylan y los Beatles) y se presenta como el artífice inmaculado de la vanguardia psicodélica al presentarnos un muy interesante y atractivo giro musical menos aguerrido que su primer oferta, pero igual de entretenido y valioso.

Un acercamiento más a la melodía pop; el disco arranca con el jazz de "Up From The Skies", interesante corte de hipnotiza con su ondulante guitarra; "Spanish Castle Magic" nos ofrece el ácido característico del artista; "Wait Until Tomorrow" corte más ligero de postura pop y de intensidad acentuada por el talentoso Noel Redding a la bateria; y "Ain't No Telling" con su poderosa y galvánica guitarra en un aceledaro corte de acid-rock.



Hendrix también nos muestra un lado distinto de su talento musical al deleitarnos con dos hermosas baladas; el clásico "Little Wing", inmortalizado en años posteriores por Clapton; y "Castles Made Of Sand" con colaboración de Noel Redding en los textos y un Hendrix experimentando en la guitarra con distorciones en reversa.

 
"If 6 Was 9" nos muestra por otro lado blues y psicodelia al estilo Jimi Hendrix en un extenso muestrario del talento en las cuerdas y en la bateria; intensa pieza de sulfurosos solos y agonizantes distorciones eléctricas llenas de una deliciosa variedad de matices sonoros que convierten a este corte en uno de los momentos cumbres de la experimentación de un alucinante Hendrix.


"One Rainy Wish" ofrece su embriagante blues de guitarras áridas y demoledores solos detonando una atmósfera lisérgica e incandescente; la caluros y sudorosa "Little Miss Lover"; y el cierre "Bold As Love" ejemplifica con contundencia el sofisticado, elegante e inconfundible estilo musical de Hendrix y compañia.


Todo un logro por parte de un altivo y vanguardista Hendrix.

PROCOL HARUM - PROCOL HARUM

'...like a fool I believed myself and thought I was somebody else...'

Año: 1967

Rating: ▲▲▲▲▲

Canción favorita : "She Wandered Through Garden Fence"



Otro imprescindible de los sesenta; si The Band consiguio aunar las raices americanas del blues, jazz, country, rock y los arreglos orquestales, y los amalgamó en un nuevo sonido con perspectiva que iluminaría a toda una generación estancada en las pretenciones y sobreproducciones del 67 y en la psicodelia de terrenos rock, Procol Harum haría lo mismo en los terrenos del pop, un año antes.

De ascendencia baroque-psicodélica, los Procol Harum consigue así direccionar su sonido en una vertiente pasional y romántica que rescata la fastuosa ornamentación baroque de hermosas melodías y bellísimos arreglos instrumentales llenos de sofisticación y elegancia, iluminados con los teclados de herencia blues y psicodélica por un inspirado Mattew Fisher y un brillante Keith Fishern en romanticos textos denotando intensidad y majestuosidad.

A destacar hay mucho; a pesar de que muchos acusen al disco de apurado tras salir como respuesta al repentino éxito de su priemr single y gran clásico "A Whiter Shade Of Pale", este trabajo ofrece un impecable muestrario del baroque pop del 67 con perspectiva. Asi tenemos la punzante "Conquistador", el jazz melódico de "Something Following Me", la intensa "A Christmas Camel", el vaudeville de la simpática "Good Captain Clack", "Kaleidoscope" ya mostrándonos un adelanto del rock-pop sinfónico y progresivo, y los efectos de voces y botellas rompiéndose recreando un barullo cantinero en el cabaret de "Mabel".

Más son tres las piezas que se llevan mis ovaciones totales; la primera es la brillante "Repent Walpurgis", magistral corte instrumental que pone en manifiseto el derroche baroque y su buen gusto por la ornamentación y la construcción de pasajes sonoros llenos de matices apasionantes e intensos; la segunda es la mencionada "A Whiter Shade Of Pale", un gran clásico sesentero de pastosa textura que envuelve en esa mágica atmósfera de nostálgia y melancolía; y mi favorita es "She Wandered Through Garden Fence", estupenda melodía tan bien tratada y construida que me provoca escucharla hasta el cansancio y que cautiva en su cierta ingenuidad y coloridad instrumental.

La reedición contiene además varias notables piezas como la apasionante "Homburg", corte que cómodamente se filtra con el sonido del disco, y "Seem to Have the Blues (Mostly All the Time)" mostrandonos su querencia por el blues más marcado en un interesante estilo de vertientes psicodélicas.

Grandiosa e invaluable aportación de la banda a la música.

THE LEFT BANKE - WALK AWAY RENÉE/PRETTY BALLERINA

'...From deep inside the pain I, I chose to hide...'

Año: 1967

Rating: ▲▲▲▲▲

Canción favorita : "Walk Away Renée"

Los Left Banke sorprenden por muchos factores; su joven vocalista y letrista Michael Brown consoguiendo una impecable madurez lírica; su buen gusto al conjurar bellísimas melodías que embriagan en su dulzura y encanto pop, y su contundente postur baroque que enaltece sus piezas a niveles llenos de sensibilidad y hedonismo musical.

Elegancia hecha música en "Pretty Ballerina", que muestra la sofisticación y sensibilidad que se puede conseguir empleando como base una sensible factura vocal y estilizadas notas de piano; "She May Call You Up Tonight" acentua también lo previamente escrito en un corte más animado de querencia baroque beachboyerra.

La simpática "I've Got Something On My Mind" de estupenda melodía y un breve y acorde pasaje de violines en la parte media elevan este impecable corte; el clavicordio de "Evening Gown" en un corte más agresivo con un estilo vocal enfocado al rock'n'roll.

 Mas es "Walk Away Renée" mi favorita; melancólica pieza de conmovedores violines que envuelven e iluminan en su opulencia y fastuosidad baroque consiguiendo crear una atmósfera de enamoramiento y romance de intensas pasiones y alta sensibilidad.

Country-pop en "Waht Do You Know"; aceleramos el rítmo en "I Haven't Got The Nerve", corte de postura bailonga; y cierra la psicodélica "Lazy Day", acertado punto final de este maravilloso trabajo sesentereo que destaca de entre los más representativos trabajos baroque-pop del 67.

GENE CLARK - GENE CLARK WITH THE GOSDIN BROTHERS

Año: 1967

Rating: ▲▲▲▲▲

Canción favorita : "So You Say You Lost Your Baby"

Gene Clark es uno de los más importantes artífices musicales de loss esenta; probablemente su mayor contribución al rock sería como miembro de los Byrds al enfocar todo su talento en el glorioso "Mr. Tambourine Man" y el revolucionario "5D".

Tras su marcha de la banda por su miedo a los aviones, tuvo una relativa carrera como solista en la que consiguió elaborar soberbios trabajos discográficos, a los cuales les sería esquivo el éxito comercuial y el reconocimiento e interes de la crítica.


"With The Gosdin Brothers" es así una muy gustosa experiencia menos pretenciosas pero que consigue exponer impecables cortes que muestran su maestría en la composición musical. Acierta al conseguir una sutil heterogeneidad que permite admirar una notable conjunción a lo largo de los hermosos pasajes del disco que van desde el ornamento baroque con elegantes violines, pasando por la psicodélia, el blues, el folk, y su querencia pop.


El disco arranca con una de las mejores piezas que he escuchado de este artista; "Echoes" es una delicia baroque-pop llena de ornamentos instrumentales que embellecen con sofisticación esta maravilla de canción, logrando evocar paisajes y sensaciones en la mente de paz y tranquilidad emocional.

A destacar también la rítmica "Elevator Operator"; la triste "The Same One", sombrio corte de memorables cuerdas; la envolvente "I Found You"; y el country folk de "Tried So Hard".

Mas es la psicodelia de "So You Say You Lost Your Baby" la que se lleva mis aplausos; su cierta recurrencia oriental mezclada con un matiz árido conseguido al jugar con los violines de cierta querencia a Lee Hazlewood, elegante corte que hipnotiza en su altisonante melodía de rica construcción y progresión musical.

Un excelente muestrario del calado y sofisticado pop sesentero.

THE STONE PONEYS - THE STONE PONEYS

Año: 1967

Rating: ▲▲▲▲▲

Canción favorita : "2:10 Train"


El country resulta uno de mis géneros musicales favoritos y uno de los más conmovedores que he escuchado.

Su candor, su humildad, su sinceridad, su querencia por el basamento simple y campirano, minimalista, su intimismo emocional y su coloridad en sus cuerdas lo convierten en un género musical fascinante que encontró a de entre sus mejores y más comprometidos exponentes, a la vez que se amalgamaba con otros géneros americanos, a mediados y en la segunda mitad de los sesenta.


Los Stone Poneys asi nos muestran un country fresco, sin pretención mayor que embriagar de belleza melódica e intensidad emocional; presentando las hermosas cuerdas y las inspiradas melodías de Bob Kimmel y Kenny Edwards, y la gloriosa voz de Linda Ronstadt que ilumina con candidez vocal los bellísimos textos de desventuras y desamores.

De entre lo más destacable se encuentra la hermosa "Back Home", melancólica pieza de placentera melodía y sensibles cuerdas; la romántica y candida "Bicycle Song" de armónicos matices en sus cuerdas iluminando la pieza con  la enérgica "Orion" cantada a todo pulmón con una intensa Rondstadt incierta ante el destino.

También destacan "All The Beautiful Things" con orientación country-folk; la sensible "If I Were You", delicada pieza de aromas sureños; y el country-blues de "Train And The River", conseguida pieza de tristes textos; y "Wild About My Lovin'", corte campirano de country que amrca un contraste más altisonante a lo Jefferson Airplane.


Pero son dos los cortes que se llevan mis aplausos: la pimera es la acongojante "Just A Little Bit Of Rain" que de por si fulmina cen sus primeros segundos con las frágiles cuerdas de guitarras que acompañan a una conmovedora Rondstadt mostrando la calada sensibilidad del country más puro y vernáculo; la otra es "2:10 Train", gloriosa pieza nuevamente con una brillante Linda cantando la pieza con pasión y empleando los recursos vocales característicos del country que tan bien le quedan, sin forzarlos ni sobrebuscarlos; simplemente una de las mejores voces femeninas del género.