LOS PRISIONEROS - LA VOZ DE LOS 80S

 

Año: 1984
País: Chile
Género: Post-punk
Puntuación: ▲▲▲▲▲

Uno de los mejores trabajos discográficos provenientes del rock sudamericano, e igualmente proveniente de una de las mejores bandas de habla hispana; Los Prisioneros logran elaborar un sonido único y particular, derivado del punk inglés y con dirección post-punk ejecutan astutas y agitadas piezas llenas de dinamismo e ímpetu juvenil mas con destacable madurez tanto en la construcción melódica e instrumental como en la parte lírica.

Destaca el talento de su líder Jorge González en la mencionada construcción melódica y rítmica;  ávidas líneas de guitarras angulares y de bajo se comunican dinámicamente acertando además en el empleo de teclados para dar jovialidad y energía a las piezas, textos sardónicos que juegan con la crítica social, rebeldía juvenil, e inconformismo existencial con ánimos de reacción psico-social a lo lago de piezas bien construidas y memorables.

En su sonido se logra filtrar tanto el ímpetu punk de los Clash, y se adentran al post-punk que mistura la sonoridad neoyorkina de unos Talking Heads o Cars, con el post-punk del otro lado del charco como los Cure, Joy Division o los Smiths; sin embargo, su sonido astutamente huye de meras copias y se consolida junto con sus interesantes y entretenidos textos en una propuesta fresca, simple, directa y con la suficiente potencia y personalidad como para resaltar de entre lo mejor de la década ochentera por estos lares del hemisferio sur.

Arranca la enérgica “La voz de los 80”, agresiva pieza de punzantes textos que hacen referencia a un cambio social de pretensión nacional, se condimenta con un apabullante e irresistible manejo de las cuerdas con evocaciones garage-surf; “Brigada de Negro” es una pieza más pausada de tensa atmósfera y contenido lírico mórbido de noches de perdición y degeneración humana; sigue “Latinoamerica es un pueblo al sur de Estados Unidos”, genial composición con cargada crítica hacia una tierra resignada a estar siempre a la sombra del desarrollo económico y social de su vecino del norte, nos expone como títeres ignorantes necesitados de complacer al turista, logrando así una autocomplacencia indirecta hacia la potencia mundial que se satisface simplonamente en un interminable circulo vicioso; destacable por sus inspirados textos de contenido intelectual que se exponen en una jocosa rítmica reggae-ska muy a lo Clash.

“Eve Evelyn” es una notable pieza de mayor saturación atmosférica, cuasi-robótica parece hacer referencia a un Iggy Pop en “The Idiot” (parece apuntar al rock gótico) y posee un interesante pasaje instrumental en su parte media con aromas a unos Talking Heads; y “Sexo” hace referencia a unos primeros Police en su construcción rítmica e instrumental, y acierta al exponer al ser humano del fines del siglo XX como una mera bestia en celo disfrutando de su libertinaje sexual en una sociedad sin valores ni pudor, sometida subliminalmente al sexo fácil.

“Quien Mato a Marilyn” sorprende porque, en honor a la verdad, parece la versión perdida y traducida de algún corte ramoniano del 77, enérgica y directa, absorbe de la coyuntura americana conectándose con “Latinoamerica es un pueblo al sur de Estados Unidos” como referencia a la ‘trascendencia de la intrascendente‘ prensa amarilla yanqui en el hemisferio sur; “Paramar” aligera el contenido del disco en un tema lento por ahí con resonancia a unos Cars, “No Necesitamos Banderas” manifiesta cierta atmósfera de insatisfacción e indignación social, tensa y pausada a ritmo de reggae logra contundentemente exponer sus ideas anti-políticas de anarquía; sigue la entretenida «Mentalidad televisiva»; y cierra el disco la genial y demoledora «Nunca quedas mal con nadie», nuevamente recurriendo a la dinámica reggae-ska resulta irresistible la línea robusta y dominante de bajo con critica a la hipocresía humana y a la conveniencia.

THE ROLLING STONES - A BIGGER BAND

 

Año: 2005

País: Reino Unido

Género: Alternative.blues-rock 

Puntuación: ▲▲▲ 

Impotente regreso de la legendaria banda que acierta con este trabajo en presentar una revisión de su sonido más directo y crudo; si bien se alejan en cierta medida del excesivo manoseo FM y mainstream de sus predecesores discos noventeros (aunque inevitablemente termina cediendo en más de un corte a lo largo de este disco), sus textos terminan resultando de menor impacto y poco inspirados, restando mérito y siendo poco memorables en re-escuchas, dando como resultado una experiencia satisfactoria y muy disfrutable mas alejada de sus mejores momentos.

De lo recomendable, el detonante corte de inicio “Rough Justice”, áspera pieza en la que Richards exhibe un delicioso cocktail de cuerdas sucias garage.arena-rock, además de aderezarse con una atmósfera vertiginosa y acerba del más puro rock stoniano; “It Won't Take Long” con rugosa pastosidad eléctrica y un genial e intenso Jagger a la voz; ”Look What The Cat Dragged In”, estimable pieza rítmica que mistura a unos angulares Franz Ferdinand con INXS; “Sweet Neo-Con” y “Dangerous Beauty” exponen muy buenas ideas y consiguen agitados momentos de intensidad, aunque resultan extensas, de flojo desarrollo y poco memorables a la larga.

Las palmas se las llevan la irresistible “Rain Fall Down”, morbosa pieza disco-funk que revive de entre sus mejores momentos en su exploración musical de la segunda mitad de los 70s; y por supuesto “Infamy”, de entre lo mejor que ha hecho Richards en su etapa post-“Some Girls”, un directo blues que juega con el rock y el pop, de gustosa sección rítmica y aroma southern.

El disco también consigue frescos momentos de pop-rock simple y directo, muy característico de su etapa noventera, disfrutables, sin rodeos ni pretensiones, mas suficientes como para funcionar como medios tiempos rítmicos acertados y efectivos; destaca la pieza country “Let Me Down Slow” con frescas y sutiles emanaciones arena-rock; más country en “Biggest Mistake” con formulismo FM aunque hay que destacar el manejo melódico y sus estimables textos de arrepentimientos y culpas humanas; y la rítmica “Driving Too Fast” con reminiscencia a “Rough Justice” aunque lo suficiente vibrante para no pasar desapercibida.

En las baladas y tiempos lentos terminan cayendo en formulismos autocomplacientes y ya a estas alturas insoportables para el oyente, forzadas piezas genéricas que cualquier banda podría hacer como “Laugh I Nearly Died”; “This Place Is Empty” con Richards a la voz resulta estimable, aunque muy manoseada por su sonoridad y profundidad FM, si se logra prestar atención y aislar en la mente la línea de cuerdas acústicas uno puede imaginarse lo memorable que hubiera resultado la pieza a pura voz y guitarra acústica; “Streets Of Love” es otro predecible ejercicio facilista de construcción melódica que si bien la banda ha sabido ‘disfrazar’ con cierto mérito para convertirlo en épicas baladas, en esta ocasión les falla la poca creatividad lírica y la extensa prolongación de la pieza.

A pesar de los mencionados aciertos, el disco resulta tediosamente largo, editando algunos cortes cómodamente hubiese tenido mayor impacto y contundencia; el resto lo rellena piezas genéricas de poca trascendencia y de menor interés para el buen conocedor del sonido stoniano.

THE BYRDS - YOUNGUER THAN YESTERDAY

Año: 1967
País: Estados Unidos
Género: Psychedelic.Folk-rock
Puntuación: ▲▲▲▲1/2

Uno de los principales manifiestos definitivos de la psicodelia folk fue este esplendido trabajo discográfico ya sin Gene Clark, este último uno de los principales hacedores del sonido y encargado de la composición, quien optó por separarse de la banda debido a su miedo a los aviones. Esto le valdría a la banda efectuar una explotación del talento de sus miembros, tomando ahora mayor presencia Chris Hillman y David Crosby en el proceso de elaboración de su sonido.

El disco posee de entre lo más experimental y destacable del catálogo de la banda, asombrosas composiciones de psicodelia acida folk como “Renaissance Fair”, fascinante composición de textos surrealistas en una atmósfera mística; “C.T.A. – 102” destaca por su intromisión de efectos sonoros con alusión space sci-fi muy a lo “Revolver”; “Have You Seen Her Face” con adictivo arreglo de cuerdas country-folk de aromas campiranos; y la fascinante “Thoughts and Words” uno de los cortes gruesos del disco, depresiva y oscura psicodelia pop-folk de la costa oeste (a lo “California Dreamin” de los Pappas & Mammas) que presenta un insuperable solo en backwards de guitarra.

De entre las sorpresas del disco destaca también ”So You Want to Be a Rock & Roll Star”, corte que presenta efectos sonoros de gritos de fanáticos en vivo y una festiva atmósfera adornada con trompetas de resonancia mariachi; el cover de Dylan “My Back Pages”, simple y limpia pieza cuyo trato melódico dota a la pieza de una sensibilidad alternativa a la original bastante notable; y la envolvente “Everybody's Been Burned”, sorprendente pieza oscura y enigmática que presenta una desconsoladora atmósfera fría, tortuosa y cuasi-lúgubre.

De entre los cortes fallidos se menciona la pretenciosas y taciturna “Mind Gardens’s”, fatigosa maraña de cuerdas acústicas incesante y cansina; y completan el disco las entretenidas “Time Between”, country-folk con matices beatlenianos; y “Why?” redundando en lo previamente explicado sin mucha sorpresa.

BUFFALO KILLERS - LET IT RIDE

Año: 2008
País: Estados Unidos
Género: Alternative.Blues-Rock
Puntuación: ▲▲▲

Interesante banda americana que exhibe una fuerte querencia por el roots-rock en sus diversas vertientes, el ácido, la psicodelia, el country y el blues rock son la base para la elaboración de su sonido que, al igual que sus contemporáneos Kings Of Leon, desarrollan una propuesta con perspectiva alternativa bastante disfrutable para el amante del rock.

En su sonido se filtran bandas de renombre como Free, Buffalo Springfield, The Band, Grateful Dead, y sobre todo un predominante Neil Young a lo largo de concisos cortes enraizados en la cultura americana rock; líneas de bajo dominantes que emana sensualidad, tempos lentos en atmósferas densas psicodélicas sugerentes; se disfruta “Get Together Now Today” con ascendencia a unos Crazy Horse; la genial “Let It Ride” con postura ácida heavy de estridencia noise y arena con arreglos vocales psicodélicos, mixturando a un Hendrix o Cream con Led Zeppelin; “Leave The Sun Behind” con resonancia glam-psicodélica algo extensa; “If I Get Myself Anywhere” resulta una apreciable mezcla entre Neil Young y el glam de Bolan; y la sentida pieza lenta country-folk “Give And Give”.

Su sonido redunda en lo mismo, logrando momentos estimables de acierto melódico, “On The Prowl” emana una efervescencia campirana en su blues y rock n’roll; “It's A Shame” nuevamente con una mastodónica saturación ledzeppiana; “Take Me Back Home” posee un endemoniado riff que conjura un desenfadado blues y noise ácido; y “Black Paper”, notable pieza afligida y sentida de caos y perturbación psicodélica ya rozando con el prog-rock; fuera de ello el disco redunda en lo previamente explicado sin ahondar mucho en su estudio, siendo su sonido algo derivativo y poco trascendente en reescuchas.

QUEENS OF THE STONE AGE - ...LIKE CLOCKWORK

Año: 2013
País: Estados Unidos
Género: Alternative.Stoner-rock
Puntuación: ▲▲▲

El regreso de la banda stoner ahora ahondando en su atmósferas perturbadoras, claustrofóbicas y de intriga pasiva que detona en una psicosis mental con golpes de batería en estilo tribal lento, fríos golpes secos (herencia de Blue Cheer), mercenarios, un bajo potente y funesto, se presta la atmósfera para macabras aventuras y relatos tétricos en el que los miedos, traumas y amenazas quedan al descubierto ante el oyente.

“Keep Your Eyes Peeled” abre el disco con frías notas de potente batería y atmósfera tensa a lo Doors en “Strange House”, confusión y caos, penumbra y tensión psicológica acogen la mente en un trance perturbador sin salida; “I Sat By The Ocean” posee un adictivo riff simple y directo junto con ejercicios vocales psicodélicos; Josh Homme expone su lado crooner en la lenta "The Vampyre Of Time And Memory", depresivo tema de desolación amorosa; y "If I Had A Tail", estupenda pieza de dinámica sección rítmica y atractiva melodía que recurre al glam como al ácido stoner, con ecos de Iggy Pop o incluso un Bowie berlines. 

“Kalopsia” ofrece una fascinante construcción que explora momentos lentos de paz y calma (con alusiones a unos Doors), con encendidos desfogues estridentes ácidos, la pieza se construye equilibrándose con elegancia y notable dominio de la intensidad; “Fairweather Friends” contrapone a dos bestias; Josh Homme y Elton John, por un lado se percibe la distorsión, el abuso de feed-back, la crudeza y visceralidad del stoner-rock, y se yuxtapone con las delicadas y melódicas notas de piano de un acertado Elton dando una de las piezas más brillantes del disco; y  "Smooth Sailing" suena a unos Scissor Sisters tentados por las fauces del rock industrial.

DM3 - ROAD TO ROME

Año: 1996
País: Australia
Género: Alternative.power-pop
Puntuación: ▲▲▲▲

Siguiendo la dirección que algunas bandas noventeras (sobre todo inglesas) como Teenage Fanclub o Supergrass de revivir el power-pop setentero de bandas como Raspberries o Cheap Trick, llega desde Australia DM3, una agrupación forjada por el ex-Stems, alejándose de su postura garage, y adentrándose con mayor ahincó en la construcción melódica power-pop, consiguiendo elaborar frescas y dinámicas piezas que resaltan de entre lo más recomendable de la década.

Astutas piezas de contagiantes secciones rítmicas, llenas de enganche melódico con revisión a bandas sesenteras como The Who, The Beatles, al mod-revival de los Jam, y al estilo alternativo de bandas como Pixies o los mencionados Teenage Fanclub; destacan “Can't Get What You Want” con estupenda sección final inspirada en el mod de los Who; “Dead Star” destaca igualmente por el uso de teclados y una postura más agresiva con guitarras eléctricas; “Speed Freak” insinuaciones punk-pop y glam por ahí apuntando a unos Oasis de su disco debut; la genial “Second Floor” que recuerda a unos AC/DC más ligeros; “Pleaze You” con intro psicodélica a lo Stone Roses; “Something Heavy” es una interesante mistura entre McCartney y Raspberries; y “Soultop”, potente pieza que podría ser ejecutada por unos Red Kross.

PIXIES - BOSSANOVA

 

Año: 1990
País: Estados Unidos
Género: Alternative
Puntuación: ▲▲▲▲

El sonido de los Pixes resulta inconfundible para el amante del rock menos accesible y comercial, sus ejercicios musicales, su estilo y su técnica se convertiría así con el pasos de los años en el nexo de muchas bandas que surgieron y pasaron del underground al rock comercial tras el auge de la corriente grunge que coparon sin precedente alguno en el mainstream.

Su propuesta resulta es esta ocación de mayor oscuridad y robustez, atmósferas depresivas, fatalistas, emotivas y saturadas, coqueteando con el rock gótico; “Cecilia Ann” es un pasaje de rock garage y surf (original de los Surftones) que explora la la temprana explosión psicodélica sesentera de bandas como Chocolate Watch Band o Blues Magoos; “Rock Music” es una desquiciante pieza muy de su estilo, cruda y visceral vocalmente hablando de un Black Francis en una maraña eléctrica de ávido noise-garage; “Velouria” es una disfrutable pieza melódica con profundidad sonora nutrida en efectos y arreglos corales; y sigue el enérgico power-pop de “Allison”.

“Is She Weird” es otra dinámica pieza de característica impronta pixiana, lentos tiempos de sigilosa y cuasi-morbosa intriga, que detonan en un clímax catártico y tenso de alaridos, relinchos, robustez instrumental y psicosis atmosférica; “Dig For Fire” con insinuación rítmica reggae-funk y un encantador manejo de cuerdas en una genial e instantánea melodía  que por momentos emana un aroma new-wave; la hipnótica “Stormy Weather” con inspiración de unos Beatles en su “White Album”; y cierra la embriagante “Havalina”, una de las mejores piezas de la banda, tranquila y apacible, resulta un acorde punto final reposado de delicado manejo de cuerdas y ensoñadora melodía musical.