BLACK SABBATH - VOL. 4

'...lost in happiness I had no fears
innocence and love was all I knew, was it illusion?...'

Año: 1972

País: Reino Unido

Género: Heavy Metal.Hard-rock

Puntuación: ▲▲▲▲1/2

Canción favorita: "Supernaut"

Muy destacado trabajo de la banda inglesa de Hard Rock, esta vez marcadamente influenciados por el sonido ledzeppiano, Conjuran eternos himnos con heróicas guitarras, acerbos riffs, y la mordaz voz de Ozzy que lleva de vitalidad y fulgor a este arremetedor trabajo.

Empieza la extensa "Wheels of Confusion - The Straightener", un potente punto de partida con intensas guitarras y rudos riffs musculados. Muy del estilo acid rock de fines de los sesenta, aumenta la velocidad en su parte final más al estilo Hard Rock setentero. Le sigue la estupenda "Tomorrow's Dream" con muy buen ritmo acentado por la aguerrida melodía vocal de Ozzy, las duras guitarras de Iomi y la intrepitosa ejecución delr estod e la banda , conjuran uno de los mejores cortes de disco.

"Changes" puede resultar algo confusa para este trabajo por su marcado estilo diferente de lo que Sabbath venía haciendo en terminos generales, pero resulta un estimable corte más relajado con fondo de piano y violines. Muy estimable y disfrutable a pesar de su arriesgada posición en el disco. 

Uno de los mejores riffs que he escucahdo de la banda es el de "Supernaut", un intenso y fiero corte de potencia y vitalidad sabbathiana, hasta provoca moverse al compas de su animada sección rítmica y nervudos solos de guitarra; si le añadimos esa parte media de exóticos sonidos latinos, otro de los mejores cortes que han realizado.

De ahí siguen un puñado de buenos cortes del heavy metal áspero y fulguroso, como "Snowblind" y "Cornucopia", esta última con un fulminante Ozzy en la parte vocal. "Laguna Sunrise" es uan pausada y calmada pieza de una simple secuendia de acordes de guitarra acustica en un hermoso fondo barroque cuasi-celestial de violines y acordes de guitarras; nuevamente no se entiende su razón en el disco, pero resulta muy destacable su ejecución y su sensibilidad.

La breve "St. Vitus Dance" y la disfrutable "Under de Sun" dan fin a este muy disfrutable trabajo que presenta cierto bajón en su concepción global y redunda en su parte final con recursos ya previamente escuchados, pero sin embargo no resutla anda desdeñable su escucha y nada desmerecible su calidad ni su grandilocuente impacto. Solo unos ligeros arreglos y este disco estaría comodamente a la altura de sus dos previas obras cumbres.

THE BYRDS - NOTORIOUS BYRD BROTHERS

'...I can recall the time when I wasn't ashamed to reach out to a friend
Now I think I've got a lot more than just my toys to lend...'

Año: 1968
País: Estados Unidos
Género: Psychedelic-folk
Puntuación: ▲▲▲▲1/2

Canción favorita: "Draft Morning"


Realmente resulta sorprendente que a pesar de los conflictos internos que presentó la banda durante la grabación de este trabajo, este hay resultado al fin de cuentas un memorable trabajo conciso y rotundo. Ambicioso y pretencioso en sonoridad. Su clara influencia del "Pet Sounds" y del "Sgt. Pepper" les permite asi realizar un muy sofisticado trabajo de elaborados fondos sonoros y meritorias construcciones melódicas vocales.

El acertado corte de inicio "Artificial Energy" es una formidable pieza de vigoroso ritmo y fastuosas trompetas, consistente, resonante, rimbombante y enérgico comienzo. "Goin' Back" es uno de los mejores cortes del disco; nostálgica, directa, melancólica melodía y bellísimos arreglos de cuerdas en su fondo sonoro de querencia baroque. "Natural Harmony" es una sorprendente pieza que tiene cierto roce con el space, resulta fascinante en su conjunción psicodélica y lisérgica de envolventa atmósfera. Los Byrds saben muy bien como cuidar su sonido, evitando asi exederse y conseguir la redondez sonora. Destacable trato atmosférico.

Le sigue la arriesgada "Draft Morning"; pieza de folk-pop de construcción convencional que cuenta con un deslumbrante e intenso pasaje en su parte media que me resutla muy acertado como dibuja escenario bélicos y retrata fatídicos desenlaces en un tumultoso fondo sonoro delineado por ese memorable solo de trompeta; le añadimos los tristes acordes en su parte final y tenemos una sentida pieza que invita a la reflexión y exhorta a la paz.

Sigue la animada "Wasn't Born to Follow", de aire más campirano. "Get To You" muestra acertadamente su alta sofisticación; con este corte se sumergen y se imbuyen del "Pet Sounds" y elaboran una pieza de asombrosa melodía vocal y airosos arreglos corales en su estribillo. Siempre manteniendo un perspicaz cuidado en los fondos sonoros, resulta otro de los mejores cortes de este rotundo trabajo.

"Change is Now" es un simpático corte con un destacado pasaje de solo de guitarra en la parte media, nostálgica y esperanzadora. "Old John Robertson" es un estimable corte pero tengo preferencia por la versión más limpia que estaba destinada para el "Younge Than Yesterday". No desentona necesariamente, simplemente la prefiero en su trabajo previo.

"Tribal Gathering" y "Dolphin's Smile" son dos estimables corte que preceden a "Space Odyssey", un arriesgado punto final space-rock. No esta mal, pero para su melodía no muy memorable, sin estribillo y sin dirección sonora, resulta algo extensa y monótona , sin embargo es muy atractiva en primeras escuchas y su evocación espacial resulta muy envolvente.

A destacar tambien la meritoria "Triad" que no se encuentra en el disco original, sino en el boxset. No me hubiera molestado (en mi modesta opinión) en el lado B de este trabajo, más hay que admitir que su sonido se aleja del resto del este.

En fin este gran disco enaltece y consolidad el trabajo que los Byrds venian desarrollando notablemente en sus previos trabajos. Despues de este la historia sería otra, y la dirección tambien. Se puede decir entonces que este es el último gran y rotundo trabajo de esencia folk-psicodélica byrdiana.

KAISER CHIEFS - YOURS TRULY, ANGRY MOB

‘...we are the angry mob we read the papers everyday day
we like who like we hate who we hate
but we're also easily swayed...’

Año: 2007

País: Reino Unido
Género: Indie.post-punk
Puntuación: ▲▲1/2

Canción favorita: "Ruby"

Si pues, estos chicos tienen talento; sí con su primer trabajo ya deleitaban con su acertada oferta post-punk-revival de derivación brit-popera, con este segundo trabajo logran por momentos elevan la oferta y madurarla en piezas más interesantes y concisas, aunq por otro lado otro porcentaje de sus cortes muestra la falta de originalidad y la falta de orientación y recursos en la construcción musical.

Se ven un poco más oscuros, su predecesor era algo más cómico y jocoso; este parece madurar en textos de desamor y desavenencias humanas; de las cuales resalta “The Angry Mob”, post-punk bastante estilizado con marchante parte final y notable construcción sin desperdicios para los cerca de cinco minutos del corte inicial; la obsesión amorosa de “Ruby”, estupendo corte con reminiscencias a Duran Duran; la mística que desenvuelve “Love's Not a Competition (But I'm Winning)” con guitarra acústica, voz y efectivos arreglos sensoriales a lo Kent o unos sutiles Depeche Mode; y el despreocupado bubble-gum ramoniano de la enérgica “Everything Is Average Nowadays”; 

Lo demás, muy disfrutable en primeras escuchas, más no necesariamente memorable, perdiendose en cansinos cortes que pasan tediosamente los tres minutos.

CAT'S EYES - CAT'S EYES

Año: 2011

País: Reino Unido

Género: Indie.pop

Puntuación: ▲▲▲

Estimable colaboración musical del vocalista de los Horrors con la soprano italo-canadiense Rachel Zeffira.,  quienes nos ofrecen este trabajo discográfico de disfrutable escucha. Su propuesta revisa las exploraciones atmosféricas sensoriales menos recargadas y de recursos tanto del baroque como del sunshine o el post-punk nuevaolero sin necesariamente evocar estos géneros; arreglos orquestales de violines, arreglos corales celestiales, exotismo en el estilo musical y un bastante atractivo contraste de la dulce y susurrarte voz de la mencionada Zeffira con la áspera y taciturna factura vocal de Faris Badwan ,dando así una experiencia de fácil escucha y de aceptable encanto melódico.

Tiene buen gusto, es queda demostrado en los nada desperdiciados diez cortes del disco que nos llevas desde pasajes introspectivos e intimistas hasta animadas piezas del pop a lo group-girl  y bizarros arreglos que buscan el eclecticismo electrónico krautrockiano.

Del disco entonces hay que destacar el corte homónimo, la divertida “Cat's Eyes” parece comenzar una pieza psicodélica de los sesenta, con aires al "Taxman" de los Beatles, en sus primeros segundos, adentrándonos en un animado corte rítmico del pop con algo de bubblegum simple y sin rodeos, mas fresco y con el suficiente enganche para disfrutarlo en reescuchas; “The Best Person I Know” ya posee exploraciones sensoriales introspectivas a lo Sigus Ros en una muy meritoria profundidad musical conseguida por los agudos y dóciles recursos sonoros al igual del muy limpio trato que se les da.

Pero la que más llama mi atención es la bellísima “I'm Not Stupid”, hermosa y sentida pieza de desencanto que si bien no crea nada que no se haya escuchado ya en décadas pasadas, el fenomenal trato baroque, delicado y tan meticulosos realmente resulta una delicia para los oídos, mostrando así no tener que ser un profundo conocedor del género para poder deleitar con recursos necesariamente tan rebuscados ni sofisticados (CLARO, sin caer tampoco en autocomplacencias ya vistas en otra taaaantas bandas que creen estar inventado algo); celestiales arreglos y notas de órgano de iglesia, arreglos corales y la conjuración atmosférica resultan más que placentera y destacable en este maravilloso corte.

Otro de los destacables cortes del disco es la exótica “Not A Friend”, ya con aromas a Brian Wilson en una deliciosa pieza de acurrucante melodía; la psicodelia se revisa en la disfrutable “Face In The Croad”; y la destacada “Bandit” de intrigantes pasajes sonoros y textos sobre un misterioso personaje de éviles trucos.

De textos inofensivos y de fácil enganche; el disco además revisa eclecticismo gótico poco efectivo en la prescindible “Sooner Or Later”; nostálgicos arreglos baroque como ese enternecedor cuerno francés en “The Lull”; gustosos aromas disco-pop en la bailonga “Over You”; y termina con el limpio baroque en órgano de iglesia estilo clásico de la delicada “I Knew It Was Over”, sublime pieza de que finaliza esta muy disfrutable experiencia musical.

SAGITTARIUS - PRESENT TENSE

Año: 1967
País: Estados Unidos
Género: Baroque pop
Puntuación: ▲▲▲▲▲

Canción favorita: "Another Time"


Uno de los grandes aciertos de Gary Usher, luego de trabajar de la mano del mismísimo Brian Wilson a mediados de los sesenta, fue de juntarse con Curt Boettcher y conformar así una de las agrupaciones musicales que nos regalarían uno de los trabajos discográficos más hermosos y sensibles de todos los tiempos.

Su calada sensibilidad y trató melódico endulza los oídos en su maravilloso sonido lleno de luminosidad musical y coloridad sensorial de basamento baroque, pero llegando ya a terrenos del sunshine-pop.

Basta con escuchar la bellísima y sentimental “Another Time” de inmaculados arreglos instrumentales de arpa y violines que acentúan la luz y la melancolía del corte, todo un memorable corte del pop más elegante con ejercicios corales a lo Mamas & Papas; “Song To The Magic Frog (Will You Ever Know)” con delicado estilo vocal en estribillo agudo en falsete; y además ofrecen sofisticados pasajes baroque con intensos y majestuosos violines como en la sublime “You Know I've Found A Way”.


Otra meritoria pieza es la dulce “The Keeper Of The Games” jugando con una melodía de aroma Hollies; los ecos orientales de la sofisticada “Glass” sorprendiendo con una robusta textura de basamento folk; la altisonante “My World Fell Down” con clara herencia beachboyera; el conmovedor sunshine de “Musty Dusty”; y la psicodelia de la triste “The Truth Is Not Real”.

Una memorable obra maestra del pop más exquisito y sofisticado de lo sesenta.

THE LAST SHADOW PUPPETS - THE AGE OF THE UNDERSTATEMENT

Año: 2008

País: Reino Unido

Género: Indie.baroque-pop

Puntuación: ▲▲▲▲

Vaya sorpresa que nos tendría preparada la unión musical de dos conocidos nombres del indie-post-punk-revival; Alex Turner de los Arctic Monkeys y Miles Kane de los Rascals; quienes al parecer encontrarían lejos de sus mencionadas y respectivas bandas una inspiración y contundencia musical mucho más fructífera al enfocar su propuesta en un pop ornamentado en su fastuosidad baroque de clara sofisticación sesentera.

Y el resultado termina siendo bastante interesante y meritorio; elegantes piezas de calada intensidad y majestuosa construcción melódica acentuadas por la Orquesta Metropolitana de Londres y por el enfoque del baterista y productor James Ford que termina encantando y despampanando en posteriores reeescuchas al oyente amante de la melodía y la luminosidad pop sesentera.

El disco posee tanto intensos y vertiginosos cortes como calmados y letárgicos de desengaño, de amores pasionales, de vicisitudes humanas y de desencanto existencial; a destacar entonces el acelerado y acribillante juego de violines en la fenomenal “The Age Of The Understatement, magistral corte de intrigantes textos de seducción fémina; la simple y bella “Standing Next To Me” con elegancia folk-baroque; “Calm Like You” con envolventes y fascinantes recursos de música fílmica; y el embriagante y sensual lounge de “The Chamber”.

“Only The Truth” con similitud l primer corte del disco en una energética pieza de deliciosa construcción instrumental; “My Mistakes Were Made For You” con textos de desencanto y celestiales arreglos de violines que elevan a los confines del hedonismo baroque; el lujo de la opulenta pieza de desengaño “Black Plant”; y la fulminante “I Don't Like You Anymore”, magistral pieza de ávido contraste melódico-rítmico mostrando el elevado tacto musical del dueto para construir muy sofisticadas pieza.

Las obsesiones féminas se revisan con intensidad en la altisonante “In My Room”, otro de los grandes aciertos del disco; el atmosférico y sensorial lounge reviste la elegancia de “Meeting Place” en una encantadora pieza sin desperdicio de inico a fin, evocando sentimientos encontrados de desamor y desilusión en ese breve pasaje instrumental de violines en su parte final; y el estilo folk de “The Time Has Come Again” finaliza este recomendable trabajo discográfico con una melodía nostálgica de resulta en un meritorio contraste con el histrionismo baroque del disco acentuando así en rememoración la sensibilidad y el romance conseguido del disco.

TSUNAMIS - TSUNAMIS

Año: 2004

País: Chile

Género: Alternative.garage-psychedelic

Puntuación: ▲▲▲▲

Desde Chile nos llega una de las grandes sorpresas que nos dejaría la primera década del nuevo milenio; el remesón marítimo de los Tsunamis, liderados por la abrasiva personalidad de su vocalista y guitarrista Goli, sorprenden con este estupendo disco debut de solo seis cortes, pero suficientes como para embriagarse del rock garagero más destacable de la década.

Comienza con el sulfuro riff de la brutal “Mi Corazón Tu Taj-Mahal”, contundente pieza de garage y psicodelia ácida rica en textura lisérgica que toma por asalto los sentidos en su trance mental de búsqueda de la paz; incandescente pieza con aromas al ácido sanfranciscano y arena-rock brillante en su minimalismo que sostiene a lo largo de sus nada desperdiciados ocho minutos de intensidad ácida.

“Hey Tú!” nos muestra una cierta influencia creamniana ya con enfoque acid-prog en una estupenda continuación de la psicodelia del primer corte en una pieza que busca la saturación noise a lo Blue Cheer y Hendrix en una textura sofocante que llega a su clímax en la arrebatada aceleración del tempo en su parte media a lo MC5 conjurando un calamitoso orgasmo de delirante noise psicótico con guitarras corrosivas y alaridos retorcidos.

“Rosita Queen” acelera el ritmo en un corte surf-rock que parece evocar por momentos a unos Sonics sesentero, pieza corta (en comparación con las otras) de enérgica postura y un notable conocimiento de la exuberancia del rock en las cuerdas por parte de sus guitarristas Goli y Francisco Fernández, además de ese prominente bajo por parte de José Domínguez.

Si bien el disco presenta sólo seis canciones, la banda sorprende con la heretogeneidad musical que ofrece en estos mismos; garage-rock stoogiano, psicodelia, surf,-rock, folk-pop, acid-blues y psychotic-noise se revisten a lo largo de los conseguidos temas de este muy destacado trabajo. El blues se revisa en “Dónde Estás?”, acerba pieza de perturbadora obsesión amorosa y desesperación psicópata por parte de un impaciente y fogoso Goli detonando en la parte media con tamaña estridencia sonora digna de la mejor crudeza musical de los sesenta.

Después de tan demoledora pieza surge un inesperado contraste en la bellísima “Huracán”, con matices sensoriales que insinúan un dream en sus cuerdas acústicas al conseguir cierta luminosidad sonora y candidez musical revestida de cierto misticismo cauteloso a lo “Dear Prudente” de Lennon, consiguiendo una sublime nostalgia y despertando cierta sensibilidad en el trato que se le da.

Y culmina este descomunal trabajo la mastodónica “In Flames” con percusión en tribal, un solo de guitarra emulando una sierra eléctrica, una textura de tenebrosidad y perturbación auditiva, una afligida convulsión y turbación sensorial y mental, y un enardecido y excitado Goli en la parte vocal despotricando morbosas vehemencias humanas por el sexo sádico y el rock en uno de los cortes más intensos y fragorosos del disco con ecos de Sabbath, los Velvets y el Nirvana de Cobain.

No inventan nada nuevo, es cierto, pero ya quisiéramos más bandas con por lo menos el mínimo de bagage musical necesario como para formular nutridas piezas musicales que se defiendan por si solas.

THE STOOGES - THE STOOGES

'...well it's another year for me and you
another year with nothing to do...'

Año: 1969
País: Estados Unidos
Género: Garage.proto-punk
Puntuación: ▲▲▲▲

Canción favorita: "No Fun"



Probablemente una de las mejores y más originales formaciones que se haya visto durante la década dorada del rock; los Stooges liderados por un descontrolado e icónico Iggy Pop convulsionaría la escena del rock de fines de los sesenta con uno de los trabajos más contundentes del rock garagero y del protopunk. Crudo, directo, humano y desfogante, el fulgor y la fogosidad se viven en los incandescentes cortes de esta grandiosa producción discográfica.


Totalmente básicos, de recursos simples y posturas convencionales, mas expuestas con tal enardecimiento y excitación que simplemente uno no puede serle indiferente en sus ruidosas y abrumadoras ejecuciones del rock de ascendencia blues más encanchante y provocativo con un vocinglero Iggy deleitándonos en sus desaforados alaridos y la penetrante guitarra eléctrica de un alucinante Ron Asheton.


El proto-punk en su basamento minimalista y en recursos básicos queda manifestado con contundencia en la excepcional “1969”, con ecos Diddley en una atractiva pieza de contagiante melodía y vertiginosos ejercicios de distorsiones de guitarra envueltos en una dirección contundente resulta lo más acertado y palpitante de su oferta al acentuar la intensidad con la astuta percusión de Scott Asheton.


Sigue la velvetiana “I Wanna Be Your Dog” de morbosos textos y conseguida textura sónica cuya resonancia parece llevarnos al trabajo debut de los mencionados Velvets; mas es “No Fun” mi favorita por excelencia al exhibir sus recurrentes recursos tanto de un despotricante Iggy como de la acidez y robustez de la guitarra oxidada y desafilada desnudando al rock en su vertiente más mínima, quedando expuesto así el encanto y la intensidad que consigue este gran género y engrandeciendo su alma rebelde e indomable en un corte que uno simplemente quiere que ese trance sónico no acabe nunca; palmas, un contundente bajo, una concisa batería, un adictivo riff y la ardorosa voz de Iggy Pop resulta de entre lo más delicioso y orgásmico que se vería en el 69.



Otra de las mejores piezas es la asfixiante “Ann” con una atmósfera abrasiva y ametrallante; la minimalista “Not Right”; y la acalorada “Little Doll” redundando en lo expuesto, más siempre generando esa atmósfera catártica y efervescente de su característico y adictivo sonido.


Talvez el único corte fallido sea la extensísima “We Will Fall”, en el cual se puede observar la huella de John Cale 8quien produjo este trabajo) en un corte que busca el trance mental en sus taciturna y letárgica atmósfera, pero que resulta tediosa y monótona en reescuchas.


Todo un imprescindible trabajo de una de las más influyentes bandas del rock, cuyo impacto y repercusión se puede apreciar en las diversas direcciones que tomo el rock a lo largo de las posteriores décadas hasta nuestros tiempos.

DEAD SKELETONS - DEAD MAGICK

Año: 2011
País: Islandia
Género: Dark  psychedellic
Puntuación: ▲▲▲1/2


Canción favorita: "Ljósberinn"


Desde Islandia nos llega este disfrutable trabajo disco doble y debut de los Dead Skeletons, que sufrió un retraso para la venta en físico (mas no en la versión virtual) encontrándose ya disponible en el mercado.

La banda ya venia ganándose cierto respeto para los amantes del rock underground alejado del mainstream; su propuesta denominada dark-psychedelic, no es más que revestimientos y reciclaje de la psicodelia revolviana, velvetiana y atmosférica aunada con pretensiones krautrock, revestimiento gótico y una herencia en la construcción atmosférica que nos lleva desde el post-punk de profundida sonora de Joy Division hasta el noise de los siempre revisados My Bloody Valentine.


Su música no carece de encanto, consiguiendo así elaborar bastante sofisticadas piezas de difusas pastosidades y mesmerizantes ambientes llenos de profundida musical y trance sensorial, y si bien no innovan en el empleo de recursos ya expuestos a lo largo de la historiad el rock, consiguen el suficiente enganche y buen gusto para saber construir las piezas con el suficiente iteres y encanto como para ser disfrutado en reescuchas.


Varios de sus cortes realmente consiguen elevar los sentidos a un viaje atmosférico de fascinantes ambientes letárgicos y sombríos como “When The Sun” con aromas a Joy Division y The Horros, simple, de construcción que busca más el trance sonoro krautrockiano; “Ljósberinn” comienza con percusión en tribal y conseguida resonancia a lo Ammon Düül II y sulfurosidad ácida bastante meritoria que consigue capturar los sentidos en su estruendosa nebulosidad sónica.


A destacar también la consistente resonancia de “Yama” ya mostrando su postura gótica, la interesante “Dead Mantra” evocando post-punk e industrial; “Kingdom of God” con aromas a lo Cure en “Disintegration”; la desquiciada y perturbadora “Dead Magick I” ya adentrándose al rock psicótico y sus ejercicios sensoriales en “Dead Magick II”.

El resto del trabajo redunda en lo explicado y expone sus querencias por la construcción atmosférica de basamento noise, mas resulta muy disfrutable y no pierde encanto ni consistencia en reescuchas.
 

THE SONICS - HERE ARE THE SONICS!!!

'...she gonna make you itch 'cause she's the witch...'

Año: 1965
País: Estados Unidos
Género: Garage.proto-punk
Puntuación: ▲▲▲▲


Canción favorita: "Have Love Will Travel"

Uno de los ejemplos más contundentes y puntuales del garage proto-punk sesentero es el magistral trabajo debut de la banda proveniente de Washington. Su oferta expone un desnudo rock’n’roll y r’n’b de intensa y robusta consistencia y estruendosa resonancia evocando tanto delirio auditivo como convulsión emocional, esto revestido de una atremalladora propuesta agresiva y mordaz del rock más brusco y desenfadado que influenciaría a un gran número de bandas en la segunda mitad de los sesenta y claro una década después al ya conocido punk setentero.

Su demoledora impronta se observa a lo largo de los doce cortes del disco, de los cuales ocho son estruendosas versiones de clásicos del rock, mostrando así el gran talento de la banda para alborotar la escena con sus destacadas interpretaciones como las archiconocidas "Roll Over Beethoven" De Check Berry que se reviste de una intensa pastosidad sónica en la versión de la banda; o la estupenda “Do You Love Me” de los Contours con vigorosa bateria de Bob Bennett.

Mas es en mi opinión Rob Lind quien se lleva los aplausos al acertar en acentuar la intensidad del sonido de los Sonics con su aniquilador saxofón, para muestra tenemos el impecable cover del "Have Love, Will Travel" de Richard Berry, versióne nla cual resalta la línea de bajo de Andy Parypa y ni que decir de la factura vocal, herencia de Little Richard, de su acerbo vocalista Gerry Roslie, conjurando así uno de los momentos más memorables y excitantes del disco; otro de estas intensas conjuraciones es la versión del "Dirty Robber" de los Wailers americanos; y claro el corte inicia “The Witch” de vertiginoso y arrebatado estribillo detonando en un fogoso caos de excitante estridencia sónica.

El disco es una tras otra pieza que exubera del acerbo estilo de los Sonics, que acalora el ambiente en electrizantes piezas como su potente “Boss Hoss”, en la juguetona y chulesca versión del “Walkin' The Dog”, y en corte más lentos como la versión del “Night Time Is The Right Time” del incomparable Ray Charles, mostrando así el gran talento de sus miembros en versiones a la altura de los mismísimos e inmortales clásicos del rock.

ANIVERSARIO: EL PRIMER AÑO!!!!

Uff...ya hace un años atrás que empecé con este proyecto del blog propio, y bueno jamás me imaginé escribiendo ya mi crítica de disco número 234; parece que fuera ayer cuando me decidí a comenzar a escribir sobre el disco que me sumergió y me hizo comprender la importancia y trascendencia del rock, un 18 de octubre del ya pasado año, ese legendario “Highway 61 Revisited” de Dylan, aun recuerdo cuando lo escuché por primera vez ya años atrás, y simplemente no podía dejar de escucharlo una y otra vez, pero bueno claro ese disco me abrió todo un mundo y me adentró a la escena musical del 65, año determinante en el cual se dieron de entre los más puntuales hechos en la historiad el rock, y cuyas repercusiones las conocemos muy bien los amantes de este inmortal género, y de hecho aun las seguimos viendo.

Disco Luz del Rock Contemporaneo

Pero más allá del rock propiamente dicho, este disco me hizo comprender la importancia de un trabajo discográfico en general, del alma que se entrega en este y del trabajo que uno enfoca en la elaboración de sus piezas y sus ideas musicales, sorprendiéndome más por el gran valor e inspiración que consiguen estos artistas sesenteros con equipos y estudios de grabación alejados de la sofisticación contemporánea sin embargo hay mucho más que rescatar y revalorar en esos gloriosos años que en la actualidad, y es y será esa el motor que me impulse a seguir estudiando la música en general y a seguir manteniendo un juicio crítico ante los nuevos trabajos que se vengan presentando con el tiempo.


Ante todo esto, también aprovecho para comunicar algunos cambios que se vendrán dando en el blog; primero que nada para decirles a los lectores que se está trabajando de la mano del facebook: en el siguiente link podrán ponerle a “Me Gusta” y recibir las actualizaciones de las criticas diarias en su bandeja del face: http://www.facebook.com/pages/Stoneemo/216525918387757


Luego, que el formato el blog va cambiar un poco; primeramente pensado para ofrecer criticas de discos clásicos del rock, ahora se expande la idea a discos sin discriminar los diversos géneros musicales (aunque siempre con inclinación al rock que es mi fuerte), y además también a trabajos actuales y lanzamientos recientes, destacando por semana dos trabajos discográficos: un DESTACADO, que es un lanzamiento semanal que esta modesta página recomienda su escucha; y un RECOMENDADO, que es un trabajo discográfico a escuchar y revalorar que por lo general no tuvieron la suficiente repercusión ni éxito comercial en su momento, y al no gozar como en la actualidad de la facilidad de llevar sus propuestas a un público masivo por los diversos medios de la actual globalización, terminaron enterrados en los baúles de los pocos que llegaron a escucharlos, y es ahora compromiso y misión de las nuevas generaciones que redescubrimos todos estos infravalorados trabajos, de impulsarlos y evitar así que la historia se repita y los termine sepultando en el triste olvido.

También resulta necesario renovar la imagen principal y el alter-ego del perfil, pasando de un misógino y descarriado Keith Richards del “Some Girls” a un andrógino e irreverente Brian Eno del “For Your Pleasure”; que por qué elijo este tipo de personajes?...bueno porque supongo es más divertido que ver mi cacharro en la foto de perfil.

Saludos entonces y gracias por contribuir a la historia del rock directa o indirectamente.

BLIND FAITH - BLIND FAITH

Año: 1969

País: Reino Unido

Género: Blues-rock

Puntuación: ▲▲▲▲

Los conflictos de egos le depararían a Cream, una de las más importantes formaciones de la década de los sesenta, una convulsiva relación grupal que terminaría con su disolución en el 69. Tras esto, sus ex integrantes Eric Clapton y Ginger Baker se enlistarían con el exTraffic Steve Winwood y el bajista de los Family, Rick Grech.

Alejándose de las propuestas psicodélicas de los respectivos grupos, la nueva formación se adentra a un blues-rock bastante interesante que consigue una dirección artística con orientación al sonido del 68 en bandas como la mencionada Traffic y Procol Harum.

El talento de cada uno de sus miembros también se aprecia en este trabajo, tanto por separado como a lo largote construcciones y exploraciones musicales en las que brillan la majestuosa guitarra de Clapton en impecables cortes como la hermosa construcción melódica de “Sea of Joy”, por un meticuloso Winwood del cual podemos observar su impronta a lo Traffic, además de un Astuto Baker en la percusión acentuando con resonancia la intensidad en los pasajes de la pieza.

Ecos de southern-rock en la pieza de un inspirado Clapton “Presence of the Lord”, con deliciosas notas de piano de Winwoood; el blues más contundente en su vertiente progresiva con aromas jazzistas en “Had to Cry Today”; su sofisticada versión del “Well...All Right” de Holly en un alegre y altisonante corte de memorables teclados.

Culmina con la psicodelia bluesera de “Do What You Like”, en donde apreciamos una genial comunicación entre Bruce y Eric deleitando en un delirante jam de hipnotizantes y seductoras cuerdas y un intenso solo de Baker a la batería, cerrando este muy logrado trabajo que parece buscar la remembranza del sonido del rock del 68 y del 69 para culminar la irrepetible década con broche de oro.

CREAM - FRESH CREAM

'...driving in my car, smoking my cigar
the only time I'm happy's when I play my guitar...'

Año: 1966
País: Reino Unido
Género: Blues-rock
Puntuación: ▲▲▲▲

Canción favorita: "Sweet Wine"




La legendaria formación inglesa sorprende con esta estupendo disco debut que nos muestra, junto con el “Revolver” de los Beatles y el “Roger The Engineer” de los Yarbirds las nuevas direcciones artística de una nueva generación de jóvenes empecinados en destrozar todo precepto conocido e imponer sus novedosas y fascinantes propuestas enraizadas en el blues y el rock; y partiendo a terrenos totalmente inhóspitos donde todo es posible, todo vale y si viene de la mano de estos tres virtuosos músicos,  no queda más que sentarse y simplemente embriagarse en su palpitante y rebosante explosión blues-rock.

Aun alejados de la psicodelia de su emblemático “Disraeli Gears”, este su disco debut ofrece una muy interesante dirección del rock llevado a terrenos de saturación sonora, intensos jammings llenos de agresivas y bruscas expresiones musicales como en la revoltosa versión del “Rollin' And Tumblin'” de Muddy Waters, ametrallador corte de intenso blues garagero; la intensa atmósfera bien nutrida de lav ersión del “I’m So Glad” de Skip James totalmente alucinante en su irresistible sección rítmica y sus aromas psicodélicos; la letárgica y seductora “Sleepy Time Time” con la inmortal y sensual guitarra de Clapton, quein también deslumbra en la delirante “Sweet Wine”; la árida versión del “Spoonful” de Robert Jonson; y la enganchante “Cat’s Squirrel”, mostrando una deliciosa comunicación entre sus miembros.

Otro enfoque bastante destacable de la banda es en la conjuración de piezas pop frescas y revestidas de la intensidad blues en la guitarra de Clapton como en la archiconocida “I Feel Free”, emanando esa seductora mística en esos hipnotizantes ejercicios corales; y la divertida “N.S.U.”, apabullante piezas de intensa resonancia que me evoca un cierto adelanto del sonido de la costa oeste.

Señores, esto es la crème de la crème…y para fortuna nuestra, es tan solo el comienzo de una serie de magistrales trabajos de estudio.

THE MAZE - ARMAGEDDON

'...where will you be on the day of ARMAGEDDON???...'

Año: 1968
País: Estados Unidos
Género: Heavy Prog
Puntuación: ▲▲▲▲▲

Canción favorita: "Happiness"


Otro de los inmaculados legados provenientes de la costa oeste; los Maze fascinan con este su único trabajo discográfico que registra tanto su ascendencia sanfranciscana de bandas contemporáneas como los Doors, Iron Butterfly, los Byrds y cierta oscuridad a lo Afterglow sorprendiendo en un oscuro y atractivo sonido heavy-psychedelic.

Su propuesta se adentra ya en los terrenos del heavy-prog derivado del ácido psicodélico del 67 en una dirección más robusta y atmosférica, de ambientes lúgubres y funestos como lo exhibe su primer u magistral corte “Armageddon”, intensa y desesperanzadora pieza de conseguida desolación sonora que penetra los sentidos en su tétrica y mesmerizante textura atmosférica que simplemente uno no quiere que acabe nunca.

Sus texturas terminan fulminando al buen conocedor de la psicodelia sanfranciscana; conseguidas piezas de nutrida luminosidad envueltas en pastosas nubosidades ácidas de principal referencia a unos Doors del “Strange Days”; sorprenden así con los delirantes teclados en la letárgica y depresiva “I'm So Sad”; contrastando con la estupenda “Happiness”, deliciosa píldora psicodélica de irresistible escucha y resonancia ácida a lo Iron Butterfly; y la alucinante “Whispersing Shadows”, con magistral solo de intro heavy-psychedelic.

Una de las mejores piezas del disco es la deslumbrante “Dejected Soul”, demoledor corte de suculenta psicodelia ácida tan rica en robustez como en resonancia, provocando un trance lisérgico mental de intensas exploraciones alucinógenas; y la sentida “As For Now” derritiéndonos en sus nostalgias y lamentos lanzados al viento cierra con broche de oro este impecable y memorable trabajo discográfico proveniente de una fértil California del 68.

La reedición contiene además dos notables cortes de la formación anterior llamada Stone Henge, los cortes son la simpática “Right Time” y la estupenda “Rumors”, mostando su querencia byrdiana.

THE KILLERS - HOT FUSS

'...somebody told me you had a boyfriend
who looked like a girlfriend that I had in February of last year...'

Año: 2004
País: Estados Unidos
Género: Indie
Puntuación: ▲▲1/2

Canción favorita: "Somebody Told Me"


Provenientes desde las áridas y pecaminosas tierras americanas de Las Vegas llegan los Killers, cuarteto musical envuelto en el contexto indie.post-punk-revival de mediados de la primera década del 2000 que si bien no inventan nada, por lo menos se defienden en algunos muy disfrutables cortes nada carentes de encanto melódico.

Si bien poseen un respetable bagage musical que se aprecia desde el post-punk de los Cure ochenteros, la new-wave electrónica a lo New Order y Depeche Mode, un enfoque comercial a lo U2,  y el marcado brit-pop noventero que influyó considerablemente en su sonido; su falta de contundencia y orientación en la construcción musical termina haciendo de este “Hot Fuss” poco memorable y carente de encanto e interés en reescuchas; aunque hay que mencionar su capacidad de construir intensidades instrumentales lo suficientemente sofisticadas como para despertar interés y atracción sonora.

De lo destacable definitivamente resalta su primer single “Somebody Told Me”, ávido corte de genial intensidad rítmica y pastosidad conseguida en los teclados de su vocalista Brandon Flowers (pieza clave de su sonido), en un animado corte que provoca tanto bailarlo como cantar esos astutos textos y vivirlo en su altiva velocidad rítmica; “Jenny Was A Friend Of Mine” es un atractivo corte de intrigante textura sonora y textos sobre un misterioso asesinato; una cierta reminiscencia morrisseyana en el post-punk de “Smile Like You Mean It”; y la balada “Mr. Brightside”, de obsesivos textos de infidelidad y celos enfermizos en un corte FM de conseguida intensidad por ahí evocando a unos nuevos románticos Duran Duran.

El resto del disco, escuchable aunque derivativo, resaltando las incisivas cuerdas en “Andy, You're A Star”, o la superflua “Glamorous Indie Rock & Roll” despertando cierto encanto melódico en sus primeras escuchas, el resto, bueno sólo para fanáticos.
 

KASABIAN - EMPIRE

'...you come to take me away
like a little white rabbit from yesterday...'

Año: 2006
País: Reino Unido
Género: Indie
Puntuación: ▲▲1/2

Canción favorita: "Me Plus One"



Tras un muy disfrutable disco debut, los Kasabian vuelve a batalla dos años después de lanzar su disco debut con este “Empire”; disco que sigue la oferta derivativa de su predecesor en conjurar pasajes psicodélicos y space en una dirección influenciada por el sonido de Manchester, los ejercicios krautrockianos y la repercusión del britpop noventero.

Si bien resultan derivativos; al igual que en su primera oferta consiguen revestir a varias de sus piezas con la suficiente sofisticación como para no pasar desapercibidos en una masiva suerte de intrascendente reciclaje post-punk-revival camuflado bajo en nombre de indie.rock.

De lo más disfrutable, destaca el single “Empire” con su construcción ochentena post-punk y sus siempre acertados recursos atmosféricos de cierta querencia medieval que no desentonan y generan un atractivo contraste cuasi-industrial; “Shoot The Runner” con progresión glam a lo Bolan en un entretenido corte de enérgica guitarra eléctrica y vigorizante sección de batería (presentando a su nuevo integrante Ian Matthews); “Me Plus One” mostrando su bagage musical en un corte de estilo psicodélico sesentero beatleniano bastante apreciable de textos no muy conseguidos pero de muy meritoria construcción de la intensidad llegando a su clímax en el orgasmo de violines en su parte final; “Sun Rise Light Flies” mostrando su influencia de Oasis; o “Seek & Destroy” con evocaciones al krautrock germánico en un simpático e inofensivo corte.

El resto de canciones redunda en lo previamente explicado con menor contundencia y encanto, si bien por ahí logran expandir su propuesta en experimentaciones bastante aguerridas y arriesgadas como en la estridente “Apnoea” o en la pretenciosa “The Doberman”, la falta de consistencia y la poca sofisticación en estas las hacen poco memorables en reescuchas.

KENT - DU OCH JAG DÖDEN

'...jag var länge ensam enda barnet
ett monster underst i en hembyggd våningsäng...'

Año: 2005
País: Suecia
Género: Alternative
Puntuación: ▲▲▲▲

Canción favorita: "Den Döda Vinkeln"


Muy destacado trabajo de una de las más representativas bandas de la Europa escandinava. Su propuesta fascina por su fijación en la melancolía y la tristeza melódica que capturan en su atmósfera sonora introspectiva y envolvente.

Con ascendencia al krautrock sensorial, ciertos pasajes progresivos, el post-punk de orientación noventera a lo Depeche Mode y cierto matiz industrial; su oferta acierta al ensombrecer los textos y el sonido en este trabajo de referencias líricas a la muerte, la depresión y la soledad.

Sorprenden tanto con fantásticas ejecuciones de rock acompañados por atmosféricos sintetizadores como en “400 Slag”; secciones más rítmicas como en “Du Är Ånga”; ejecuciones más aguerridas con aromas arena-rock y meritoria construcción melódica en “Palace & Main”; y deslumbrantes concepciones sensoriales art-rock como en la brillante “Max 500”, uno de los más originales corte que la banda ha ejecutado en su carrera y que sorprende por la mística que desenvuelve esta atmósfera que evoca terrenos bélicos y apocalípticos de desolación humana.

Mas son las baladas las que se llevan los aplausos al conseguir una calada sensibilidad que simplemente provoca lágrimas en sus ejecuciones melódicas; así destacan la bellísima “Järnspöken”, lento corte en cuerdas acústicas inmortalizado en la sentida y melancólica voz de Joakim Berg; “Rosor & Palmblad” con enternecedor trato de la intensidad acentuada por las nostálgicas notas de piano de Markus Mustonen; “Du Var Min Armé” con sorprendente trato atmosférico en una impecable pieza de memorable luminosidad sonora y evocaciones intimistas; y “Den Döda Vinkeln”, depresiva pieza de muy meritoria construcción y trato melódico.

No se podría esperar menos de esta gran banda sueca.

WHITE WILLOW - TERMINAL TWILIGHT

'...up where the sky is not aubum but blue
I'd like to go there with you...'

Año: 2011

País: Noruega

Puntuación: ▲▲▲1/2

Canción favorita: "Snowswept"

 
Muy grata sorpresa proveniente desde Noruega; los White Willow nos ofrecen su siempre interesante propuesta progresiva art-rock que aúna tanto expresiones artísticas experimentales como ascendencias jazzistas y progresivas en una envoltura que va desde el folk melódico hasta pretenciosos arreglos orquestales.


Y este su sexto trabajo de estudio nos envuelve nuevamente es sus ricas atmósferas llenas de fascinantes texturas sensoriales y luminosidad musical empleando tanto los arreglos convencionales de notas de piano, cuerdas acústicas y eléctricas, flautas y mellotrón, como el empleo de acertados sintetizadores dotando a la piezas de mayor profundidad e intensidad.

Ecos de Rennaisance y King Crimson entre otros, revestidos de la exuberancia y el misticismo del sonido nórdico proveniente del norte de Europa. Empieza con la cautivante “Hawks Circle The Mountain”, inhóspita experiencia art-rock que ambientaliza cierta oscuridad de reminiscencia a lo Björk y que se va agudizando con penetrantes guitarras eléctricas en un muy disfrutable corte con marcada ascendencia progresiva setentera y buen dominio de la orientación musical.

La suave voz de Sylvia Erichsen mima los oídos en la melódica “Snowswept”, con embriagantes recursos sensoriales y un mesmerizante trasfondo musical relajado y calmado que llega a su clímax en su enganchante parte final; “Kansas Regrets” comienza con mística cuerdas que van capturando la atención en una triste y melancólica atmósfera baroque-folk muy bien cuidada; y “Red Leaves”, destacado corte art-rock de pretensiones épicas que consigue llegar a su clímax de intensidad en ese magistral pasaje de teclados cortesía de Lars Fredrik Frøislie.

 

Más de su propuesta artística en la destacada construcción instrumental de “Natasha Of The Burning Woods”, mostrando su manejo de la intensidad en un corte que comienza en un estilo folk sensorial minimalista y que va armándose y nutriéndose en una textura colorida y altisonante; y “Searise” ya es progresivo atmosférico, en un ambicioso corte que ofrece una rica variedad de pasajes instrumentales con diferentes direcciones e intensidades recalcando así la luz creativa y la sofisticación del género progresivo.

YMA SUMAC - MAMBO!

Año: 1954
País: Perú

Género: Exotica.World-music
Puntuación: ▲▲▲▲▲

Probablemente su propuesta más agresiva y arriesgada. Una incandescente Yma Sumac nos regala un exquisito banquete de mambo y jazz con postura exotica comulgando además de sus sofisticados y grandiosos recursos vocales, su querencia por los sonidos latinos provenientes de las islas céntricas de América; el mambo, a la voz de una Yma inspirada en su exotismo y su coloridad, buscando filtrar sus recursos vocales en esas irresistibles texturas tan ricas en sonoridad y vida, consiguiendo así su más representativo y contundente expresión musical a lo largo de su muy recomendable discografía.

Una sorprendente Yma nos regala así más de su majestuoso registro vocal fascinante tanto como contralto como en su caprichosa variación melódica que vira desde estruendosos sonidos de bravura rítmica del género que buscan acentuar la intensidad de las trompetas, como los agudos solos vocales que emergen de su prodigiosa garganta.

De entre lo más destacable hay que mencionar la contundente “Bo Mambo”, soberbio ejemplo de la deliciosa mistura armónica en una fluida comunicación musical que nos va introduciendo a la oferta del trabajo discográfico; “Taki Rari”, una estupenda pieza más bailable y de deliciosos arreglos de percusión que la dotan de colorido en una embriagante atmósfera jazz; y la poderosa “Gopher”, una de las mejores representaciones de la artista que nos permite apreciar su gran capacidad de inspirarse de la sonoridad instrumental para emanar sus prodigiosos recursos vocales que van desde bruscos golpes vocales acentuados en las ametralladoras trompetas hasta rítmicos ejercicios aderezando el animado compás de la pieza, y ni que decir de sus fulminantes solos y golpes agudos vocales provocando el placer sonoro más exquisito en esta magistral pieza de hedonismo jazz.

Mas es la sabrosa “Malambo No.1”, la que se lleva mis aplausos, en un irresistible y candente corte de construcción más convencional y con una grandiosa Yma tan rica en recursos que dotan al pieza de un orgásmico contraste de su voz en robustos sonidos vocales seguidos de penetrantes solos agudos con tal fluidez y buen gusto que simplemente eleva a su propuesta a una de las más plausibles y deslumbrantes de la talentosa y virtuosa artista.

Además de su enfoque en el mambo y en los estilos caribeños; Yma exhibe una mayor heterogeneidad al filtrar con muy buen gusto en la concepción sonora orientaciones tan fascinantes como los aromas españoles del “Cha Cha Gitano” con evocaciones de corridas de toros y un cierto aire flamenco; o su característica sonoridad andina en “Carnavalito Boliviano”; el pasajes introductoria en percusión tribal y el original trato melódico de rico contraste sonoro en “Jungla” (otra de las mejores piezas del disco);  la fusión de huayno y mambo en “Chicken Talk” con una asombrosa Yma simulando el cantar agudo de un ave; y el jolgorio carnavalesco de la festiva “Indian Carnaval” propician así una de los mejores muestrarios artísticos de la prodigiosa cantante peruana.

THE ROLLING STONES - LET IT BLEED

'...yeah, we all need someone we can bleed on
yeah, yeah, and if you want it, baby, why don'cha bleed on me all over...'

Año: 1969

Rating: ▲▲▲▲▲

Canción favorita: "Let It Bleed"


Disco definitivo del 69. Y es que este disco consigue registrar la oscuridad y decadencia de una gloriosa época en la historia de la música.

El rock que germinaría como una plataforma para la expresión juvenil y la necesidad de cambio se convertiría en una manifestación cultural y artística a mediados de las segunda mitad de los sesenta, detonando a su máxima cúspide tras la psicodelia y el abuso de sustancias alucinógenas, estamos en 1969, y las cosas sobrepasaron todo límite.


El verano del amor se fue y dio comienzo al 69 con sorpresivos acontecimientos como la disolución de los Beatles, la separación de Hendrix de su manager Chandler,  la muerte de Brian Jones, el festival de Woodsock los conflictos sociales por los derechos civiles tras la muerte de Martin Luther King, y las tumultuosas manifestaciones contra la guerra de Vietman que culminaría fatídicamente junto con el alma libre de los sesenta en Altamont a manos de unos incontrolables Stones, quienes víctimas de sus propios excesos, que tras evocaciones demoniacas de sus trabajos predecesores jamás se imaginarían lo que el destino les tendría preparado.

La atmósfera se pone tensa, una afligida juventud alejada de la inocencia del 67 y de los ideales de paz y amor del 68 se enturbece en la confusión y el desconcierto del 69, y los Stones capturan toda esta sensación de perdición y autodestrucción  en la árida y desoladora atmósfera de “Gimme Shelter”, uno de los más emblemáticos temas que pide a gritos auxilio ante una realidad utópica y caótica.

El disco además reviste su oferta previamente revisada en su predecesor “Beggarrs Banquet” mostrándonos su acertado enfoque por las raíces americanas del rock como en el country de la fulminante versión de “Love Is Vain”; y  la estupenda “Country Honk” con soberbio solo de violín; y la apasionante “You Got The Silver” con un impecable Keith Richards a la voz dotando al corte de sensibilidad humana y fragilidad emocional.

Pero es “Let It Bleed” definitivamente la mejor pieza de este disco; sus mágicas teclas y su embriagante atmósfera aderezada con mordaces textos de inspirada lírica que juega con el morbo y los placeres mundanos.

El disco no puede culminar mejor, “You Can't Always Get What You” comienza con acongojantes coros de ángeles ten un fondo celestial que ilumina los sentidos con su desconcertante calma y paz, para luego recaer con sutileza a espacios terrenales en ese solo de cuerno francés, y un Jagger nos recibe cantándonos que no siempre se puede obtener lo que uno quiere, pero si lo intentamos talvez si lo podamos; armándose con una festiva y jubilosa pieza de pop-rock culminando con gran acierto la parte final del disco, acelerando el tempo en su parte final en una atmósfera que llega a su clímax de intensidad en la vertiginosa parte final de reflexiva sonoridad musical.

Señores, los sesenta se acabaron, mas su alma y su pasión quedarán inmortalizados por la eternidad en los maravillosos trabajos que se grabaron en esta gloriosa época del rock.

THE BEATLES - ABBEY ROAD

'...one sweet dream came true today
came true today, yes it did!...'

Año: 1969

Rating: ▲▲▲▲▲

Canción favorita: Meddley : “Golden Slumbers/ Carry That Weight/ The End”


Por excelencia el mejor trabajo de los Beatles; sería además la última vez que veríamos a esta banda trabajar cohesivamente, con contundencia, sin pretensiones más allá que hacer buena y sofisticada música, como lo hacían en el clásico “Rubber Soul”, sin fastuosidades ni caprichos entre sus miembros, mas con la perspectiva y altura de un digno trabajo del 69.

Y es que estos son los Beatles que extrañábamos durante la mitad de los sesenta; si bien creo nadie se queja de sus trabajos discográficos que nos regalaron entre el 66 y el 68, es claro la distante discordancia entre sus miembros con un McCartney enfocado en las pretensiones opulentas y buscando direccionar el sonido de la banda a una grandilocuencia épica; un Lennon enfocado en un sonido menos producido enraizado en el blues y que luego detonaría por influencia de su amada Yoko Ono en complejos experimentos vanguardistas; un Harrison insatisfecho por la poca notoriedad en la banda y el poco espacio que se daba a su propuesta de recursos orientales y de posturas más filosóficas; y un Ringo que lidiaba como eje conector entre los miembros teniendo que soportar las disputas y grescas de los egos de los otros miembros.

Así entonces la banda que toco lo más alto e inimaginable de la escena musical y que luego e esto, y ante la incertidumbre sobre cuál sería su siguiente ‘gran’ paso, lograron sorprender con su vuelta a lo básico en el 68; nuevamente consiguen deslumbrar con este sobresaliente trabajo que les significaría su más contundente, conseguida y rotunda obra maestra.
Y que bien que lograran seguir juntos para culminar los 60 con broche de oro, como debe de ser para la agrupación musical por excelencia de mayor influencia, de todos los tiempos, todo lo que escuchamos se lo debemos a ellos, y todas las bandas y artistas directa e indirectamente salieron influenciadas por su grandioso legado.

La primera parte presenta fenomenales cortes de su característica orientación pop pero esta vez con cierta oscuridad y revestida en sus siempre estupendas vertientes como la envolvente “Something”, mágico y sublime pieza por Harrison en un estilo que parece evocar a unos CSN en su disco debut en matices de soft-rock sureño;  el lush-pop de un siempre sofisticado McCartney en “Maxwell's Silver Hammer” y en la intensa y memorable “Oh! Darling”; la simpática pieza de folk-pop con cierta querencia country “Octopus's Garden”;  y Lennon no se queda atrás con la exuberante “Come Together” y la grandiosa “I Want You (She's So Heavy)”, magistral pieza de adictiva densidad musical de herencia psicodélica (por ahí ya con cierta orientación progresiva).

El meddley del lado B resulta igualmente fascinante por la acertada armonía musical y buen gusto de McCartney destacando así la monumental “You Never Give Me Your Money”, un elegante ejemplo de la calidad del sonido beatleniano; la sensorial y vespertina “Sun King”; el bubble-gum en cierta resonancia tribal de “Polythene Pam”; y mi pasaje favorito, el meddley de “Golden Slumbers/ Carry That Weight/ The End”, compleja e intensa pieza (con solo en batería de Ringo!) que muestra y resume  en sus tres momentos la gran grandilocuencia y altisonancia que la banda puede conseguir cuando trabaja sincronizadamente, concordante y con pasión.

Los Beatles que todos queremos ver siempre, tal cual como los queremos recordar para la eternidad, y que seguirá influenciando por siempre tanto directa como indirectamente a través de los años.

CROSBY, STILLS & NASH - CROSBY, STILLS & NASH

'...horror grips us as we watch you die,
all we can do is echo your anguished cries...'

Año: 1969

Rating: ▲▲▲▲▲

Canción favorita: "49 Bye-Byes"


El nuevo aroma del rock americano; una dirección sofisticada de querencia blues, country, folk y pop acústico con retazos de psicodelia e ideales de paz y amor; una poderosa banda que reuniría a tres talentosos miembros de reconocidas bandas como Graham Nash de los Hollies, David Crosby de los Byrds y Stephen Stills de la Buffalo Springfield, quienes tras encontrar conflictos personales y de dirección artística en sus agrupaciones, encontraría en este trío una plataforma para exponer sus posturas musicales son limitaciones ni conjeturas, y terminarían enfocando la historia del rock americano en la búsqueda de sus raíces básicas, y que alcanzaría sus representantes y trabajos discográficos más celebrados durante la primera década del setenta en el voceado roots-rock.

El sonido de sus tres miembros logra un armonioso balance en el cual, si bien se observa en cada corte la ascendencia y el enfoque de cada miembro, su acierto radica en la conjunción de la melodía vocal con un estilo musical de perspectiva reformista, y la construcción de atmósferas envolventes y ricas en textura de cierta emanación psicodélica.

Inmortalizados en Woodstock; el disco permite ofrece una interesante observación  la oferta musical de sus tres miembros. Stills por un lado sorprende con construcciones complejas de conseguida armonía y melodía pop-folk como en la fascinante "Suite: Judy Blue Eyes", extensa pieza de rica sonoridad y envolvente coloridad; la melancólica "Helplessly Hoping", una hermosa pieza de absorbente melodía; y mi favorita (aunque haya por ahí quienes la detesten), "49 Bye-Byes" deliciosa construcción de country-folk y pop y de animado estribillo y ricos pasajes vocales para corear hasta el cansancio.

Nash dota al disco de su oferta pop-folk en la contagiante “"Marrakesh Express" y en la bellísima “"Lady of the Island", notable balada de calada sensibilidad; y Crosby también ofrece su  herencia byrdiana en la envolvente “ Guinnevere”, y en el blues-rock de la atractiva "Long Time Gone"; más es la aportación de Crosby y Stiull la que se lleva los aplausos, la estupenda “Wooden Ships”, oscura pieza de penetrantes textos que parecen dibujar un apocalíptico escenario bélico  y desolación humana.

Un emblemático trabajo del 69.

SLY & THE FAMILY STONE - STAND!

'...I want to take you higher, baby baby baby light my fire...'

Año: 1969

Rating: ▲▲▲▲▲

Canción favorita: "I Want to Take You Higher"


Emblemática banda de la costa oeste. Tras su grandioso (aunque fallido en ventas) “Life”, los Sly & Family Stone se inmortalizan, luego de su presentación en Woodstock, con este muy bien recibido disco que se convertiría en uno de los más representativos del periodo final de la contracultura americana y de los ideales de paz y amor del, en ese año, convulsivo y afligido movimiento hippie.

Un año tenso y conflictivo, la banda parece embeberse de la intensidad y el caos de este años para elaborar sus fascinantes viajes musicales con mayor intensidad que sus predecesores, soul, jazz y psicodelia se aúnan así en este incandescente “Stand!”, una orgia sónica de flameante intensidad funk y descarga musical multicultural.

A destacar entonces las estupendas “Stand!”, con altisonancia góspel; la antiracial “Don't Call Me Nigger, Whitey” majestuando su propuesta que mezcla la psicodelia con el funk; la atractiva y envolvente “Sing a Simple Song”, o su clásica y grandiosa “I Want to Take You Higher” inmortalizada en Woodstock,  exudando su oferta multicultural en uno intenso y festivo corte de jolgorio musical.

El lado “B” expande su propuesta sobre los ideales de igualdad social en la melódica “Everyday People”; el funk más bailonogo en “You Can Make It If You Try”; y su deslumbrante jam de psicodelia, blues, jazz y funk con genial percusión en su parte final en la aventura sonora de “Sex Machine”.

Una sociedad cambiante y los Sly & Family Stone festejan esa transición con júbilo musical.