THE POLICE - ZENYATTA MONDATTA

Año: 1980
País: Reino Unido
Género: New-wave
Puntuacio: ▲▲▲▲

Canción favorita:"Canary In A Coalmine"

Siendo honestos, The Police es una de esas bandas ochenteras que no llama mucho mi atención, no es que sea mala, pero su poca heterogeneidad y su marcado sonido derivado no me resulta tan atractivo. Es cuestión de gustos, mas ello no justificaría pasar por alto cuando realizan un buen trabajo como este "Zenyatta Mondatta" (uno de los menos señalados de su discografía) que consigue balancear su previo sonido que mezclaba reggae y rock de base clásica con el nuevo sonido de sus dos discos que desarrollarían en años posteriores, más accesible y por ahí pretencioso.

Mostrando su instantaneo encanto en la conjuración de cortes simples y derectos de muy gustosa escucha, comienza con "Don't Stand So Close To Me", simpática mezcla del sonido beatleniano con un enfoque post-punk. El marcado reggae de "Don't Stand So Close To Me" me supone un fuerte contraste entre el tempo innato del género y el arriesgado estilo vocal de su famoso vocalista, sin embargo lo que más me llama la atención es el manejo de la intriga sonora en un corte de crítica pólitica con el brevísimo y acertado solo de guitarra en la parte media.

"When The World Is Running Down, You Make The Best of What's Still Around" emplea sintetizadores en un corte de aire nuevaloero simpático aunque cómodamente pudo ser mucho más corto.

"Canary In A Coalmine" resulta de entre lo más interesante del disco, con esa simpática melodía y los arreglos vocales que no desaciertan en su vertiginosa conjuración. Es una sofisticada pieza de algo así como ska-jazz y jangle.

"Voices Inside My Head" tiene una destacable construcción instrumental que insinua cierto aire  funk-bailongo con consistente bajo que va poco a poco encantando y creciendo tras reescuchas en su discreto encanto. Marcada nuevaola en "Bombs Away", nuevamente con conjuracióne beatleniana y un acertado encanto post-punk acentuado por los sintetizadores en el fondo.

"De Do Do Do, De Da Da Da" es un simple y contagiante corte que muestra lo que puede conseguir los Police menos pretenciosos, mas no por eso autocomplacientes; el corte es una delicia pop que deleita en su minimalismo a los amantes de la construcción melódica sesentera del pop fresco y simple. "Behind My Camel", por el guitarrista Andy Summers, resutla monótona y complaciente, pero hay que reconocerle su capacidad de evocar tensión atmosférica que no resulta nada disonante en este heterogeneo trabajo de la banda (prefiero esto a una mezcla reggae-beatle inferior).

"Man In A Suitcase" es una muy simpática pieza que nos lleva por su vena ska-reaggae que nuevamente muestra lo mucho que consiguen unos Police menos pretenciosos y más enfocados en la melodía.

"Shadows In The Rain" es un muy interesante corte. Reggae apacible sostenido con un impecable bajo y revestido de sutil exotismo en las caóticas guitarras y en la lejana y algo difusa voz de Sting parece transportarnos a una árida atmósfera de intrigante convulsión no tan explicita pero que fácilmente dibuja pasajes de desolación en la mente.

"The Other Way Of Stopping" culmina el trabajo con un ejercicio de post-punk y teclados que pudo ser más corto, pues por ahí consigue ciertos momentos de gustosa escucha en su poca original melodía.

ANIMAL COLLECTIVE - MERRIWEATHER POST PAVILION

Año: 2009
País: Estados Unidos
Género: Indie.psychedelic.
Puntuación: ▲▲1/2

Canción favorita:"Bluish"

Mucha polvoreda se levanta para este disco, escuchable mas no nocesariamente redondo ni revolucionario. Los Animal Collective optan por recrean ejercicios sonoros psicodélicos sesenteros y el baroque-pop al mero estilo de Brian Wilson, sin el implacable tacto ni sensibilidad melódica de este, claro. Abundan pasajes sonoros en varias ocasiones sobreproducidos y extenuantes de cansina resonancia, sin encanto ni dirección.

Fuera de esto el disco ofrece suficiente disfrute sonoro como para culminar la escucha total del disco (por lo menos en las primeras escuchas). Talvez si se hubieran evitado esta tendencia a prolongar innecesariamente las piezas se hubiera conseguido un trabajo fructífero y valgamente meritorio. Pero bueno

Así resaltan el corte q da comienzo "In The Flowers", que genera cierta ambiente envolvente en un sensorial viaje místico que explosiona con júbilosos transfondos sonoros. Efectivo parte introductoria. Le sigue la  aceptable "My girls", de factura lírica algo intrascendente. Ésta, junto con "Also frightened", poseen una sinuosa construcción melódica muy atractiva y estimable; pero que queda ocapada por los mas de 5 monótonos y saciantes minutos de dura cada pieza. Todo lo contrario con "Summertime Clothes", otra canción de letra floja (ya parecen Vampire Weekend), pero de animado y jugetón ritmo que provoca disfrute sonoro en reescuchas. 

La destacable "Bluish" rescata con elegancia su querencia por el pop barroco y psicodélico con matices dream y sunshine pop. Justifica la fastuosidad de elementos sonoros (reales o artificiales) en una sofisticada armonía y cuidada melodia muy respetable y disfrutable. Lo más glorioso del disco.

Tambien destaca "No more running" aunque algo pesada para la parte casi final del disco. En todo caso la hubieran acortado; y "Brothersport", otro atractivo corte que pudo haber sido un estimable final si no fuera por ese incesante y extenuante pasaje electrónico en su parte media que se extiende insoportablemente sin rumbo aparente alrededor de un minuto y medio. Ya no más, por favor.

THE ROLLING STONES - AFTERMATH

'...and though she's not really ill, there's a little yellow pill
she goes runnig for the shelter of a mother's little helper...'

Año: 1966
País: Reino Unido  
Género: Blues-based rock 
Puntuación: ▲▲▲▲1/2

Canción favorita:"Paint It Black"

Bueno pues ya era hora de que los Stones presentaran un trabajo de textos propios; si ya habían fascinado con estupendos singles propios como "The Last Time", "As Tears Go By" y el clásico "Satisfaction", cómodamente podían sostener todo un trabajo discográfico con sus propias composiciones.

Y no lo hicieron nada mal; de los quince cortes que presentan (bueno por diferencias entre la edición inglesa y americana pueden variar), casi todos consolidan su gran talento en la construcción musical y consiguen cimentarse en la mente y el alma del amante de la música en sus diversas vertientes.

Y es que no solo sorprende por su autonomía musical, sino por sus interesantes experimentaciones y variedad de recursos instrumentales, ofertados por un brillante e inquieto Brian Jones, que cómodamente compiten con las vanguardias más arriesgadas de sus contemporaneos. Así hay que destacar de arranque "Paint It Black", una magistral pieza con sorprendente empleo del sitar por Jones y una bélica atmósfera sonora que debo suponer como revolucionaría en su momento; y es que esta propuesta va más por un enfoque oscuro y tétrico, fatidista, llevan la atmósfera lúgubre del "House of the Rising Sun" de los Animals a una inmaculada e impecable experimentación que unos aun jovenes Stones que parecen haber hecho música toda su vida. Me atrevería a decir que nadie hasta ese momento presentaba una atmósfera tan conseguida y concisa, que hasta ahora me sigue causando las misma sensaciones e inquietudes en sus frios acordes como cuando la escuche por primera vez.

Pero los Stones no solo brillan en este rubro; "Lady Jane" cómodamente se posiciona entre las mejores baladas que ha hecho la banda. Es simplemente encantadora, un Jagger de simple factura vocal en ese hermoso fondo de cuerdas nuevamente cortesía de Jones, ejemplificando la cautivadora instantaneidad de la simpleza musical meno pretenciosa. La puedo escuchar mil veces y siempre conmoveá ese dulce canto con textos de fidelidad ...i must take my leave, fot promised I am... sólo a ellos se les puede ocurrir esto.

De ahí el disco también sorprende con otras muy interesantes direcciones que toma la banda, y sobre todo muestran el talendo multi-instrumental de Brian Jones en geniales aportaciones como la astuta sitar en psicodelia de la morbida "Mother's Little Helper", el slide guitar en la jocosa y exquisita "Stupid Girl", o la exótica marimba que dotan de cierto candor a la misógina y sofisticada "Under My Thumb", con esa sinuosa atmósfera que perdura con el pasar de los años y tras cientos de miles de escucha.

"Doncha Bother Me" es un disfrutable corte de textos minimalistas y aire bluesero; "I Am Waiting" sorprende al ver a unos Stones por ahí con construcciones musicales a lo Simon & Garfunkel; y "Take It Or Leave It", hermoso corte de muy meritoria melodía y un inmortal ...it's just my li-i-i-fe, oh la la la da da da da da la la la...


Por ahí tambien resaltan "Out Of Time" de gustosa escucha , y sobre todo de acertadas cuerdas, más algo monótona en reescuchas, sobre todo por su extensa duración; y "Going Home" que nos presenta un extensísimo improvisado de aire blues y jazz algo innecesario, probablemente animado por las competencias insulsas de mediados de los sesenta por quién hace el corte más largo; bueno por lo menos podemos gozar con algunos recursos vocales de Jagger que no van nada mal.

El resto no es que sea flojo, más no resalta mucho, por ahí una disfrutable "Think" y una arriesgada "High And Dry".

Un crucial paso en la historia de los Stones y un muy disfrutable trabajo lleno de heterogeneidad musical.

ERIC BURDON & THE ANIMALS - THE TWAIN SHALL MEET

'...young Gods smiled upon the crowd, the music being born of love
children danced night and day, religion was being born...'

Año: 1968
País: Reino Unido
Género: Psychedelic
Puntuación: ▲▲▲▲

Canción favorita"Orange and Red Beams"

 

Muy estimble trabajo discográfico mucho más fructífero que su predecesor, de vivida y conseguida psicodelia con aromas antibélicos. Resulta placentero dejarse llevar por las diferentes vertientes por las que el disco va ofreciendo conforme avanza (clara influencia del "Sgt. Pepper").

Los nuevo Animals a la cabeza de Eric Burdon detonan con "Monterrey", un aguerrido comienzo que entrenarra con notable singularidad los vividos momentos del famoso festival del mismo nombre, en el cual Hendrix se convirtió en leyenda. Le sigue la lastimera "Just The Thought" con acertada factura vocal de Burdon (Muy acertada de hecho a lo largo del disco) y subliminales arreglos instrumentales de fondo.

"Closer to The Truth" pudo haber sido un estimable "jamming" si no fuera por lo tedioso y rutinario que resulta en su parte media. Simplemente uno quiere que se acabe lo mas pronto posible. Carente de dirección. La salva la destacada "No Self Pity", un reflexivo corte de destacados arreglos de cuerdas aromatizadas con sabor oriental, y con ese bajo consistente consigue un ambiente oscuro y místico.

Lo mejor del disco, en mi modesta opinión, es simplemente "Orange and Red Beams". Una simple y hermosa balada con nostálgicos arreglos de flauta dulce y trompetas reminiscencia al "Strawberry Fields" de los beatles. La lastimera voz de Burdon resulta conmovedora a lo largo de la pieza, pero se disfruta más en esa implacable parte final llena de añoranza y sensibilidad conseguida por la cascada de ecos y trompetas de fondo. A destacar igualmente el trabajo del bajo.

Pero talvez el corte mas 'importante' del disco sea "Sky Pilot", un corte antibélico de notable grandilocuencia épica y trato melódico. Su soberbia amalgama de abruptos sonidos, ruidos, explosiones, gaitas, dotan de una punzante intensidad (muy a lo "Draft Morning" de los Byrds) que queda subliminalmente apaciguada y contrastada con esos sutiles acordes que le siguen y que dan comienzo a una especie de segunda parte o descenlace de la pieza (algo similar se ve en el "Sgt Pepper" con los tracks 1 y 2).

Aqui el disco pudo haber culminado apoteosicamente y,en mi modesta opinión, hubiera sido facilmente uno de los discos mas recomendables de la epoca dorada de la psicodelia colorida, fastuosa y ostentosa. Pero no, presenta una confusa "We Love You Lil" que no tiene ni pies ni cabeza en este trabajo, y sobre todo un tedioso y extenso pasajes de intensos violines que redundan y redundan sin objetivo mas que alargar el disco.

La salva la estimable "All is One", que fulmina con esa áspera voz de Burdon y un atractivo arreglo de sitares y violines, que para llegar a esta parte hay que aguantarse una extensisima intro de gaitas escocesas; la idea es muy acertada (hasta donde mi bagage musical llega no registro gaitas en previos trabajos), pero excede en demasia lo qu pudo haber sido una estimable intro de un aceptable final alternativo.

KASABIAN - KASABIAN

'...no one else is here and I cant get, since I'm nothing...'

Año: 2004 
País: Reino Unido
Género: Indie.psychedelic
Puntuación: ▲▲▲1/2 

Canción favorita: "I.D."

 

Nada mal, nada mal. Si bien la banda no crea nada nuevo en su disco debut, si que saben pintar muy bien su propuesta neo-psicodélica, y que bien resulta el sonido obtenido, un interesante reciclaje de los mejores momentos de la psicodelia y el garage sesentero y el krautrock setentero, enfocando su oferta en un estilo indie herencia de los Stone Roses y unos Oasis noventeros; pero aderezando además con un admirable buen gusto musical por parte de sus miembros y mostrando la sofisticación suficiente como para disfrutar de comienzo a fin este trabajo discográfico.

Saben muy bien como construir atmósferas sensoriales de principal referencia space, siendo este su punto fuerte en exploraciones sonoras de calada sofisticación como la delirante “I.D.”, uno de los mejores y más envolventes cortes de space-psychedelic con notable intro a lo Kraftwreck.

De entre lo más accesible tenemos la revolviana “Test Transmission” con simpática melodía y una conseguida coloridad y profundidad en los recursos electrónicos orientados a un enfoque space sensorial; la letárgica “Butcher Blues”, de conciso bajo y elementos sensoriales que le otorgan una sugerente luminosidad fortuita; la ‘magical-mystery-touriana’ “Cutt Off” con resonancia a unos Oasis beatlenianos (si es que los hay otros); y la estupenda “Club Foot”, soberbia pieza que juega con el space, el krautrock y el industrial en un agresivo corte de adictiva escucha.

Y de su devoción stone-rosiana hay que destacar “Reason Is Treason” de atractiva escucha en su constante resonancia y cierto aroma bubblegum; y claro “L.S.F. [Lost Souls Forever]”, una de las mejores piezas del disco presentando un muy sofisticado corte de la banda en su evocación al garage sesentero; algo que también se aprecia en el garage-sychedellic de la alucinante “Processed Beats”, exhibiendo el calado gusto de la banda por la elegancia sonora y su muy destacable acierto atmosférico.

En términos generales, un recomendable disco debut para los amantes del indie de las islas británicas.

BLACK SABBATH - VOL. 4

'...lost in happiness I had no fears
innocence and love was all I knew, was it illusion?...'

Año: 1972

País: Reino Unido

Género: Heavy Metal.Hard-rock

Puntuación: ▲▲▲▲1/2

Canción favorita: "Supernaut"

Muy destacado trabajo de la banda inglesa de Hard Rock, esta vez marcadamente influenciados por el sonido ledzeppiano, Conjuran eternos himnos con heróicas guitarras, acerbos riffs, y la mordaz voz de Ozzy que lleva de vitalidad y fulgor a este arremetedor trabajo.

Empieza la extensa "Wheels of Confusion - The Straightener", un potente punto de partida con intensas guitarras y rudos riffs musculados. Muy del estilo acid rock de fines de los sesenta, aumenta la velocidad en su parte final más al estilo Hard Rock setentero. Le sigue la estupenda "Tomorrow's Dream" con muy buen ritmo acentado por la aguerrida melodía vocal de Ozzy, las duras guitarras de Iomi y la intrepitosa ejecución delr estod e la banda , conjuran uno de los mejores cortes de disco.

"Changes" puede resultar algo confusa para este trabajo por su marcado estilo diferente de lo que Sabbath venía haciendo en terminos generales, pero resulta un estimable corte más relajado con fondo de piano y violines. Muy estimable y disfrutable a pesar de su arriesgada posición en el disco. 

Uno de los mejores riffs que he escucahdo de la banda es el de "Supernaut", un intenso y fiero corte de potencia y vitalidad sabbathiana, hasta provoca moverse al compas de su animada sección rítmica y nervudos solos de guitarra; si le añadimos esa parte media de exóticos sonidos latinos, otro de los mejores cortes que han realizado.

De ahí siguen un puñado de buenos cortes del heavy metal áspero y fulguroso, como "Snowblind" y "Cornucopia", esta última con un fulminante Ozzy en la parte vocal. "Laguna Sunrise" es uan pausada y calmada pieza de una simple secuendia de acordes de guitarra acustica en un hermoso fondo barroque cuasi-celestial de violines y acordes de guitarras; nuevamente no se entiende su razón en el disco, pero resulta muy destacable su ejecución y su sensibilidad.

La breve "St. Vitus Dance" y la disfrutable "Under de Sun" dan fin a este muy disfrutable trabajo que presenta cierto bajón en su concepción global y redunda en su parte final con recursos ya previamente escuchados, pero sin embargo no resutla anda desdeñable su escucha y nada desmerecible su calidad ni su grandilocuente impacto. Solo unos ligeros arreglos y este disco estaría comodamente a la altura de sus dos previas obras cumbres.

THE BYRDS - NOTORIOUS BYRD BROTHERS

'...I can recall the time when I wasn't ashamed to reach out to a friend
Now I think I've got a lot more than just my toys to lend...'

Año: 1968
País: Estados Unidos
Género: Psychedelic-folk
Puntuación: ▲▲▲▲1/2

Canción favorita: "Draft Morning"


Realmente resulta sorprendente que a pesar de los conflictos internos que presentó la banda durante la grabación de este trabajo, este hay resultado al fin de cuentas un memorable trabajo conciso y rotundo. Ambicioso y pretencioso en sonoridad. Su clara influencia del "Pet Sounds" y del "Sgt. Pepper" les permite asi realizar un muy sofisticado trabajo de elaborados fondos sonoros y meritorias construcciones melódicas vocales.

El acertado corte de inicio "Artificial Energy" es una formidable pieza de vigoroso ritmo y fastuosas trompetas, consistente, resonante, rimbombante y enérgico comienzo. "Goin' Back" es uno de los mejores cortes del disco; nostálgica, directa, melancólica melodía y bellísimos arreglos de cuerdas en su fondo sonoro de querencia baroque. "Natural Harmony" es una sorprendente pieza que tiene cierto roce con el space, resulta fascinante en su conjunción psicodélica y lisérgica de envolventa atmósfera. Los Byrds saben muy bien como cuidar su sonido, evitando asi exederse y conseguir la redondez sonora. Destacable trato atmosférico.

Le sigue la arriesgada "Draft Morning"; pieza de folk-pop de construcción convencional que cuenta con un deslumbrante e intenso pasaje en su parte media que me resutla muy acertado como dibuja escenario bélicos y retrata fatídicos desenlaces en un tumultoso fondo sonoro delineado por ese memorable solo de trompeta; le añadimos los tristes acordes en su parte final y tenemos una sentida pieza que invita a la reflexión y exhorta a la paz.

Sigue la animada "Wasn't Born to Follow", de aire más campirano. "Get To You" muestra acertadamente su alta sofisticación; con este corte se sumergen y se imbuyen del "Pet Sounds" y elaboran una pieza de asombrosa melodía vocal y airosos arreglos corales en su estribillo. Siempre manteniendo un perspicaz cuidado en los fondos sonoros, resulta otro de los mejores cortes de este rotundo trabajo.

"Change is Now" es un simpático corte con un destacado pasaje de solo de guitarra en la parte media, nostálgica y esperanzadora. "Old John Robertson" es un estimable corte pero tengo preferencia por la versión más limpia que estaba destinada para el "Younge Than Yesterday". No desentona necesariamente, simplemente la prefiero en su trabajo previo.

"Tribal Gathering" y "Dolphin's Smile" son dos estimables corte que preceden a "Space Odyssey", un arriesgado punto final space-rock. No esta mal, pero para su melodía no muy memorable, sin estribillo y sin dirección sonora, resulta algo extensa y monótona , sin embargo es muy atractiva en primeras escuchas y su evocación espacial resulta muy envolvente.

A destacar tambien la meritoria "Triad" que no se encuentra en el disco original, sino en el boxset. No me hubiera molestado (en mi modesta opinión) en el lado B de este trabajo, más hay que admitir que su sonido se aleja del resto del este.

En fin este gran disco enaltece y consolidad el trabajo que los Byrds venian desarrollando notablemente en sus previos trabajos. Despues de este la historia sería otra, y la dirección tambien. Se puede decir entonces que este es el último gran y rotundo trabajo de esencia folk-psicodélica byrdiana.

KAISER CHIEFS - YOURS TRULY, ANGRY MOB

‘...we are the angry mob we read the papers everyday day
we like who like we hate who we hate
but we're also easily swayed...’

Año: 2007

País: Reino Unido
Género: Indie.post-punk
Puntuación: ▲▲1/2

Canción favorita: "Ruby"

Si pues, estos chicos tienen talento; sí con su primer trabajo ya deleitaban con su acertada oferta post-punk-revival de derivación brit-popera, con este segundo trabajo logran por momentos elevan la oferta y madurarla en piezas más interesantes y concisas, aunq por otro lado otro porcentaje de sus cortes muestra la falta de originalidad y la falta de orientación y recursos en la construcción musical.

Se ven un poco más oscuros, su predecesor era algo más cómico y jocoso; este parece madurar en textos de desamor y desavenencias humanas; de las cuales resalta “The Angry Mob”, post-punk bastante estilizado con marchante parte final y notable construcción sin desperdicios para los cerca de cinco minutos del corte inicial; la obsesión amorosa de “Ruby”, estupendo corte con reminiscencias a Duran Duran; la mística que desenvuelve “Love's Not a Competition (But I'm Winning)” con guitarra acústica, voz y efectivos arreglos sensoriales a lo Kent o unos sutiles Depeche Mode; y el despreocupado bubble-gum ramoniano de la enérgica “Everything Is Average Nowadays”; 

Lo demás, muy disfrutable en primeras escuchas, más no necesariamente memorable, perdiendose en cansinos cortes que pasan tediosamente los tres minutos.

CAT'S EYES - CAT'S EYES

Año: 2011

País: Reino Unido

Género: Indie.pop

Puntuación: ▲▲▲

Estimable colaboración musical del vocalista de los Horrors con la soprano italo-canadiense Rachel Zeffira.,  quienes nos ofrecen este trabajo discográfico de disfrutable escucha. Su propuesta revisa las exploraciones atmosféricas sensoriales menos recargadas y de recursos tanto del baroque como del sunshine o el post-punk nuevaolero sin necesariamente evocar estos géneros; arreglos orquestales de violines, arreglos corales celestiales, exotismo en el estilo musical y un bastante atractivo contraste de la dulce y susurrarte voz de la mencionada Zeffira con la áspera y taciturna factura vocal de Faris Badwan ,dando así una experiencia de fácil escucha y de aceptable encanto melódico.

Tiene buen gusto, es queda demostrado en los nada desperdiciados diez cortes del disco que nos llevas desde pasajes introspectivos e intimistas hasta animadas piezas del pop a lo group-girl  y bizarros arreglos que buscan el eclecticismo electrónico krautrockiano.

Del disco entonces hay que destacar el corte homónimo, la divertida “Cat's Eyes” parece comenzar una pieza psicodélica de los sesenta, con aires al "Taxman" de los Beatles, en sus primeros segundos, adentrándonos en un animado corte rítmico del pop con algo de bubblegum simple y sin rodeos, mas fresco y con el suficiente enganche para disfrutarlo en reescuchas; “The Best Person I Know” ya posee exploraciones sensoriales introspectivas a lo Sigus Ros en una muy meritoria profundidad musical conseguida por los agudos y dóciles recursos sonoros al igual del muy limpio trato que se les da.

Pero la que más llama mi atención es la bellísima “I'm Not Stupid”, hermosa y sentida pieza de desencanto que si bien no crea nada que no se haya escuchado ya en décadas pasadas, el fenomenal trato baroque, delicado y tan meticulosos realmente resulta una delicia para los oídos, mostrando así no tener que ser un profundo conocedor del género para poder deleitar con recursos necesariamente tan rebuscados ni sofisticados (CLARO, sin caer tampoco en autocomplacencias ya vistas en otra taaaantas bandas que creen estar inventado algo); celestiales arreglos y notas de órgano de iglesia, arreglos corales y la conjuración atmosférica resultan más que placentera y destacable en este maravilloso corte.

Otro de los destacables cortes del disco es la exótica “Not A Friend”, ya con aromas a Brian Wilson en una deliciosa pieza de acurrucante melodía; la psicodelia se revisa en la disfrutable “Face In The Croad”; y la destacada “Bandit” de intrigantes pasajes sonoros y textos sobre un misterioso personaje de éviles trucos.

De textos inofensivos y de fácil enganche; el disco además revisa eclecticismo gótico poco efectivo en la prescindible “Sooner Or Later”; nostálgicos arreglos baroque como ese enternecedor cuerno francés en “The Lull”; gustosos aromas disco-pop en la bailonga “Over You”; y termina con el limpio baroque en órgano de iglesia estilo clásico de la delicada “I Knew It Was Over”, sublime pieza de que finaliza esta muy disfrutable experiencia musical.

SAGITTARIUS - PRESENT TENSE

Año: 1967
País: Estados Unidos
Género: Baroque pop
Puntuación: ▲▲▲▲▲

Canción favorita: "Another Time"


Uno de los grandes aciertos de Gary Usher, luego de trabajar de la mano del mismísimo Brian Wilson a mediados de los sesenta, fue de juntarse con Curt Boettcher y conformar así una de las agrupaciones musicales que nos regalarían uno de los trabajos discográficos más hermosos y sensibles de todos los tiempos.

Su calada sensibilidad y trató melódico endulza los oídos en su maravilloso sonido lleno de luminosidad musical y coloridad sensorial de basamento baroque, pero llegando ya a terrenos del sunshine-pop.

Basta con escuchar la bellísima y sentimental “Another Time” de inmaculados arreglos instrumentales de arpa y violines que acentúan la luz y la melancolía del corte, todo un memorable corte del pop más elegante con ejercicios corales a lo Mamas & Papas; “Song To The Magic Frog (Will You Ever Know)” con delicado estilo vocal en estribillo agudo en falsete; y además ofrecen sofisticados pasajes baroque con intensos y majestuosos violines como en la sublime “You Know I've Found A Way”.


Otra meritoria pieza es la dulce “The Keeper Of The Games” jugando con una melodía de aroma Hollies; los ecos orientales de la sofisticada “Glass” sorprendiendo con una robusta textura de basamento folk; la altisonante “My World Fell Down” con clara herencia beachboyera; el conmovedor sunshine de “Musty Dusty”; y la psicodelia de la triste “The Truth Is Not Real”.

Una memorable obra maestra del pop más exquisito y sofisticado de lo sesenta.

THE LAST SHADOW PUPPETS - THE AGE OF THE UNDERSTATEMENT

Año: 2008

País: Reino Unido

Género: Indie.baroque-pop

Puntuación: ▲▲▲▲

Vaya sorpresa que nos tendría preparada la unión musical de dos conocidos nombres del indie-post-punk-revival; Alex Turner de los Arctic Monkeys y Miles Kane de los Rascals; quienes al parecer encontrarían lejos de sus mencionadas y respectivas bandas una inspiración y contundencia musical mucho más fructífera al enfocar su propuesta en un pop ornamentado en su fastuosidad baroque de clara sofisticación sesentera.

Y el resultado termina siendo bastante interesante y meritorio; elegantes piezas de calada intensidad y majestuosa construcción melódica acentuadas por la Orquesta Metropolitana de Londres y por el enfoque del baterista y productor James Ford que termina encantando y despampanando en posteriores reeescuchas al oyente amante de la melodía y la luminosidad pop sesentera.

El disco posee tanto intensos y vertiginosos cortes como calmados y letárgicos de desengaño, de amores pasionales, de vicisitudes humanas y de desencanto existencial; a destacar entonces el acelerado y acribillante juego de violines en la fenomenal “The Age Of The Understatement, magistral corte de intrigantes textos de seducción fémina; la simple y bella “Standing Next To Me” con elegancia folk-baroque; “Calm Like You” con envolventes y fascinantes recursos de música fílmica; y el embriagante y sensual lounge de “The Chamber”.

“Only The Truth” con similitud l primer corte del disco en una energética pieza de deliciosa construcción instrumental; “My Mistakes Were Made For You” con textos de desencanto y celestiales arreglos de violines que elevan a los confines del hedonismo baroque; el lujo de la opulenta pieza de desengaño “Black Plant”; y la fulminante “I Don't Like You Anymore”, magistral pieza de ávido contraste melódico-rítmico mostrando el elevado tacto musical del dueto para construir muy sofisticadas pieza.

Las obsesiones féminas se revisan con intensidad en la altisonante “In My Room”, otro de los grandes aciertos del disco; el atmosférico y sensorial lounge reviste la elegancia de “Meeting Place” en una encantadora pieza sin desperdicio de inico a fin, evocando sentimientos encontrados de desamor y desilusión en ese breve pasaje instrumental de violines en su parte final; y el estilo folk de “The Time Has Come Again” finaliza este recomendable trabajo discográfico con una melodía nostálgica de resulta en un meritorio contraste con el histrionismo baroque del disco acentuando así en rememoración la sensibilidad y el romance conseguido del disco.

TSUNAMIS - TSUNAMIS

Año: 2004

País: Chile

Género: Alternative.garage-psychedelic

Puntuación: ▲▲▲▲

Desde Chile nos llega una de las grandes sorpresas que nos dejaría la primera década del nuevo milenio; el remesón marítimo de los Tsunamis, liderados por la abrasiva personalidad de su vocalista y guitarrista Goli, sorprenden con este estupendo disco debut de solo seis cortes, pero suficientes como para embriagarse del rock garagero más destacable de la década.

Comienza con el sulfuro riff de la brutal “Mi Corazón Tu Taj-Mahal”, contundente pieza de garage y psicodelia ácida rica en textura lisérgica que toma por asalto los sentidos en su trance mental de búsqueda de la paz; incandescente pieza con aromas al ácido sanfranciscano y arena-rock brillante en su minimalismo que sostiene a lo largo de sus nada desperdiciados ocho minutos de intensidad ácida.

“Hey Tú!” nos muestra una cierta influencia creamniana ya con enfoque acid-prog en una estupenda continuación de la psicodelia del primer corte en una pieza que busca la saturación noise a lo Blue Cheer y Hendrix en una textura sofocante que llega a su clímax en la arrebatada aceleración del tempo en su parte media a lo MC5 conjurando un calamitoso orgasmo de delirante noise psicótico con guitarras corrosivas y alaridos retorcidos.

“Rosita Queen” acelera el ritmo en un corte surf-rock que parece evocar por momentos a unos Sonics sesentero, pieza corta (en comparación con las otras) de enérgica postura y un notable conocimiento de la exuberancia del rock en las cuerdas por parte de sus guitarristas Goli y Francisco Fernández, además de ese prominente bajo por parte de José Domínguez.

Si bien el disco presenta sólo seis canciones, la banda sorprende con la heretogeneidad musical que ofrece en estos mismos; garage-rock stoogiano, psicodelia, surf,-rock, folk-pop, acid-blues y psychotic-noise se revisten a lo largo de los conseguidos temas de este muy destacado trabajo. El blues se revisa en “Dónde Estás?”, acerba pieza de perturbadora obsesión amorosa y desesperación psicópata por parte de un impaciente y fogoso Goli detonando en la parte media con tamaña estridencia sonora digna de la mejor crudeza musical de los sesenta.

Después de tan demoledora pieza surge un inesperado contraste en la bellísima “Huracán”, con matices sensoriales que insinúan un dream en sus cuerdas acústicas al conseguir cierta luminosidad sonora y candidez musical revestida de cierto misticismo cauteloso a lo “Dear Prudente” de Lennon, consiguiendo una sublime nostalgia y despertando cierta sensibilidad en el trato que se le da.

Y culmina este descomunal trabajo la mastodónica “In Flames” con percusión en tribal, un solo de guitarra emulando una sierra eléctrica, una textura de tenebrosidad y perturbación auditiva, una afligida convulsión y turbación sensorial y mental, y un enardecido y excitado Goli en la parte vocal despotricando morbosas vehemencias humanas por el sexo sádico y el rock en uno de los cortes más intensos y fragorosos del disco con ecos de Sabbath, los Velvets y el Nirvana de Cobain.

No inventan nada nuevo, es cierto, pero ya quisiéramos más bandas con por lo menos el mínimo de bagage musical necesario como para formular nutridas piezas musicales que se defiendan por si solas.

THE STOOGES - THE STOOGES

'...well it's another year for me and you
another year with nothing to do...'

Año: 1969
País: Estados Unidos
Género: Garage.proto-punk
Puntuación: ▲▲▲▲

Canción favorita: "No Fun"



Probablemente una de las mejores y más originales formaciones que se haya visto durante la década dorada del rock; los Stooges liderados por un descontrolado e icónico Iggy Pop convulsionaría la escena del rock de fines de los sesenta con uno de los trabajos más contundentes del rock garagero y del protopunk. Crudo, directo, humano y desfogante, el fulgor y la fogosidad se viven en los incandescentes cortes de esta grandiosa producción discográfica.


Totalmente básicos, de recursos simples y posturas convencionales, mas expuestas con tal enardecimiento y excitación que simplemente uno no puede serle indiferente en sus ruidosas y abrumadoras ejecuciones del rock de ascendencia blues más encanchante y provocativo con un vocinglero Iggy deleitándonos en sus desaforados alaridos y la penetrante guitarra eléctrica de un alucinante Ron Asheton.


El proto-punk en su basamento minimalista y en recursos básicos queda manifestado con contundencia en la excepcional “1969”, con ecos Diddley en una atractiva pieza de contagiante melodía y vertiginosos ejercicios de distorsiones de guitarra envueltos en una dirección contundente resulta lo más acertado y palpitante de su oferta al acentuar la intensidad con la astuta percusión de Scott Asheton.


Sigue la velvetiana “I Wanna Be Your Dog” de morbosos textos y conseguida textura sónica cuya resonancia parece llevarnos al trabajo debut de los mencionados Velvets; mas es “No Fun” mi favorita por excelencia al exhibir sus recurrentes recursos tanto de un despotricante Iggy como de la acidez y robustez de la guitarra oxidada y desafilada desnudando al rock en su vertiente más mínima, quedando expuesto así el encanto y la intensidad que consigue este gran género y engrandeciendo su alma rebelde e indomable en un corte que uno simplemente quiere que ese trance sónico no acabe nunca; palmas, un contundente bajo, una concisa batería, un adictivo riff y la ardorosa voz de Iggy Pop resulta de entre lo más delicioso y orgásmico que se vería en el 69.



Otra de las mejores piezas es la asfixiante “Ann” con una atmósfera abrasiva y ametrallante; la minimalista “Not Right”; y la acalorada “Little Doll” redundando en lo expuesto, más siempre generando esa atmósfera catártica y efervescente de su característico y adictivo sonido.


Talvez el único corte fallido sea la extensísima “We Will Fall”, en el cual se puede observar la huella de John Cale 8quien produjo este trabajo) en un corte que busca el trance mental en sus taciturna y letárgica atmósfera, pero que resulta tediosa y monótona en reescuchas.


Todo un imprescindible trabajo de una de las más influyentes bandas del rock, cuyo impacto y repercusión se puede apreciar en las diversas direcciones que tomo el rock a lo largo de las posteriores décadas hasta nuestros tiempos.

DEAD SKELETONS - DEAD MAGICK

Año: 2011
País: Islandia
Género: Dark  psychedellic
Puntuación: ▲▲▲1/2


Canción favorita: "Ljósberinn"


Desde Islandia nos llega este disfrutable trabajo disco doble y debut de los Dead Skeletons, que sufrió un retraso para la venta en físico (mas no en la versión virtual) encontrándose ya disponible en el mercado.

La banda ya venia ganándose cierto respeto para los amantes del rock underground alejado del mainstream; su propuesta denominada dark-psychedelic, no es más que revestimientos y reciclaje de la psicodelia revolviana, velvetiana y atmosférica aunada con pretensiones krautrock, revestimiento gótico y una herencia en la construcción atmosférica que nos lleva desde el post-punk de profundida sonora de Joy Division hasta el noise de los siempre revisados My Bloody Valentine.


Su música no carece de encanto, consiguiendo así elaborar bastante sofisticadas piezas de difusas pastosidades y mesmerizantes ambientes llenos de profundida musical y trance sensorial, y si bien no innovan en el empleo de recursos ya expuestos a lo largo de la historiad el rock, consiguen el suficiente enganche y buen gusto para saber construir las piezas con el suficiente iteres y encanto como para ser disfrutado en reescuchas.


Varios de sus cortes realmente consiguen elevar los sentidos a un viaje atmosférico de fascinantes ambientes letárgicos y sombríos como “When The Sun” con aromas a Joy Division y The Horros, simple, de construcción que busca más el trance sonoro krautrockiano; “Ljósberinn” comienza con percusión en tribal y conseguida resonancia a lo Ammon Düül II y sulfurosidad ácida bastante meritoria que consigue capturar los sentidos en su estruendosa nebulosidad sónica.


A destacar también la consistente resonancia de “Yama” ya mostrando su postura gótica, la interesante “Dead Mantra” evocando post-punk e industrial; “Kingdom of God” con aromas a lo Cure en “Disintegration”; la desquiciada y perturbadora “Dead Magick I” ya adentrándose al rock psicótico y sus ejercicios sensoriales en “Dead Magick II”.

El resto del trabajo redunda en lo explicado y expone sus querencias por la construcción atmosférica de basamento noise, mas resulta muy disfrutable y no pierde encanto ni consistencia en reescuchas.
 

THE SONICS - HERE ARE THE SONICS!!!

'...she gonna make you itch 'cause she's the witch...'

Año: 1965
País: Estados Unidos
Género: Garage.proto-punk
Puntuación: ▲▲▲▲


Canción favorita: "Have Love Will Travel"

Uno de los ejemplos más contundentes y puntuales del garage proto-punk sesentero es el magistral trabajo debut de la banda proveniente de Washington. Su oferta expone un desnudo rock’n’roll y r’n’b de intensa y robusta consistencia y estruendosa resonancia evocando tanto delirio auditivo como convulsión emocional, esto revestido de una atremalladora propuesta agresiva y mordaz del rock más brusco y desenfadado que influenciaría a un gran número de bandas en la segunda mitad de los sesenta y claro una década después al ya conocido punk setentero.

Su demoledora impronta se observa a lo largo de los doce cortes del disco, de los cuales ocho son estruendosas versiones de clásicos del rock, mostrando así el gran talento de la banda para alborotar la escena con sus destacadas interpretaciones como las archiconocidas "Roll Over Beethoven" De Check Berry que se reviste de una intensa pastosidad sónica en la versión de la banda; o la estupenda “Do You Love Me” de los Contours con vigorosa bateria de Bob Bennett.

Mas es en mi opinión Rob Lind quien se lleva los aplausos al acertar en acentuar la intensidad del sonido de los Sonics con su aniquilador saxofón, para muestra tenemos el impecable cover del "Have Love, Will Travel" de Richard Berry, versióne nla cual resalta la línea de bajo de Andy Parypa y ni que decir de la factura vocal, herencia de Little Richard, de su acerbo vocalista Gerry Roslie, conjurando así uno de los momentos más memorables y excitantes del disco; otro de estas intensas conjuraciones es la versión del "Dirty Robber" de los Wailers americanos; y claro el corte inicia “The Witch” de vertiginoso y arrebatado estribillo detonando en un fogoso caos de excitante estridencia sónica.

El disco es una tras otra pieza que exubera del acerbo estilo de los Sonics, que acalora el ambiente en electrizantes piezas como su potente “Boss Hoss”, en la juguetona y chulesca versión del “Walkin' The Dog”, y en corte más lentos como la versión del “Night Time Is The Right Time” del incomparable Ray Charles, mostrando así el gran talento de sus miembros en versiones a la altura de los mismísimos e inmortales clásicos del rock.

ANIVERSARIO: EL PRIMER AÑO!!!!

Uff...ya hace un años atrás que empecé con este proyecto del blog propio, y bueno jamás me imaginé escribiendo ya mi crítica de disco número 234; parece que fuera ayer cuando me decidí a comenzar a escribir sobre el disco que me sumergió y me hizo comprender la importancia y trascendencia del rock, un 18 de octubre del ya pasado año, ese legendario “Highway 61 Revisited” de Dylan, aun recuerdo cuando lo escuché por primera vez ya años atrás, y simplemente no podía dejar de escucharlo una y otra vez, pero bueno claro ese disco me abrió todo un mundo y me adentró a la escena musical del 65, año determinante en el cual se dieron de entre los más puntuales hechos en la historiad el rock, y cuyas repercusiones las conocemos muy bien los amantes de este inmortal género, y de hecho aun las seguimos viendo.

Disco Luz del Rock Contemporaneo

Pero más allá del rock propiamente dicho, este disco me hizo comprender la importancia de un trabajo discográfico en general, del alma que se entrega en este y del trabajo que uno enfoca en la elaboración de sus piezas y sus ideas musicales, sorprendiéndome más por el gran valor e inspiración que consiguen estos artistas sesenteros con equipos y estudios de grabación alejados de la sofisticación contemporánea sin embargo hay mucho más que rescatar y revalorar en esos gloriosos años que en la actualidad, y es y será esa el motor que me impulse a seguir estudiando la música en general y a seguir manteniendo un juicio crítico ante los nuevos trabajos que se vengan presentando con el tiempo.


Ante todo esto, también aprovecho para comunicar algunos cambios que se vendrán dando en el blog; primero que nada para decirles a los lectores que se está trabajando de la mano del facebook: en el siguiente link podrán ponerle a “Me Gusta” y recibir las actualizaciones de las criticas diarias en su bandeja del face: http://www.facebook.com/pages/Stoneemo/216525918387757


Luego, que el formato el blog va cambiar un poco; primeramente pensado para ofrecer criticas de discos clásicos del rock, ahora se expande la idea a discos sin discriminar los diversos géneros musicales (aunque siempre con inclinación al rock que es mi fuerte), y además también a trabajos actuales y lanzamientos recientes, destacando por semana dos trabajos discográficos: un DESTACADO, que es un lanzamiento semanal que esta modesta página recomienda su escucha; y un RECOMENDADO, que es un trabajo discográfico a escuchar y revalorar que por lo general no tuvieron la suficiente repercusión ni éxito comercial en su momento, y al no gozar como en la actualidad de la facilidad de llevar sus propuestas a un público masivo por los diversos medios de la actual globalización, terminaron enterrados en los baúles de los pocos que llegaron a escucharlos, y es ahora compromiso y misión de las nuevas generaciones que redescubrimos todos estos infravalorados trabajos, de impulsarlos y evitar así que la historia se repita y los termine sepultando en el triste olvido.

También resulta necesario renovar la imagen principal y el alter-ego del perfil, pasando de un misógino y descarriado Keith Richards del “Some Girls” a un andrógino e irreverente Brian Eno del “For Your Pleasure”; que por qué elijo este tipo de personajes?...bueno porque supongo es más divertido que ver mi cacharro en la foto de perfil.

Saludos entonces y gracias por contribuir a la historia del rock directa o indirectamente.

BLIND FAITH - BLIND FAITH

Año: 1969

País: Reino Unido

Género: Blues-rock

Puntuación: ▲▲▲▲

Los conflictos de egos le depararían a Cream, una de las más importantes formaciones de la década de los sesenta, una convulsiva relación grupal que terminaría con su disolución en el 69. Tras esto, sus ex integrantes Eric Clapton y Ginger Baker se enlistarían con el exTraffic Steve Winwood y el bajista de los Family, Rick Grech.

Alejándose de las propuestas psicodélicas de los respectivos grupos, la nueva formación se adentra a un blues-rock bastante interesante que consigue una dirección artística con orientación al sonido del 68 en bandas como la mencionada Traffic y Procol Harum.

El talento de cada uno de sus miembros también se aprecia en este trabajo, tanto por separado como a lo largote construcciones y exploraciones musicales en las que brillan la majestuosa guitarra de Clapton en impecables cortes como la hermosa construcción melódica de “Sea of Joy”, por un meticuloso Winwood del cual podemos observar su impronta a lo Traffic, además de un Astuto Baker en la percusión acentuando con resonancia la intensidad en los pasajes de la pieza.

Ecos de southern-rock en la pieza de un inspirado Clapton “Presence of the Lord”, con deliciosas notas de piano de Winwoood; el blues más contundente en su vertiente progresiva con aromas jazzistas en “Had to Cry Today”; su sofisticada versión del “Well...All Right” de Holly en un alegre y altisonante corte de memorables teclados.

Culmina con la psicodelia bluesera de “Do What You Like”, en donde apreciamos una genial comunicación entre Bruce y Eric deleitando en un delirante jam de hipnotizantes y seductoras cuerdas y un intenso solo de Baker a la batería, cerrando este muy logrado trabajo que parece buscar la remembranza del sonido del rock del 68 y del 69 para culminar la irrepetible década con broche de oro.

CREAM - FRESH CREAM

'...driving in my car, smoking my cigar
the only time I'm happy's when I play my guitar...'

Año: 1966
País: Reino Unido
Género: Blues-rock
Puntuación: ▲▲▲▲

Canción favorita: "Sweet Wine"




La legendaria formación inglesa sorprende con esta estupendo disco debut que nos muestra, junto con el “Revolver” de los Beatles y el “Roger The Engineer” de los Yarbirds las nuevas direcciones artística de una nueva generación de jóvenes empecinados en destrozar todo precepto conocido e imponer sus novedosas y fascinantes propuestas enraizadas en el blues y el rock; y partiendo a terrenos totalmente inhóspitos donde todo es posible, todo vale y si viene de la mano de estos tres virtuosos músicos,  no queda más que sentarse y simplemente embriagarse en su palpitante y rebosante explosión blues-rock.

Aun alejados de la psicodelia de su emblemático “Disraeli Gears”, este su disco debut ofrece una muy interesante dirección del rock llevado a terrenos de saturación sonora, intensos jammings llenos de agresivas y bruscas expresiones musicales como en la revoltosa versión del “Rollin' And Tumblin'” de Muddy Waters, ametrallador corte de intenso blues garagero; la intensa atmósfera bien nutrida de lav ersión del “I’m So Glad” de Skip James totalmente alucinante en su irresistible sección rítmica y sus aromas psicodélicos; la letárgica y seductora “Sleepy Time Time” con la inmortal y sensual guitarra de Clapton, quein también deslumbra en la delirante “Sweet Wine”; la árida versión del “Spoonful” de Robert Jonson; y la enganchante “Cat’s Squirrel”, mostrando una deliciosa comunicación entre sus miembros.

Otro enfoque bastante destacable de la banda es en la conjuración de piezas pop frescas y revestidas de la intensidad blues en la guitarra de Clapton como en la archiconocida “I Feel Free”, emanando esa seductora mística en esos hipnotizantes ejercicios corales; y la divertida “N.S.U.”, apabullante piezas de intensa resonancia que me evoca un cierto adelanto del sonido de la costa oeste.

Señores, esto es la crème de la crème…y para fortuna nuestra, es tan solo el comienzo de una serie de magistrales trabajos de estudio.

THE MAZE - ARMAGEDDON

'...where will you be on the day of ARMAGEDDON???...'

Año: 1968
País: Estados Unidos
Género: Heavy Prog
Puntuación: ▲▲▲▲▲

Canción favorita: "Happiness"


Otro de los inmaculados legados provenientes de la costa oeste; los Maze fascinan con este su único trabajo discográfico que registra tanto su ascendencia sanfranciscana de bandas contemporáneas como los Doors, Iron Butterfly, los Byrds y cierta oscuridad a lo Afterglow sorprendiendo en un oscuro y atractivo sonido heavy-psychedelic.

Su propuesta se adentra ya en los terrenos del heavy-prog derivado del ácido psicodélico del 67 en una dirección más robusta y atmosférica, de ambientes lúgubres y funestos como lo exhibe su primer u magistral corte “Armageddon”, intensa y desesperanzadora pieza de conseguida desolación sonora que penetra los sentidos en su tétrica y mesmerizante textura atmosférica que simplemente uno no quiere que acabe nunca.

Sus texturas terminan fulminando al buen conocedor de la psicodelia sanfranciscana; conseguidas piezas de nutrida luminosidad envueltas en pastosas nubosidades ácidas de principal referencia a unos Doors del “Strange Days”; sorprenden así con los delirantes teclados en la letárgica y depresiva “I'm So Sad”; contrastando con la estupenda “Happiness”, deliciosa píldora psicodélica de irresistible escucha y resonancia ácida a lo Iron Butterfly; y la alucinante “Whispersing Shadows”, con magistral solo de intro heavy-psychedelic.

Una de las mejores piezas del disco es la deslumbrante “Dejected Soul”, demoledor corte de suculenta psicodelia ácida tan rica en robustez como en resonancia, provocando un trance lisérgico mental de intensas exploraciones alucinógenas; y la sentida “As For Now” derritiéndonos en sus nostalgias y lamentos lanzados al viento cierra con broche de oro este impecable y memorable trabajo discográfico proveniente de una fértil California del 68.

La reedición contiene además dos notables cortes de la formación anterior llamada Stone Henge, los cortes son la simpática “Right Time” y la estupenda “Rumors”, mostando su querencia byrdiana.

THE KILLERS - HOT FUSS

'...somebody told me you had a boyfriend
who looked like a girlfriend that I had in February of last year...'

Año: 2004
País: Estados Unidos
Género: Indie
Puntuación: ▲▲1/2

Canción favorita: "Somebody Told Me"


Provenientes desde las áridas y pecaminosas tierras americanas de Las Vegas llegan los Killers, cuarteto musical envuelto en el contexto indie.post-punk-revival de mediados de la primera década del 2000 que si bien no inventan nada, por lo menos se defienden en algunos muy disfrutables cortes nada carentes de encanto melódico.

Si bien poseen un respetable bagage musical que se aprecia desde el post-punk de los Cure ochenteros, la new-wave electrónica a lo New Order y Depeche Mode, un enfoque comercial a lo U2,  y el marcado brit-pop noventero que influyó considerablemente en su sonido; su falta de contundencia y orientación en la construcción musical termina haciendo de este “Hot Fuss” poco memorable y carente de encanto e interés en reescuchas; aunque hay que mencionar su capacidad de construir intensidades instrumentales lo suficientemente sofisticadas como para despertar interés y atracción sonora.

De lo destacable definitivamente resalta su primer single “Somebody Told Me”, ávido corte de genial intensidad rítmica y pastosidad conseguida en los teclados de su vocalista Brandon Flowers (pieza clave de su sonido), en un animado corte que provoca tanto bailarlo como cantar esos astutos textos y vivirlo en su altiva velocidad rítmica; “Jenny Was A Friend Of Mine” es un atractivo corte de intrigante textura sonora y textos sobre un misterioso asesinato; una cierta reminiscencia morrisseyana en el post-punk de “Smile Like You Mean It”; y la balada “Mr. Brightside”, de obsesivos textos de infidelidad y celos enfermizos en un corte FM de conseguida intensidad por ahí evocando a unos nuevos románticos Duran Duran.

El resto del disco, escuchable aunque derivativo, resaltando las incisivas cuerdas en “Andy, You're A Star”, o la superflua “Glamorous Indie Rock & Roll” despertando cierto encanto melódico en sus primeras escuchas, el resto, bueno sólo para fanáticos.