BRIAN ENO - HERE COME THE WARM JETS 1974

Singular trabajo del inquieto genio de Eno, un empedernido amante de la vanguardia y la extravagancia sonora. Posturas experimentales, art-rock, alejandose en cierta medida del enfoque accesible y complaciente del glam y aventurandose en terrenos osados y arriegados. Sus menudos métodos de inspiración y creación musical le permiten asi elaborar sofisticados cortes de fascinantes fondos nutridos de imagenes y sensaciones, y sus textos sin sentido crean fantasiosas historias de hilaridad y encanto musical.

“Needles in the Camel’s Eye” es uno de los mejores cortes, de esencia noise en su sonido lavado y unísono. “The Paw Paw Negro Blowtorch” es lo más cercano a Roxy Music, banda a la que rpeviamente pertenecía tras ser "hechado" por Ferry. Sugerente glam-rock por su bufonesco estilo vocal.

"Baby's On Fire" es de lo mas prodigios que uno puede escuchar, de voz socarrona, de inquietante fondo musical, un sonido rebuscado y vigoroso. De conocido e intenso solo de guitarra (se le conoce como uno de los mejores solos de la historia del rock) y de disparatados textos de libre interpretación, resaltando asi uno de los más valorados propositos de la música; hacer volar tu imaginación.

Melodía pop y un poco de orden en "Cindy Tells Me", conecta con el minimalismo de "Driving Me Backwards", de repercusión krauftrockiana y de fascinante y envolvente fondo musical que asombra y despanmpana por su conseguida intensidad.

"On Some Faraway Beach" resutla un meritorio pasaje sonoro de reflexivo piano y arreglos corales. Su triste y apacible tono se logra mantener nutriendose de acertados recursos interesantes, tiene cierta magia pues logra suspenderte por los aires en su ensoñador fondo atmosférico. "Blank Frank" parece traernos a un Beefheart noise-glam, ametrallador corte de fascianntes distorciones sonoras, meritorio y muy disfrutable corte.

"Dead Finks Don't Falk" es algo intrincada, comienza con un estilo a lo Reed en "Berlin" o en los cortes calmados de "Transformer", siguen unos alaridos delirantes de ...oh no oh no... muy meritorios, solos de guitarras y luego se torna más intensa y aguerrida en su parte final. RCo este corte este hombre ralmente muestra que es un genio que puede componer cualquier cosa y asombrarnos y fascinarnos.


"Some Of Them Are Old" es realmente bellisima, es como si escucharamos a un grupo formado por varios Enos, guarda cierto aire minimalista en su encantadora atmósfera sonora de sutiles recursos musicales. "Here Come the Warm Jets" es un meritorio corte final, de punzantes guitarras en su parte inicla que parecen enmoldadas cual plastilina en inquietas manos.


La verdad es que resulta insulso tratar de describir este innovador trabajo discográfico, solo queda disfrutarlo en su vasta medida. En si es lo que queda hacer con cualquier trabajo que uno escuche, mas esto es otra cosa.

LOU REED - BERLIN 1973

Dramático trabajo discográfico. Contrasta drasticamente con el glam que venía mostrando Reed en su previo trabajo "Transformer", ahora optando por penetrantes atmósferas y fríos y perturbadores ambientes sonoros que narra impactantes pasajes de desdichas amorosas, abuso físico, drogas, vidas arruinadas e irreparables, depresión, violencia, promiscuidad y, al final, un trágico desenlace.

No es un disco de fácil escucha. Todo lo contrario, probablemente requiere bastante paciencia para que uno pueda comprender mejor la cambiante dirección que va tomando conforme se va avanzando. En primeras escuchas resulta pretencioso por sus pesados y ostentosos arreglos orquestales, pero queda astutamente balanceado por cortes predominantemente acústicos de sutiles fondos orquestales.

La agridulce "Berlin" da incio al disco, un corte que presenta un collage de registros sonoros de eventos felices en la vida de la protagonista, una prostituta americana. Constrasta con frías y sentidas notas de piano con la apagada voz de Reed evocando remembranzas alegres en un estilo cabaret. Un meritorio comienzo.

"Lady Day" narra en sus fríos textos las circunstancias del encuentro con el futuro padre de sus hijos. Dramático e intenso tema de prositución y drogas. "Men Of Good Fortune" es un buen ejemplo del estilo ostntoso del disco; algo larga, más de los cuatro minutos, mas hay que reconocerle el trato musical que permite que no se desinfle en su repetitivo estilo. En "Caroline Says" los personajes se sacan los trapos sucios en un corte que juega con cierta inocencia socarrona; posée una estupenda construcción instrumental que se enaltece en esa memorable parte final, un pasaje de flautas, violines, areglos corales, y un abrupto descenlace.

"How Do You Feel" es un corte fastuos de solos de guitarras, violines, estiamble e intenso; sin embargo, sonoramente hablando, resulta acertadamente equilibrado. "Oh Jim" es el desfogue de la protagonista ante los abusos y humillaciones de su pareja; otro acertado corte que reunda en cierta medida con el estilo sonoro previamente expuesto, pero que prèsenta una contrastante parte acústica final que realmente salva la canción.

"Caroline Says II" contrasta líricamente con su primera parte. Resulta ser una drámatica balada acústica que nos introduce a la tragedia que le toca vivir a su protagonista víctima de abusos físicos y mentales. Juega con la sensibilidad del receptor al mostrarse algo optimista al sugerir que su protagonista, ya totalmente indulgente ante todo, decide poner fin a la seríe de maltratos y desdichas. Uno de los mejores cortes del disco cuya mezcla entre inocencia y optimismo queda subliminalmente acompañado de la voz acertada de Reed y del conseguido fondo atmosférico instrumental.


"The Kids" es un canción acustica de mordida frialdad que narra el momento en que le son arrebatan los hijos, presenta una dramática parte final en donde se escucha, en un fondo musical de confusión, gritos y llantos de niños acompañados de un perturbador solo de flauta dulce.

La escalofriante "The Bed" es un trágico corte que nos introduce a una habitación en la cual se encuentra la cama en donde la protagonista termina con su vida. Los tristes acorde iniciales y el atmosférico fondo perturbador reviven en la parte lírica los placenteros y fatales momentos que ocurrieron en ese escenario.

En mi opinión, el disco culmina ya con "The Bed". Sin embargo, se extiende seis minutos más con la confusa "Sad Song". De opiniones encontradas. No es que sea mala, pero resulta algo innecesaria por su aire reinvicador que de confiere al final del disco. De fondo instrumental intenso y de corte épico.


En fin, un memorable disco de morbida crudeza lírica.

DAVID BOWIE - THE RISE AND FALL OF ZIGGY STARDUST AND THE SPIDERS FROM MARS 1972

Probablemente el mejor trabajo que el glam pudo ofrecer en su auge setentero. Un épico trabajo discográfico del siempre inquieto Bowie; quien tras un deslumbrante Hunky Dory, contundente trabajo que le dió una nueva y necesaria orientación musical, asienta su enfoque sonoro y conceptual y su vena artística e histriónica en memorables cortes que entrelazan la fascinante historia de Zuggy Stardust, uno de sus conocidos alter-egos, en su aventura de mesías salvador que termina llevandolo a su propia destrucción.


Heredero seducido por el inmaculado legado de Barret en la era Pink Floyd y atraído por los proyectos de la Velvet Underground y los diversos personajes de la factoría de Warhol en New York, mas si le añadimos su querencia por la música beatleniana, principales forjadores sesenteros de vanguardia y sofisticación musical (basta con escuchar el "Revolver" o su "Sgt. Pepper"); asi el estro de Bowie no tiene pierde, se inspira, se reinventa y consibe con brillantez y encanto sus ideas art-rock bajo un atractivo y sugerente fondo glam. Esto personificando esta vez a un extraterrestre bisexual y bohemio amante del rock y de los placeres sexuales.

Fascinantes pasajes como el apocalíptico "Five Years" que anuncia en su angustiado clamado un trágico destino que le depara a la tierra. "Soul Love" es un delicioso corte de exótica atmósfera y sugerentes sonidos. Saxos, guitarras, arreglos corales y animada percusión en un meritorio corte.

"Moonage Daydream" pone en manifiesto la llegada de nuestro personaje, y conecta con "Starman", uno de los mejores cortes del disco. Su prodigiosa construcción melódica, iluminada, resplandeciente y su envolvente atmósfera sonora acentuada con fondo de violines llegan subliminalmente a nuestros oidos en un hermoso corte de esperanza e inocente ilusión.

Travestismo como respuesta a la necesidad de reconocimiento y notoriedad en "Lady Stardust", intenso corte glam que se complementa con "Star", pieza que manifiesta el ansia de Ziggy de convertirse en estrella de rock.


El eterno clásico "Ziggy Stardust", un soberbio corte de nostálgia y melancolía. Cuenta con intensas y memorables guitarras en su parte del estribillo que enaltenecen este gran trabajo. Tras la ruptura de esta fantasiosa banda y en su máximo apogeo, la aguerrida "Suffragette City" narra la desenfadaa y desvergonzada vida a la que sucumbe nuestro Ziggy, epitomizando con fiereza el aireado (y codiciado por muchos) estilo de vida de perdición: sex, drugs & rock'n'roll


Este soberbio trabajo, al cual hay que destacar la esplendida participación del Mick Ronson en la guitarra; cculmina con la balada "Rock 'N' Roll Suicide", meritorio corte excomulgante que pone punto final a este magistral trabajo; que sería el comienzo de una rica y fascinante aventura por Bowie en los divergentes y vertiginosos años setenta.

PINK FLOYD - THE DARK SIDE OF THE MOON 1973

Luego de la salida de Barret de la banda, el miembro que brindaba la experimentación más arriesgada de su sonido, Pink Floyd sucumbió a una suerte de experimentaciones arriesgadas y complejas prosiguiendo su apuesta prog-art.rock post-psicodelica.

Muchos de estos trabajos realmente presentaban meritorios y memorables pasajes ricos en atmósferas sónicas envolventes y fasciantes aventuras sensoriales como "Ummagumma" y Meddle"; más sería con este su enfoque al lado oscuro de la luna que les otorgaría una nueva dirección refrescante y necesaría, que los limpie en cierta medida de sus fastuosas pretensiones y los retrotraiga a construcciones melódicas básicas y elementales; y de ahí emprender una construcción sonora de acentuada y sólida intensidad.

La deseperación, la codicia, la frustración, la inmundicia, la locura, tantos aspectos diversos del ser humano, transtornado por las situaciones a las que se ve expuesto y sometido en su experiencia mundana; este disco presenta atmosféricos cortes de fascinantes pasajes instrumentales revestidos con su sofisticada conjuración conceptual. Tiene cierto aire a algunos cortes y al lado b del "Abbey Road".

"Breathe" nos comienza a introducir al estilo del disco, calmado y sofisticado, de sugerente sonido. "Time" manifiesta el siempre exiguo tiempo y como lo desperdiciamos en vanalidades mundanas, esto en un acertado fondo calmado que contrasta con la variante factura vocal que va entre indignación y resignación. "The Great Gig in the Sky" presenta hermosas notas de piano ofertadas por Wright, afligido y angustiado tema sobre la inevitable muerte.

"Money" es lo mejor del disco y uno de los mejores y más característicos de la banda. Extenso tema de acertado bajo; su postura retoma un blues-rock sofisticado que encaja soberbiamente en este trabajo y su parte lírica apunta a la ambición y la codicia como consecuencia a la obsesión del dinero en un mundo consumista en manifiesto.

"Us and Them" es un meritorio pasaje atmosférico de suave y relajado sonido que se intensifica en su estribillo. Posée un memorable solo de saxofón en su parte final decorado con celestiales arreglos corales e intensidad sónico en el fondo.

"Brain Damage" es una hermosa balada que hace referencia al delicado estado mental de Barret, con ese fantasioso y sentido fondo musical enaltecido por gloriosos fondos corales, risas bufonescas, agudas notas de guitarra eléctrica; es uno de los cortes más tristes cuyos textos muestran cierta desesperanza y resignación ante la perdida mental de un ser querido, en una especie de rendición superficial por parte de uno. De muy triste trasfondo.

"Eclipse" consolida el sonido del disco en un breve e intenso pasaje que cierra con acierto este rotundo trabajo, simpel y directo, lo mejor que pudo sacar la banda en su era post-Barret.

APHRODITE'S CHILD - 666 [THE APOCALYPSE OF JOHN, 13/18] 1972

Otro épico trabajo de incios de los setenta. La banda griega profundiza su querencia progresiva y experimental y ofrece este deslumbrante trabajo de enfoque mucho más artístico que comercial. Fastuoso y ambicioso, un pretencioso trabajo que, inspirados en los complejos e intrincados pasajes bíblicos del apocalipsis, elabora complejas y sofisticadas piezas que aunan su folklore griego en exóticos instrumentos étnicos con memorables arreglos melódicos e instrumentales.

Su variado rango musical ofrece tanto memorables e intensas baladas como envolventes e intrincados pasajes progresivos dotados de nutridos recursos instrumeltales y direccionados con originalidad y acierto musical, con perspectiva y necesidad de innovar, de ofrecer alternativas sonoras a un públcio siempre ansioso de novedad. Esto claro no sería tan resaltante si no consiguiera la renondez sonora y la consistencia musical y artística, algo que este fascinante trabajo logra en su grandilocuencia.

De ambigua interpretación, resulta algo insulso intertar analiar su complejo entendimiento y represetación del pasaje bíblico; mas resutla totalmente fascinante envolverse en su exótica sonoridad y destacables melodías como en "Babylon", jubiloso corte de celebrante arreglos instrumentales creando ese animado fondo sonoro de ascendencia progresiva.

Entre lo más accesible se encuentra la extensa "The Four Horsemen", un glorioso corte cuya construcción de intensidad recuerda algo al "Lucy in The Sky With Diamond". Soberbia pieza con animado estribillo que presenta un memorable pasaje progresivo. "Hic et Nunc" es otro corte accesible de animados arreglos corales; muy estilizado en su esencia pop.

Magistrales pasajes progresivos muy bien llevados y sostenidos, hermosos arreglos y exquisitos sonidos que provocar placer sónico. A destacar la acerba "The Battle Of The Locusts", la intrigante "The Marching Beast", ecos orientales y sonidos exóticos de música árabe en "The Wedding Of The Lamb"; o la hermosísma "The Seventh Seal", un presioso corte de deliciosos acordes de etnicas cuerdas griegas que endulzan y empalagan al oido que gusta de los exóticos sonidos del mundo. Sugerentes sonidos que dibujan cadenas y grilletes en "The Capture Of The Beast" e intensas piezas de atmosférica y nostálgica nube sonora en la memorable "Aegian Sea".

Tambien presenta experimentación en conseguidos cortes como "The Lamb", de sofisticado empleo de sintetizadores en un experimento sónico que coquetea con el prog-dance; muy a lo que Gang Gang Dance y otras bandas de música electrónica hacen en la actuaildad a emplear exóticos sonidos orientales. Destacable corte de disfrutable reescuchas. El otro arriesgado corte es "∞", que cuenta con la parte vocal de la actriz griega Irene Papas, en un perturbador, aunque adictivo, e intenso corte de desquiciados gemidos orgásmicos y sugerentes y sinuosos alaridos.

Pero talvez la pieza más discutida sea la extensa "All the Seats Were Occupied", un extenso corte de veinte minutos que recopila diversos pasajes expuestos ya previamente en el disco; un ambicioso corte progresivo en el que se expone brillantemente su gran talento pra sostener estensas piezas siempre nutridas y conservando el interes. Aca es donde se marca más claramente el enfoque artístico que comercial del disco, al elaborar un complejo resumen sonoro de los pasajes del disco con un trasfondo y enfoque más art-rock, que lo ajela de complacencias y salidas fáciles, a pesar de que haya a quienes no les llame mucho la atención, este corte innova por la dirección conglomerante que solidifica en solido del disco (algo similar realizado por Blososm toes en su "We Are Ever So Clean" en su corte final "Track For Speedy Freaks").

Culminamos este trabajo con la clásica balada "Break", un accesible corte que anuncia una triste despedida tras la decepción. Sentidos solos de guitarra en un conseguido y atmosférico fondo sonoro de nostálgia y desilusión. Un notable trabajo que resalta claramente como uno de los más interesantes de la época dorada del art-rock.

JETHRO TULL - AQUALUNG 1971

Épico trabajo discográfico de la banda británica liderada por el virtuoso de la flauta Ian Anderson. Soberbio en su conjunción conceptual de textos de calado morbo lírico (enfocado en desdicahdos personajes marginales y pordioseros) con acerbos recursos instrumentales en su base progresiva. Pasajes muy nutridos, envolventes e intensos, épicos; un memorable trabajo de alta sofisticación y elaborado art-rock.

Su construcción musical es muy destacable, en su opulencia sonora elaboran cortes interesantes y fascinantes, sin desperdicios y de intensidad y trato melodramático impecable.

Asi cabe resaltar el corte que da nombre al disco, y ya todo un clásico, "Aqualung", envolvente corte que no presenta a un vagabundo pedófilo al asecho se su próxima presa. Su meritoria e inspirada parte lírica consigue retratar con profundidad el atribulado entorno de este marginado personaje, ademas cuenta con un intrigante riff de guitarra y una destacable pasaje progresivo que convierten a este corte en una majestuosa pieza épica del rock progresivo.

"Cross-Eyed Mary" ya te fulmina desde sus inquietantes primeros segundos; ese grito sordo en el vacio junto con la flauta fría y sinuosa nos introducen a las aventuras de Maria la bizca, un niña postituta de manifiesta preferencia por nuestro personaje del priemr corte, Aqualung, que por sus amigos de colégio; ademas se le acuña la Robin Hood de Highgate por robar a los ricos para darselo a los pobres. Soberbio corte de tenacez y vibrantes solos de guitarra eléctrica y la inmaculada flauta de Anderson hacen de este corte un orgasmo sónico de comienzo a fin.

"Cheap Day Return" cuestiona e ironiza los buenos tratos de una enfermera sobre su enfermo padre en un hermoso e íntimo fondo acústico. Acertado corte que nos prelude "Mother Goose", un hermosísimo corte de suaves guitarras acústicas y gloriosos arreglos de flauta por Anderson que le da un ensoñador aire de nostalgia e inocencia. Fantasiosa pieza de escucha placentera y armoniosa melodía.

La memorable "Up To Me" nuevamente nos presenta a un implacable Anderson a la flauta dotando de exotísmo al estupendo fondo sonoro construido para esta pieza. Mas es en "My God" donde Ian resplandece con su estruendoso solo de flauta en un aguerrido e intenso fondo de duras guitarras eléctricas; consiguiendo asi una tensa atmósfera sonora que se enfatiza con inquietantes arreglos corales en su parte media y cuya parte lírica ataca a la iglesia y a la fe.

"Hymn 43" añade duras guitarras eléctricas en su ascendencia progresiva, que contrasta con la acútsica "Slipstream"; y prelude a uno de los mejores y más originales cortes del disco, "Locomotive Breath".

Fusionando su esencia progresiva con ásperas guitarras de tensa e intrigante construcción rítmica donde todo se junta y todo funciona barbaramente; piano, flauta y guitarras con bateria construyento ese consistente y sólido sonido de fondo cuya parte lírica presenta una conseguida analogía entre una locomotora sin frenos y la angustiante vida de su personaje que ha perdido la fe en Dios.

"Wind Up" es el corte final encargado de cerrar este despampanante trabajo. Destacable tema de partes calmadas y agitadas que narra con nostalgia desepciones y miedos religiosos de tiempos pasados de inocencia e ingenuidad infantil.

Culmina asi probablemente el mejor trabajo, por lo menos el más redondo y conciso de la banda. Majestuoso trabajo que presenta un rock progresivo más accesible sin perder los intrincados y fascinantes pasajes instrumentales y atmosféricos que ofertan los diversos trabajos discográficos característicos de este género.

KING CRIMSON - IN THE COURT OF THE CRIMSON KING 1969

La verdad es que no hay mucho ya que decir sobre este soberbio trabajo. Basta con escuchar sus cinco extensos cortes para darse uno cuenta del impecable talento que sus miembros en la elaboración de interesantes y nutridas piezas de rock progresivo de basamento jazz. Con perspectiva, los King Crimson presentan un enfoque inesperado dentro de la fascinante gama de trabajos del 69.

Asi tenemos por ejemplo "21st Century Schizoid Man [Mirrors]"; una intensa aventura progresiva que despampana por su excepcional manejo del tempo y su sincronizada construcción musical que derrocha ostentosas trompetas, incisivos solos de guitarras, perturbadas baterias, recursos fijos mas renovandose constantemente en su intrépido sonido; un caótico climax sónico de siete minutos se exhibe en este corte que destaca de entre lo mejor del rock progresivo.

La penetrante flauta que da inicio a "I Talk To The Wind" evoca una perturbadora mezcla entre placer, nostálgia y miedo. Parece penetrar la mente y el alma despojandonos de nuestra intimidad y quedando frágiles e indefensos ante su hipnotisante y sereno clamo al viento, del cual se extiende una eterna espera por respuesta alguna. Posee hermosos pasajes de flauta dulce y su sinuosa calma fascinará a cualquiera que se deje llevar por los seis minutos de este corte.

"Epitaph [March For No Reason_Tomorrow And Tomorrow]" es uno de los cortes más intensos que creo he escuchado en toda mi vida. Su angustia existencial por el incierto mañana se captura en su envolvente fondo musical de acentuadas y densas atmósferas que sirven de fondo para el afligido y temeroso protagonista que no encuentra mas que confusiones y desconciertos en su turbada mente. Dura cerca de nueve minutos mas no se sienten pesados ni tediosos. Mas bien invita a vivir el desasosiego con intensidad y pasión.

"Moonchild [The Dream_The Illusion]" se puede decir que es el corte ambivalente del disco; comenzando el segundo minuto surge un extenso pasaje experimental de sutiles y taciturnos sonidos a quienes seguramente les fascina por su ascendencia al jazz improvisado. Otros, como en mi caso, consideran que talvez no debió ser tan extensa, o talvez más interesante. En fin siempre será bien resivida y destacada la experimentación y la osadía en la música; su vasto reconocimiento por prestigiosos expertos en rock lo deja en claro.

Tan majestuoso trabajo culmina célebremente con "The Court Of The Crimson King [The Return Of The Fire Witch_The Dance Of The Puppets]". un extenso e intrincado corte compuesto por varias partes que extiende el sonido y la intensidad de "Epitaph", asentandose más en un fondo oscuro y casi fúnebre. Sentenciar un fatídico final en su texto lleno de rica imaginería lírica.

La erdad sólo basta con escucharlo para poder entender su grandilocuencia y majestuisidad. Solo hay que dejarse llevar por su encanto sonoro, su exaltación y su desasosiego existencial.

CRAZY HORSE - CRAZY HORSE 1971

Destacado trabajo homónimo de la banda americana. Enraizados en su querencia por el folk-rock, el blues y el country; los Crazy Horse elaboran sofisticados cortes ricos en espontaneidad y alma campirana. Comienzan con "Gone Dead Train", el mejor corte del disco de irresistible sección rítmica y estupenda construcción vocal. Su base blues queda bien construida y solidamente revestida por guitarras y arreglos vocales.

"Dance Dance Dance" es otro estupendo corte country-folk; vespertina, risueña, inocentona, un simple y fascinante corte que ilumina el sonido de este trabajo. "Look at All the Things" con nublado estribillo vocal; es una memorable balada de hermoso piano en la intro. El acertado estilo nasal le da un enfoque más intimista y acongojado.

Blues en "Beggar's Day", memorable corte de avido rítmo acentuado por vigorosas guitarras y un consistente muro vocal. La triste ""I Don't Want to Talk About It" es una hermosa balada de desdicha amorosa

Otro de los mejores cortes del disco es la irrresistible pieza de blues-rock "Dirty, Dirty". Su envolvente atmósfera rítmica resulta bastante atractiva, invita a corearla, bailarla, mover la cabeza, los pies, todo al compas de su pegajoso ritmo. Sorprende por su formulación simple mas posée un muy bien llevada construcción musical. Nostálgia y melancolía en "I'll Get By", otro de los mejores cortes del disco cantada en coro vocal.

Nostalgia y desamor en "Carolay" es estimable intensidad musical y melódica. "Crow Jane Lady" culmina este soberbio trabajo con su animado ritmo entre country-folk. Culmina asi este fascinante trabajo de trasfondo simple, directo y conciso cuyo conseguido sonido crece en posteriores reescuchas hasta cimentarse fijamente en el oyente. Estamos en los setenta ya sin embargo parece aun haber espacio para aislados trabajos que recojan lo mejor del sonido folk y blues-rock sesentero.

THE STOOGES - FUN HOUSE 1970

Catársica descarga de rock garagero; áspero, sucio, mordaz y directo. Encontramos a unos Stooges despojados de excentricidades y patrones, sin rodeos se plantan y elaboran siete meritorias piezas de rock garagero muy bien construidas, espontaneas, de guitarras afiladas y alaridos desquiciados, todo en algo más de treinta minutos de intensos y nervudos cortes que nos retrotraen a empujones, jalones y patadas a los cimientos del rock en su esencia blues más acerba.

"Down On The Street" comeinza el disco, un destacado tema muy bien construido que engancha ya en sus primeros segundos. Furiosa, cargada de rabia y desenfado. Es uno de los mejores cortes que la banda ha conjugado. Simple y directa. Seguida por la sinuosa "Loose", ofreciendo una envolvente sección rítmica que provoca tanto mover el cuerpo, la cabeza al delirio del desenfado de la guitarra eléctrica.

Luego acomete "TV Eye", sorprendente tema con un fulminante Iggy en la parte vocal y una astuta atmósfera rítmica; impetuosa, revoltosa, posée un orgásmico pasajeen su parte media y pastosas nubes sonoras de guitarras.

Vuelve un poco de calma con blues en "Dirt", extenso corte de siete minutos, pieza de estimable sección rítmica y notable intensidad mas resulta muy extensa.

"1970" es ya un clásico del rock. Nervuda, perturbadora, psicótica, un soberbio corte proto-punk que se adereza con el aullante solo de saxo en su parte final. "Fun House" le da nombre al disco, es una pieza de rock espontanea e improvisada que comienza con un solo de saxo y exhibe a un Iggy exponiendo su talento para sostener una pieza con sus amplios recursos vocales; alaridos, gritos, exasperacion, todo tras un intenso fondo de mordacez guitarras, bajo y bateria. Realmente hace honor a su portada pues transmite un intenso fervor que solo escucharla ya hace sudar.

El corte final "L.A. Blues" es un total desastre sónico. Parece cruzar el noise de los Velvet con la desbaratante puesta en escena de los Who sesenteros. Mas sólo en este trabajo esto resulta tan acorde e idoneo en su parte final que se presenta como una pieza totalmente acertada en su incandescencia sonora, embriaguez sónica y su fogoso climax resonante. Un imprescindible para cualquier amante del rock.

THE WHO - TOMMY 1969

Descomunal trabajo, probablemente el más ambicioso de la banda y el más representativo. Fundamental trabajo que permite comprender la evolución en el sonido de la banda que comenzaba a mediados de los sesenta como un rock de ascendencia blue energético y rebelde, abanderados del mod. Luego llegaría la psicodelia y el baroque a los cuales no les serían indiferentes y que se puede escuchar en su memorable "Sell Out".

Ahora a puertas de culminar los sesenta, y ante el impresionante movimiento musical que se estaba viviendo por esos años, los Who se enfocan el el rock más construido, no tan espontaneo ni inmedianto, piezas sofisticadas, algo extensas, más interesantes. Asi los Who realizan un disco conceptual de corte opera-rock; osado e intrincado. Narra la historia de Tommy, un niño que tras presenciar un impactante hecho de asesinato queda ciego, sordo y mudo, lo cual le revela un mundo interno que va de la par con los fallidos intentos de sus padres por que vuelva a recobrar sus sentidos. Tras ser objeto de abusos físicos por sus familiares, en un acto de frustración la madre de Tommy rompe el espejo en el cual el se encontraba observando, lo cual provoca su repentina recuperación; volviendose luego en un gurú de la autosuperación y espiritualidad. Fantasiosa y muy bien llevada en sus envolventes pasajes sonoros.

El trabajo comienza acertadamente con "Overture", una necesaria pieza que nos permíte introducirnos al sonido y a la atmósfera sónica del trabajo, algo extensa mas muy destacable recurso. "It's A Boy" pone en manifiesto el nacimiento de Tommy. "1921" narra el trauma psicológico al que se ve sometido nuestro personaje al ser obligado a no decir nada sobre el asesianto del amante de su madre por parte de su padre. Melodiosa pieza de escondido y triste trasfondo.

La triste "Christmas" exhibe la alienación de Tommy al no poder conocer ni disfrutar de la Navidad como lo hacen otros niños en su inocencia y alegría. Muestra su angustia en desesperados e inútiles "...Tommy, can you hear me?". Muy buen corte de interesante construcción y de bastante atractivo sonoro.

"Cousin Kevin" narra los abusos físicos a los que Tommy se ve sometido en su estado de discapacidad. "The Acid Queen" narra el comienzo sexual de Tommy; presenta a la reina Acida (en alución a las drogas), una prostituta que se vende como el remedio que nuestro protagonista necesita para poder curarse de su discapacidad. Intenso corte de conseguido y sentido trasfondo.

El abuso sexual por su tio Enrie es narrado en "Do You Think It's Alright?" y en la pèrturbadora "Fiddle About", de incisivos coros que nos retrotrae al sonido del "Sell Out".

"Pinball Wizard" ya a estas alturas es todo un clásico. Su característica sección rítmica optimista, sus acordes alegres de guitarra y sus drámatica orientación heróica sonora queda bien complementada con la parte lírica que narra como nuestro protagonista se convierte en un campeón del pinball. Esto apesar de todas sus discapacidades.

De aqui en adelante ya se enfoca en la recuperación de Tommy en "Smash the Mirror" y "Sensation". Seguido por meritorios cortes que van narrando como este ahora gurú de la espiritualidad. Conciso, redondo, su sonido resulta muy bien tratado y bien llevado procurando evitar la sobreproducción y el exceso, algo muy fácil en lo que otros trabajos de la época caen al poseer exiguos recursos musicales o al carecer de ideas. Este notablemente huye de esto y se consolida como una brillante obra maestra de fines de los sesenta..

DAVID BOWIE - HUNKY DORY 1971

Muy meritorio trabajo de un Bowie muy inspirado. ya en su previo trabajo se veía la orientación musical de este fascinante artista; mas sería con éste con el que conseguiría la redondez sonora y ademas se percibe cierta satisfacción musical en su enfoque pop que siempre me trae a la mente el "Rubber Soul". Creo que se puede trazar una linea entre estos dos disco, encontrando entre estos una infinidad de discos de baroque y psicodelia, arreglos orquestales y corales, pasajes exóticos y minimalistas; todo esto para que el folk-pop vuelva nuevamente a su base más instantanea con este soberbio trabajo. "Hunky Dory" es ambicioso, mas se cuida de no sonar sobreproducido. Bowie sabe y acierta en no extender la linea pop que se venia desarrollando a finales de los sesenta, comprende que estos son los setenta, y hay una necesidad de cambio, de tomar nuevas direcciónes absorbiendo todo este inmaculado bagage. Comprende que se requiere un nuevo punto de partida, más atrevido, osado. Un nuevo "Rubber Soul".

Talvez sea algo insulso darle tremendo calificativo, mas la gran influencia que deja no solo este trabajo sino toda la repercusión que generó este personaje en el rock lo hacen destacarse y merecer un puesto de honor en la historia del rock.

Para comenzar tenemos ese gran clásico himno de todo artista; "Changes" manifiesta la angustiosa necesidad de cambiar, evolucionar, voltear la cara y atreverse a explorar nuevos terrenos. Su fondo sonoro entre jocoso y travieso complementa muy bien esta idea de osadía ante la vida.

"Eight Line Poem" cumple su cometido, mas tambien presenta un enternecedor y envolvente fondo musical, sinuoso, simple, sentido, Bowie solo con su piano y su voz y sutiles acordes de guitarra. Dicen que poco es mucho, esta peiza cumple muy bien este dicho

"Life On Mars?" es uno de los mejores cortes del disco; su soberbio trato dramático que conecta los versos y el estribillo resulta épico. un intenso fondo sonoro y sentida factura vocal, todo guiado con esas memorables notas de piano a lo largod e la canción. Es angustiosa, mas que "Changes", pero aca lo manfiesta en trivialidades como si hay vida en Marte, quién piensa esto? Simplemente deslumbrante.

"Kooks" es una deliciosas pieza más calmada y angelical, con breve y meritorio solo de cuerno francés. Esta muy bien construida en sus diversos recursos instrumentales que emplea para la elaboración de su fondo sonoro. "Quicksand" es otro soberbio corte de angustia y desesperación; esta vez es la angustia existencial la que acosa y perturba a su hacedor. Parece poesia siendo recitada con ese memorable y sentido "...I'm sinking in the quicksand of my thought and I ain't got the power anymore..." Un hombre conciente de su valor y poder, mas ha perdido totalmente la dirección y razón de todo lo que lo rodea.

"Fill You Heart" es un corte pop-cabaret digerible que conecta con "Andy Warhol", compleja como el mismo artista, de estilo de guitarra acustica español y exótico encanto sonoro. "Song For Bob Dylan" es un meritorio corte glam qseguido por la animada "Queen Bitch", otro corte glam mas este último más enérgico.

Culmina con "The Bewlay Brothers", extenso corte de cinco minutos. Su trato atmosférico recuerda en algo a "Odessa", pudo haber sido más corta. No esta mal como corte final, sólo que no me convence, no sé por qué. Talvez porque presenta espacios muy pausados que no ayudan a acentuar el dramatismo que pretende su estribillo.

En fin un rotundo trabajo artístico, necesario e imprescindilbe.

LOVE - FOREVER CHANGES 1967

Soberbio trabajo que auna psicodélica, baroque, folk, pop, blues-rock y pasajes exóticos con inmaculada fluidez sonora. Uno de los más conseguidos trabajos que nos dejaría el 67. Arthur Lee lo elaboró teniendo rondandole en la cabeza la idea de su pronta muerte, se inspira en esto y compone admirables piezas tanto en la parte lírica como instrumental.

Comienza con la sofisticada "Alone Again Or", un soberbio corte de aire español en las cuerdas, oscuro, presenta ese memorable solo de trompeta en su parte media y esa entre angustiosa y algo optimista atmósfera enaltecida por las trompetas muy al estilo mariachi. "A House Is Not A Motel" es otro soberbio corte, blues-rock de fulminante solo de guitarra electrica en la parte final que crítica en su parte lírica la violencia social.

El disco presenta tambien dos hermosas baladas; una por parte de Lee, "Andmoreagain" bellísimo corte ornamentado con un celestial arreglo de violines que permite realzar la naturaleza modesta de la parte lírica, que manifiesta la futilidad material ante el deseo de amar. Sus ultimos segundo de rimbombantes violines relucen esta majestuosa pieza. Maclean ofrece tambien "Dear Old Man", un inmaculado corte acústico complementado con hermoso arreglos de violines, y de lírica nostálgica y ensoñadora, juega con la inocencia y los buenos recuerdos.

"The Daily Planet" es fresca, divertida en su construcción rítmica que contrasta con su enfoque lírico pesimista que terminando sonando sarcástica. Ademas presenta interesantes constrastes y una construcción musical muy sofisticada.

"The Red Telephone" el es clímax del disco. La piece d-oeuvre, es perfecta, un corte que deja boquiabierto por su sorprendente trato atmosférico. comienza como una convencional pieza folk-pop que se va volviendo algo afligida y perturbada tras la intromisiñon de intensas secciones de fondos violinistas que penetran en la mente. Imposible no afligirse con ese ...sometimes my life is so eerie... Su parte lírica que nos remite a los tiempos de la guerra fría resulta eficiente en su parte final de envolvente atmósfera que acelera ligeramente la velocidad tras ese clamante ...we're all normal and we want our freedom... Escalofriante corte si se consigue concebir su enfoque desventurado y oprimido.

"Live and Let Live" es otro de los mejores cortes que he escuchado. Comienza nuevamente como una inocente pieza folk-pop, nuevamente sarcástica mas presenta un sentido e intenso clamado por la paz y la no-violencia. El fulminante solo de guitarra eléctrica registra la rabia, el corage y la impotencia de la eventualidad de la vida. La manera en la que la primera parte, mas calmada y relajada, conecta con este segunda parte totalmente nervuda es de lo más original que he escuchado pues resulta totalmente fluida y acertada. Una estupenda ejecución y construcción musical.

"Maybe the People Would Be the Times or Between Clark and Hilldale" es un muy estimable corte de ávida velocidad, y la calmada y apacible The Good Humor Man He Sees Everything Like This" sorprende con su final que parece emular que se esta rayando el disco.

El único corte que no encuentro es "Bummer in the Summer"; y es que no entiendo que hace aca. Por el estilo vocal, pare un Lee tratando que imitar a Hendrix; tiene un aire más folk-country campirano que, bueno esta es mi opinión, desentona con el resto del trabajo. Con guitarras más duras y un poco más rápida quedaba perfecta para Hendrix.

"You Set the Scene" es la pieza final de este majestuoso trabajo. Es una muy buena idea como final apoteósico que registra su perturbación por la idea que le venia rondando en la cabeza por esos días de que su muerte estaba próxima. Parece el epitafio de su tumba. Pudo haber sido más corta, mas resulta totalmente efectivo este final agri-dulce, que manifiesta su resignación al tiempo y lugar en el que le toca vivir, y acepta vivir el día a día siempre con una sonrisa.

Deslumbrante trabajo.

BUFFALO SPRINGFIELD - BUFFALO SPRINGFIELD AGAIN 1967

Una gran sorpresa fue escuchar este segundo trabajo de la banda americana. Tras un trabajo que se enfocaba en el country-folk y en el blues; en sí en las raices del rock; se ilumnian y elaboran este ambicioso y complejo trabajo muy influenciado pro el "Sgt. Pepper", mas sin perder el hilo de su sonido. Dicho esto, en la práctica resulta un cambio o enfoque moderado, pero el resultado es un sorprendente trabajo de diversos matices y de respetable variedad sonora.

Presenta dos cortes ya clásicos en la historia del rock; Young nos ofrece la estupenda "Mr. Soul" (cuyo riff deriva del "Satisfaction" de los Stones). Muy destacable pieza rock que junto con "Bluebird" de Stills, que presenta un meritorio pasaje final de bajo) muestras su acertada formulación de cortes de rock convencional, de aroma a clásico, y siempre bien construidas, robustas, concisas. basta con escuchar los destacables solo de guitarra que se ofrecen en estos cortes.

"A Child's Claim to Fame" es un refrescante corte country-folk muy meritorio, con placenteros acordesd eguitarra acustica y cálida factura vocal, posee un encanto campirano instantaneo y una espontaneidad melódica que parece llevarte a recostarte en el verde pasto de un paisaje matutino. Complementa explendidamente con "Everydays" cuya sinuosidad sonora y sutileza jazz-cabaret resulta un deleite para los oidos. Elegante y sofisticada; un sifnigicativo viraje en el enfoque del sonido que presentaban en su previo trabajo.

"Expecting to Fly" es una pieza totalmente inesperada, empleando un fondo de estilo baroque y una muy cuidada melodía vocal, Young consigue conjurar una melancólica y sentida pieza de fascinante trasfondo, realmente da ganas de escucharla una y otra vez y envolverse en esa sonoridad nebulosa. Para contrastar un Furay de voz apenada y melancólica nos regala la hermosísima "Sad Memory", un corte acústico de muy sutiles arreglos de fondo, lo cual contribuye considerablemente a que esta pieza no se aisle del resto del trabajo.

"Hung Upside Down" es otro corte muy estimable por parte de Stephen Stills, de ascendencia blues y con un meritorio solo de guitarra, la pieza se acentua muy bien en su atmósfera sónica.

Las disfrutables "Good Time Boy" y "Rock & Roll Woman" complementan el trabajo que culmina con una arriesgada "Broken Arrow", extensa pieza que pareciera buscar el "Day In A Life" del "Sgt. Pepper". Posee un meritorio encanto que le deparía una acerto final al disco; mas sus extensos seis minutos resultan innecesarios. Aun asi el producto final de este majestuoso trabajo resulta un placer para los oidos y un gran salto en la evolución del sonido de esta ivaluable banda que se adapta con acierto y sin perder su enfoque a las ambiciones y fastuosidades del 67.

THE PRETTY THINGS - S.F. SORROW 1968

Muy interesante trabajo de los Pretty Things, este S.F. Sorrow resulta bastante envolvente en su concepto opera rock (uno de los primeros en la historia del rock). A descatar el trato que le da a la parte lírica, muy bien construida y de sofisticada elaboración; pero tambien resaltan los acertados pasajes y fondos instrumentales que plantean el perfecto escenario en el que llevan a cabo las dichas y disfortunios de la alternada vida de Sorrow.

El corte que da inicio es un muy buen comienzo. "S.F. Sorrow Is Born" presenta trompetas, chasguidos de guitarras de cierto aire bélico, y un atmosférico pasaje instrumental en la parte media. Señores S.F. Sorrow ha nacido y hay que festejarlo en este ávido corte.

"Bracelets of Fingers" expone añoranzas infantiles y nostálgia en un exótico fondo musical, con breve y meritorio pasaje instrumental en la parte media de aire oriental.

Uno de los cortes más originales es la gloriosa "Private Sorrow", ya con nuestro protagonista enlistandose en las fuerzas armadas. Posee una construcción rítmica soberbia y adictiva en un fondo de marchante percusión y mesmerizantes acordes de guitarra. Muy astuta pieza.

La angustiante "Balloon Burning" conecta con "Death", uno corte que narra e momento de la muetre de su amada. Fondo sonoro perturbador y lastimoso.

Psicodelia en "Baron Saturday", el momento de locura del acongojado Sorrow, de cierto aire beatleniano. Percusión exótica en tribales. "I See You" parace retomar el juicio de nuestro protagonista tras la perturbación y la incoherencia mental. Intensa pieza de incisivos solo de guitarra y de pastosa nube sonora de fondo.

La parte final muestra un no muy feliz final para Sorrow, "Trust" cuenta asi su angustia y resignación por no encontrar a nadie en el mundo en quien confiar. Memorable melodía en angelicales fondos sonoros acentados con arreglos corales. "Old Man Going", más acerba y aguerrida, prelude a "The Loneliest Person In The World", corte desesperanzado y de resignación. Triste y sentido final de este soberbio trabajo, uno de los primeros en su estilo que lleva al rock un paso mas adelante, y ejemplifica con coherencia y redondez sonora y eficiencia lírica com hacer un disco conceptual.

PINK FLOYD - THE PIPER AT THE GATES OF DAWN 1967

Magistral disco debut de la banda inglesa. Todo un viaje psicodélico fantasioso rico en imaginación y originalidad. Pink Floyd a la cabeza de Syd Barret, no se remite a conjurar envolventes y fascinantes cortes atmosféricos, se percibe ademas una necesidad de transgredir los límites de la música, de lo que esta bien o se considera aceptable. Su soniudo escapa del ambiente comercial y recae en un remolino de experimentación y arriesgadas posturas que lo presentan como uno de los más influyentes del art-rock. Más arte que música, mas siempre equilibrada y bien trabajada pues sólo asi puede ser valorada. Experimentación lamentablemente en estos tiempos se ha venido adoptando (y sobrevalorando) la idea de cualquier desorden sonoro sin dirección ni trasfondo ni encanto ni originalidad. Eso escapa totalmente de Pink Floy (por lo menos en lo que a este trabajo le concierne).

Sorprenden con "Astrónomy Domine", psicodélica con space-rock (ya algo se veia en "5D"); mas su enfoque va más alla, esta vez realmente narra una aventura espacial llena de recursos sonoros, acertados efectos que permiten construir escenarios intrigantes, atmósferas sinuosas. Una pieza de poco más de cuatro minutos de la cual cómodamente se peude elaborar todo un disco, tan solo partiendo de este corte.

Otro de los mejores cortes es "Pow R. Toc H.", una soberbia pieza de rock psicótico, incisiva, parece penetrar en el cerebro. Sin parte líricA, solo se escuchan perturbadores ruidos animalescos que dibujan un escenario oscuro, pantanoso, funesto. Seguido por un tétrico trato atmosférico que llega a su climax tras esas mordaces y acerbas notas de guitarra eléctrica cual sierras sucias atravezando nuestra mente. Inmaculados.

"Flaming" me atreveria a decir es uno de los corts más memorables de la psicodelia en general. Fascinante melodía, un sutil trato atmosférico no muy marcado mas si bien nutrido que hace contrastar notoriamente con la sinuosa demencia de la parte lírica. Hay que escucharla para dejarse envolver en su sutil e hilarante encanto.

Posee ademas muy disfrutables y astutas piezas como "Lucifer Sam", "The Gnome" y "Matilda Mother" con solo en su parte media de cierto evoque oriental. Originales piezas como "Chapter 24" de notórica parte lírica, y la fantasiosa "The Scarecrow", la historia de un triste espantapájaros.

Lo más arriesgado se presenta en su gran clásico "Interstellar Overdrive", atmosférico corte de jamming e improvisación sonora. De estilo libre. Buscando la conjuración de atmósferas bien matizadas y de paredes sonoras biene stucadas. Notable precursos del progresivo. "Take up Thy Stethoscope and Walk", algo insoportable en sus primeros segundos, disfrutable en general.

"The Bike" es el últmo corte del disco. Envolvente corte más en mi opinión no necesario, pues ya el trabajo culminaba muy bien con "Scarecrow", o hubieran pasado "Interestelar Overdrive" al final. Pero en fin el trabajo deslumbra por su inmaculada luz que iluminaría considerablemente a un número de bandas y artistas que encontrarían en la experimentación, la expansión sonora y el art-rock la plataforma sobre la cual desarrollar y presentar sus propuestas, posturas. Una gran contribución al Rock.

THE BEATLES - MAGICAL MYSTERY TOUR 1967

Considerablemente más conciso y redondo que el "Sgt. Pepper", este trabajo que salió en el mismo año que su antecesor presenta un enfoque más nutrido y de mayor concisntencia. Probablemente el último trabajo de sonido beatleniano ya que despue vendría la disolución "tácita" de sus cuatro miembros.

Psicodelia, pop, rock, los Beatles ofrecen un destacado trabajo que aborda tanto su muy característico estilo de piezas pop-rock bien cuidadas como experimentaciones muy meritorias que destacan de entre lo mejor de su catálogo. Basta con escuchar la ostentosa "I Am The Walrus" uno aun se da cuenta de que esta banda aun tendría bastante que ofrecer luego de su "Sgt. Pepper". Arriesgada psicodelia en "Blue Jay Way", envolvente corte muy a lo "Revolver", distorciones y exotismo.

Tambien presenta memorables piezas pop ofertadas por McCartney. "Your Mother Should Know" y "Hello Goodbye", esta última de simple y adictiva melodia. Más complejidad en "The Fool On The Hill" con memorable solo de flauta; y la instrumental "Flying", un meritorio y gusto corte que posee cierta intensidad. A destacar ademas la nostálgica "Strawberry Fields Forever" fascina por su intrincado fondo psicodélico, y la simpática "Penny Lane", dos cortes que originalmente estaban destiandos a su disco anterior.

Cierra el disco "All You Need Is Love", pomposo corte muy meritorio de casi cuatro minutos, presenta factural vocal y melódica del "Revolver" y resulta un acerto punto final de este sobérbio trabajo opacado por el "sgt. Pepper", bueno qué disco no queda opacado por este último.

THE BEE GEES - ODESSA 1969

Tamaño trabajo, pretencioso y opulento. Los Bee Gees previos a su fiebre discotequera presentan un fenomenal trabajo de alto cuidado melódico y sensibilidad, influenciado marcadamente por el "Pet Sounds" y posteriores; resulta un descomunal y envolvente viaje por hermosos arreglos corales, fastuosos fondos sonoros y derrochante en majestuisidad sonora.

El bellísimo corte que da inicio de por si ya habla muy bien de este gran trabajo; "Odessa (City On The Black Sea" es un soberbio corte. Arreglos corales celestiales, guitarras acusticas, melodiosas voces, un hermoso fondo de violines y sugerentes arreglos.... que más se puede pedir.

Le sigue "You'll Never See My Face Again", otro hermoso corte de melodia muy bien tratada. Saben medirse, cualidad que permtite que este disco no suene sobreproducido ni demasiado pesado. Emana cierta magia en su encantadora y melancólica atmósfera sonora.

"Black Diamond" es una pieza de mayor construcción, sofisticada, muy destacable. Contrasta con la simpleza de "Marley Put Drive" (con cierta reminicencia a "The Weight"), posee un gustoso arreglo de cuerdas. "Edison" recae en un trasfondo vocal coral consistente sobre un fondo musical más limpio que eventualmente propicia vigorosidad. Muy a lo "Pet Sounds".

Majestuosas piezas de alto calibre que dejan boquiabierto por su inmaculada inspiración y ejecución. Melosidad y placer sónico en "Never Say Never Again", "Melody Fair", "Suddenly". A destacar "Lamplight", uno de los corte más preciosos del disco; la nostálgica y herida factura vocal resulta acertada en esta sollozante pieza; y "First Of May", otra asombrosa pieza de subliminal conjuración melódica (con cierto aire a Simon & Garfunkel.

Cortes algo arriesgados como el aire country de "Give Your Best" no desentonan, pero pudiera haber sido más corto.

Gloriosas piezas instrumentales de fondo de violines, coliridos tintineos y piano en "With All Nations (International Anthem", "Seven Seas Symphony" y "The British Opera" completan este rimbombante trabajo que comodamente se acomoda dentro de los mejores trabajos baroque de los 60s.

THE HOLLIES - BUTTERFLY 1967

Memorable trabajo de unos inspirados Hollies que, tras la salida del "Revovler", "Pet Sounds" y el "Sgt. Pepper", consiguen influenciarse en su ambicion y pretención sonora y elaboran majetuosas piezas de entre lo mejor de la psicodelia y el baroque.

Si ya en "For Certain Because" mostraban su impecable talento en la elaboración de cortes concisos, bien nutridos y con perspectiva, en este "Butterfly" consolidan su sofisticado sonido y su alta sensibilidad melódica. Basta con escuchar el corte que da inicio al disco "Dear Eloise", una hermosa pieza de destacable intro empleando un acertado efecto de distorción, permite apreciar cómo su esilo pop convensional puede ser elevado con sutiles arreglos. "Away Away Away" es otro soberbio corte que destaca con ese colorido solo de flauta en la parte inicial. Pomposa e inquieta, ejemplifica con acierto la avidez melódica y el muy buen cuidado trato que la banda oferta.

Por otr lado, el disco ofrece piezas arriesgadas de exótica psicodelia en pasajes delirantes, apacibles y oníricos. A destacar entonces la mesmerizante "Maker", con incensantes sitares en una evolvente atmósfera de aroma oriental. "Pegasus" es otro memorable corte, algo infantil para algunos, posee bellísimos y muy efectivos recursos sonoros que enaltecen a la pieza en su roce con el space; y "Try It", la más arriesgada, posee efectos no muy contundentes (bueno en estos tiempos se ve algo artificial), mas posee cierto exotismo por su percusión y su enfoque space en esa melodía no tan memorable pero sí efectiva, talvez hubiera estado mejor como corte final.

El resto del disco se defiende por si solo por su estilo pop y baroque que la banda. A destacar "Would You Believe?" de intenso y nostálgico de violines. "Postcard", un ligero y refrescante corte de ávida melodía cuyo estribillo provoca cantarlo hasta el cansancio. "Elevated Observations?", otro interesante corte de envolvente ambiente sonoro (que como "Crusader" escapa un poco del estilo ameno de la banda); y el corte final del disco (que tambien le da el nombre) que resulta toda una joya baroque de estilo minimalista. Rotundo trabajo.

THE ZOMBIES - ODESSEY & ORACLE 1968

Soberbia conjunción de baroque y psicodelia; unos iluminados Zombies desarrollan hermosos cortes de elegancia y sofisticación, envolventes melodías y fondos sonoros ricos en sensibilidad y color. Comienza con "Care Of Cell", nostálgica pieza de enérgico estribillo. Desasosiego en añoranza del ser amado en un interesante trasfondo de inocencia y optimismo. "A Rose For Emily" es otro hermoso corte a piano y arreglos corales; mostrando así su talento en tanto fastuosas como minimalistas piezas siempre cuidando su melodía y su sensibilidad.

La tristeza de "Maybe After She's Gone", que en su ingenuo clamado conserva la esperanza que regresar con el ser amado, mientras la constante perturbación mental acosa día y noche al desafortunado enamorado. Hermosísimo corte baroque. "Brief Candles" va por ahí; mas esta vez es la desdicha por la falta de valentía y desición del ser amado para vivir su amor.

La sorprendente "Hung Up On A Dream" es uno de los mejores cortes del disco. Mezclando psicodelia y baroque con gran acierto nos permirte ciertamente suspendernos en su envolvente fondo sonoro, a destacar ese estupendo pajase en su parte media, uno de los momentos mas intensos del disco que dibuja acertadametne el estar suspendido, embebido, embriagado en un cautivante y efusivo sueño. Emana cierta magia.

Otro destacable corte es "Beechwood Park", rescatando más su estilo pop convencional, de consistente melodía vocal, un gustoso arreglos de cuerdas y ensoñadores ornamentos y acordes baroque. "This Will Be Our Year" es un simpático corte simple y de conseguida sensibilidad melódica.

La parte mas arriesgada del disco la presentan "Changes", de memorables arreglos corales, algo compleja en su inspiración y en su instrumentación por la percusión en tribal. Puede sonar algo disonante para algunos (talvez más corta hubiera estado mejor), mas resulta interesante como buscan expandir su sonido en recursos exóticos. "Butchers Tale (Western Front 1914)" es un atmosférico corte que no tiene relación en la parte lírica con el resto del disco (más parece buscar a los Hollies en "For Certain Because" o "Butterfly"); pero resulta muy estimable por su atrayente e intrigante historia y su intenso órgano en el fondo. Como corte final hubiera estado muy bien.

Talv ez sea por este corte que no veo, en mi oponión, la necesidad de añadir "Time Of The Season" una pieza meramente psicodélica que gusta mucho, pero se aleja del sonido del resto del disco. Tal vez por su enfoque más sexual que amoroso. En todo caso este disco resulta como uno de los trabajos más memorables de la época dorada de los sesenta, mezclando con buen gusto y sapiensa probablemente dos de los géneros más resaltantes de dicha época.

THE MOODY BLUES - DAYS OF FUTURE PASSED 1967

Fastuoso y opulento, todo un deslumbrante trabajo, pretencioso en su majestuosidad, los Moody Blues varíando su orientación a un pop orquestal de corte épico influenciado claramente por el "Sgt. Pepper" (aunque apunta en otra dirección) y por la psicodélia sesentera; elaboran junto con la London Festival Orchestra suntuosos cortes extensos que nos envuelven en sus fascinantes pasajes orquestales que contrastan con la variante orientación que toma el disco, mezclando tanto pasajes rock, pop, barroque, retazos de psicodelia, todo con agudo cuidado melódico dando así un contundente trabajo conciso y sólido.

Este trabajo conceptual nos conduce por sus enolventes surcos a lo largo de paisajes sonoros coloridos, cálidos, intrigantes, deleitantes. Un fascinante festín sonoro que comienza con "The Day Begins", pieza que conglomera en sus cinco minutos lo que ofrece el resto del trabajo. Algo extensa, densa en su fondo de violines. Preambulo de "Dawn: Dawn Is A Feeling", un apasionantes corte de enfoque dramático y envolvente textura sonora. A destacar los últimos 60 segundos que van como puente para el siguiente corte; la pomposa "The Morning: Another Morning", una deliciosa pieza de baroque pop de dulces flautas, hermosos arreglos corales, gloriosa melodía, una delicia par los oidos. Le sigue "Lunch Break: Peak Hour", a tempo acelerado toma algunos de los pasajes de los primeros cortes como intro para conectar con la segunda parte, una pieza rock de cierto aire surf (algo de aroma beachboyero). De intensa e irresistible sección rítmica; resulta sumamente acertada su breve intro que aumenta la velocidad como preambulo a este ávido corte. Un recurso muy bien pensado.

"The Afternoon: Forever Afternoon" retoma la calma en un apasionante corte de celestiales arreglos corales y facturas vocales. Gloriosa en su fondo instrumental, presenta esa hermosa sección en la parte final "Evening, time to get away..." y aires festivos. Muy sorbesaliente corte.

Lo más exótico resulta ser "Evening: The Sun Set: Twilight Time", un soberbio corte de querencia psicodélica, delirante por su singular percusión acompañada de violines y flautas, en esa melodia vocal oriental. Presenta una muy bien elaborada seunga parte de cascada corales. El fenomenal trabajo culmina con la apasionante "The Night: Nights In White Satin" que enaltece lo previamente visto en un majestuoso corte de siete minutos. Final apoteósico de este inmortal trabajo que extasia en su exhuberancia sonora y en su copiosidad histriónica.

THE BAND - MUSIC FROM BIG PINK 1968

Una total obra maestra de los canadienses The Band, una de las mejores bandas de todos los tiempos que sorprendieron con este imprescindible "Music From Big Pink"; un memorable trabajo que auna con agudeza y perspectiva y con un impecable buen gusto su querencia musical de orientación country-folk, y testifica con majestuosidad su talento para realizar contundentes piezas que asombran por su gran cuidado y acierto melódico.

Dan fe de eso los once corte de este disco, empezando con la gloriosa "Tears Of Rage", una hermosa balada cantada en estilo gospel-soul mostrando su versatilidad en un fondo sonoro de distintos matices de predominante empleo de organo. La bellísima intro de "In A Station" muestra su impecable cuidado en los detalles sonoros y su talento para construir atmósferas envolventes y fascinantes.

A destacar el reluciente tacto melódico conseguido en varios cortes como "Long Black Veil", una hermosa pieza de estilo country-folk matizada con iluminados recursos sonoros como el órgano y piano de fondo. "Lonesome Suzie", de envolvente fondo de órgano y sutil y acertada factura vocal. Otro inovidable corte es "The Weight", uno de los más conocidos y memorables de la banda. Sorprende por su minimalismo que contrasta con su alta emotividad y su imnortal estribillo.

Tambien presentan piezas arriesgadas como "This Wheel's On Fire" un estilizado corte enaltecido con su meritoria melodia vocal y el empleo de sugerentes notas de guitarra eléctrica; y la memorable "Chest Fever", una pieza tan rica en su diversidad que provoca admiración y placer tras sus bifurcaciones y pasajes.

Un glorioso trabajo que se perfila como uno de los más importantes y eseniales del 68 y de la década de los sesenta.

APHRODITE'S CHILD - IT'S FIVE O CLOCK 1969

Memorable trabajo de Aphrodite's Child, que tras su destacado "End Of The World" expanden su sonido de querencia pop, ornamentos barroque y experimentaciones psicodélicas sin descuidar su acertado tacto melódico. Comienza con el corte que da nombre al disco, "It's five O'clock" es un gustoso corte de envolvente atmósfera. Le sigue "Wake Up", un disfrutable corte de melodía simple y que a tomando variados matices en ese armonioso fondo sonoro. Ya se esuchan ecos de su "666".

"Take Your Time" de estilo cabaret y cierto fondo folk. Simpático corte estimable de influencia batleniana. La apasionante "Anabella", ostentosa pieza con efecto de olas de fondo; conecta con "Let Me Love, Let Me Live" muy a lo Kinks, un estimable corte en el que demuestran su talento para la construcción de pasajes con encanto e interes, sonteniendo la pieza cerca de los cinco minutos, en una melodía simple y un fondo que busca por ahi lo progresivo.

Muestran su influjo oriental al incorporar exóticos instrumentos lo cual los dota de atractivo e interes musical, además de nutrirse en recursos sonoros propios siempre con el cuidado y la sensibilidad musical característica de esta banda. Así destacan la atractiva "Hunky Mary" de exóticos bongos y platillos en percusión, muestra su esencia grieca en un animado y arriesgado corte; y la melancólica "Marie Jolie", de sonidos exóticos y de melosa melodía

"Good Time So Fine", pop más convencional muy a su "End Of The World". El disco culmina con la memorable "Such A Funny Night" con esas hermosas cuerdas y flautas, un disfrutable final de un trabajo discográfico muy meritorio que ilumniaría a sus componentes para la elaboración de su sucesor y gran obra maestra, el "666".

BLOSSOM TOES - WE ARE EVER SO CLEAN 1967

Otra deslumbrante obra psicodélica de la mejor era del pop y el rock; los sesenta, y más presisamente los gloriosos 67 y 68. Este contundente trabajo reluce su vena pop en experimentaciones psicodélicas y exóticos y arriesgados arreglos sonoros que resultan un deleite para los oidos por la conseguida aventura musical de vistosos pasajes y de imaginativas y lúcidas letras fantasiosas.

A destacar el primer corte que da inicio, la meritoria "Look At Me I'm You" que nos presenta una arriesgada construcción musical de agresivas distorciones y cierto aire space-sci-fi (me recuerda en parte a "I can see for miles" o "Armenia City In The Sky" en "Sell Out" e incluso tambien me trae a la mente a Soft Machine).

Le sigue la fantasiosa "I'll Be Late For Tea" memorable por ese efectivo fondo musical que termina envolviendote en su disparatada aventura, se aprecia la influencia beatleniana ademas de su delicado y soberbio cuidado, muy de querencia barroque, que se le da a los cortes en todo el disco. Le sigue "The Remarkable Saga Of The Frozen Dog", un singular corte muy a lo Pink Floyd con Barret al mando. Muy original y disfrutable en su mescolanza psicodélica con posturas más art-pop.

"Telegram Tuesday" contrasta por su sonido más calmado y limpio, de agradables arreglos de cuerdas y disfrutable melodía. Conecta con "Love Is", un hermoso corte de delicado trato atmosférico influenciado por el "Pet Sounds". "What's It For" posée sofisticación y opulencia en su magistral construcción rítmica pop, con violines, trompetas, sutiles tintineos y una melodía vocal ensalzada por un muy bien construido fondo instrumental.

Continua "People Of The Royal Parks", pop más convencional pero que igual recibe un fino trato melódico; la disfrutable "What On Earth" de gloriosas trompetas; "Mrs. Murphy's Budgerigar" otro memorable corte de hermoso y original solo de trompetas en su parte final que parece evocar el instantaneo encanto de una flauta dulce.

"I Will Bring You This And That" hace referencia al pop de mediados de los sesenta, pieza simple y directa. Le sigue la tenue "Mister Watchmaker", y "When The Alarm Clock Rings", otro primoroso corte de deslumbrante contrucción, resulta una deliciosa pieza que auna barroque y sunshine en unos esplendidos solos de trompetas, muy a lo Sagitarius. Un hermosísimo corte que resulta uno de los más memorables de tan majestuoso trabajo junto con "The Intrepid Balloonist's Handbook, Volume One", complementa con acierto este album por su cierto aroma sonoro parisino y su peculiar estilo narrativo.

"You" despide este sorprendente trabajo, conciso a pesar de su compleja y ambiciosa unión de elementos y recursos sonoros y sus diferentes estilos musicales que se conectan prodigiosamente conjurando un trabajo fastuoso que crece reesucha tras reescucha.

SWEETWATER - SWEETWATER 1968

Jubiloso disco debut de una destacada banda, sorprenden por su deleitosa conjuración de piezas embebidas de exótica psicodelia, cortas piezas de gustosa escucha que emanan cierta magia en sus mesmerizantes pasajes junto con la sensual voz de su vocalista Nancy Nevins. La gran creatividad de sus miebros se ve manifestada en su soberbia construcción de fondos instrumentales muy meritorios, ávidos, que nos suspende delicadamente por frondosos aires psicodélicos.

Se aprecia su gran talento desde el primer corte "Motherless Child" , uno de sus cortes más conocidos donde se disfruta de la sugerente voz de su vocalista en un lisérgico fondo sonoro. Muy destacado comienzo. Ecos de barroque en las estrofas de "Here We Go Again", un estimable corte con un estribillo muy a lo Jefferson Airplane. Le sigue por "For Pete's Sake", corte insturmental de hipnotizante flauta dulce por Albert Moore y ecos corales, preludio de "Come Take A Walk" una hermosísima balada muy barroque de dulce factura vocal en un cautivante fondo sonoro muy sutil y muy bien cuidado. Simple y contundente, sin rodeos.

"What's Wrong" es un disfrutable corte psicodelio de exótica percusión, seguida por "In A Rainbow", otro corte de memorable solo de flauta y encantador trato melódico instrumental, acertada en su creación de atmósferas relajadas y apacibles.

La sorprendente "My Crystal Spider" es uno de los cortes más memorables del disco, se enturbece un poco el ambiente con esta evocación oscura de psicodelia de alto calibre. "Rondeau" es simple, corta, pero posee un encanto en su evocación coral a tiempos medievales. Le sigue la bellísima "Two Words", dulcemente ornamentada, una célebre pieza que resalta el aire pop-psicodelico del disco.

"Through An Old Storybook" es una pieza más calamda, a lo Hollies en "Cruzader", a la voz de la parte masculina de la banda, es una hermosa pieza calmada. El disco culmina con la enérgica "Why oh Why", de estilo más rock&roll, mas sin desentonar da fin a este memorable trabajo que nos retrotrae a la época dorada el pop psicodelico, embebido de ornamentos instrumentales de inmaculada sensibilidad.

BLOOD, SWEAT & TEARS - CHILD IS FATHER TO THE MAN 1968

Qué discazo, tamaño trabajo de esencia jazz moviendose acertadamente por diversas vertientes algunas más accesibles otras más arriesgadas. Un claro iluminado del "Sgt. Pepper", mas Al Kooper dota de personalidad y autoridad al sonido del disco, fascinante en su majestuosidad y pretención. Un fino y elegante ejemplo de sofisticación y estilización musical.

Comienza con un estimable "Overture" donde se resume en cascadas de violines lo que el disco tiene para presentar, esto en un fondo de risa bufonesca que nos remite a las opulentas fiestas de la nobleza en los siglos XV o XVI; introduce, por muchos, la mejor pieza de este trabajo, " I Love You More Than You Ever Know" me atrevería a decir es lo mejor que ha podido haber hecho Al Kooper vocalmente hablando. Su vena jazzista sale a flote en este fulminante y apasionado corte aderezado con sutileza hasta llegar a ese apoteósico final en el que se le va desvaneciendo la voz en su clamante "I love you....". Un temazo.

La embriagante intro de "Sunday Morning" es muy efectiva en una pieza de melodía primorosa aderesada con elementos y recursos propios del jazz mas estilizado y elegante cual pieza barroque, un deleite para los oidos. Le sigue "My Days Are Numbered", otro soberbio corte de jazz de salón. La hermosa "Without Her" es un deleite sonoro de sutiles acordes y notas con voz sinuosa y delicado cuidado melódico e instrumental.

"Just One Smile" es una pieza más accesible que ahonda en la vena más pop del disco. Intensa y elegante, con encanto, en esas intensas notas de piano y esas atmosféricas trompetas. "I Cant Quit Her", retoma la vena jazzista que sirve además como contraste para "Meagan's Gypsy Eyes", melosa pieza que desentona ligeramente con el resto del disco, más que nada por esos delicados tintineos que, en mi opinión, se presentan algo artificiales e innecesarios.

Sigue la extensa "Something Going On", que exhubera recursos del jazz-rock, trompetas, intensas secciones de solos de guitarras, muy a lo music hall, muy estimable corte de factura vocal influenciada en el frenesí a lo Little Richard o James Brown.

Los cortes finales del disco presentan lo más arriesgado del disco; la gloriosa "House in The Country" es el corte más original del disco, con una construcción melódica envidiable y un apabullante fondo de festivas trompetas, inmaculado corte con muy acertadas intromiciones de voces distorcionadas, pausas repentinas, una sección final intrincada, en fin uno de los momentos mas ávidos del disco. Le sigue la particular "The Modern Adventures Of Plato", totalmente inesperado en su construcción muy a lo "Eleanor Rigby", mas optando por la pomposidad y ostentando una pieza majestuosa de intrigante atmósfera.

Cierra el disco "So Much Love_Underture" que conglomera lo previamente dicho en una pieza ligera que da por finalizado esta despampanante aventura jazzística única.

AFTERGLOW - AFTERGLOW 1968

Una muy grata sorpresa me llevé cuando escuché este, creo yo, no muy conocido disco único homónimo de la banda Afterglow.

En primeras escuchas me resultó derivativo del "Rubber Soul" y del "Revovler", y sobre todo del "5D" de los Byrds. Sin embargo fueron las posteriores reescuchas las que me hicieron dar cuenta del gran contenido que presenta este adictivo trabajo; consiguiendose asi una redondez concisa y compacta en breves canciones de simple ejecución y fácil escucha pero de adictiva querencia pop.

Comienza con la fresca "Morning", psicodelia a lo Straberry Alarm Clock muy instantanea y directa, un estimable comienzo que conecta con uno de los cortes más impecables que he escuchado dentro del vasto espectro psicodélico; "Dream Away" es una pieza simple, sin muha sorpresa ni redondeo pero resulta sumamenta adictiva que es imposible cansarse de su escucha. Conjura una atmósfera apacible que te suspende por los aires mientras mantiene tu mente alejada de la realidad. De lo más efectivo que he visto en la psicodelia.

Sigue la destacable "Susie's Gone", algo de space con psychotic; intrigante, muy original corte sin melodía vocal que extrañamente cohesiona con el concepto y contexto menos experimental del resto del disco (muy a lo "Revolver").

Pero si de por sí "Dream Away" justifica con creces el lado A del trabajo, "Mend This Heart Of Mine" lo eleva al grado de obra maestra; qué temazo! Una balada muy a lo Byrds que mesmeriza con ese soberbio trato melódico; igual de simple que los previos cortes, posee un enigmático encanto en su simple parte lírica de desamor y en su oscura y esotérica atmosfera. De entre lo mejor que he escuchadod e los 60s.

Aún hay más, la psicodelia a flor de piel en "Afternoon", un meritorio corte muy estilizado; las risueñas "Chasing Rainbows" y "By my side" ; el minimalismo pop de "It's a Wonder" y sobre todo de "Riding Home Again", otro de los cortes más destacados y refrescantes del disco; y la memorable "Love" con ese singular solo de Farfisa.

Culmina el disco la ambiciosa "Meadowland of love", un muy estimable corte que muestra su influencia más a lo "Pet Sounds" con esos acertados arreglos corales de fondo y su encantadora melodía. El disco es realmente un orgasmo para los oidos y un imprescindible para los amantes del pop y de la psicodelia.

BLACK SABBATH - MASTER OF REALITY 1971

Soberbio trabajo este descomunal "Master of Reality", otro invaluable trabajo de entre los más reconocidos y majestuosos del Hard Rock.

Un año después de presentar su aplaudido "Paranoid", la banda opta por alejarse un poco del basamento blues-rock influenciado por Cream y Hendrix y arrementen en una interesante amalgama de acid rock, progresivo y rock de arena; siguiendo siempre su vena oscura y fatídica registrada en su respetable parte lírica y en su conjuración de ambientes nefastos y tenebrosos.

El disco comienza soberbiamente con la mordaz "Sweet leaf", con guitarras duras y pastosas, musculadas, intensos bajos y baterias, y el inconfundible Ozzy en la parte vocal. Un astuto solo de guitarra en la parte media acelera y desenfrena en la demoledora batería. Un estupendo inicio que nos introduce al nervudo sonido de este trabajo.

Le sigue la refrescante "After Forever", una ávida pieza de hard rock que presenta un muy acertado trato en las guitarras. "Embryo" hace de corto puente con probablemente la pieza más lograda, "Children of the Grave", con esa amenazante intro de bajo, y ese trato atmosférico lúgubre, resulta imposible no acongojarse con esa reflexiva parte lírica sobre la infancia y el incierto destino que les toca asumir ante tanta corrupción y conflictos bélicos.

"Orchid" aligera un poco el ambiente con risueños acordes de guitarra acustica,. Pudo haber sido más breve (o tal vez más interesante para el minuto y medio que dura). Conecta con "Lord of thi Wolrd", crítica al abuso y al poder, nuevamente guitarras duras y acidas arremente en una piezas que rescata su estilo conocido y presentado en rpevios trabajos.

"Solitude" dibuja un ezpelusnante mundo destrozado y desértico, como consecuencia de conflictos bélicos y ambiciones previas narradas en el disco y de súplicas no escuchadas por la paz. Cierra el disco "Into The Void", muy de su estilo clásico, cierra con acierto este monumental disco que destaca, junto con "Paranoid" como su trabajo más consumado e impresionante de su respetable discografía